Search Results

DISRAELI GEARS (Cream 1967) Click to listen in Spotify Artist: Cream (B) Recording Dates: May 1967 Release Date: 2 de Noviembre de 1967. UK Record Label: Reaction / Atco Producer: Felix Pappalardi Rating: 10 (MUST HAVE) Era: Psychedelia (1966-1969) Subgenre: Guitar Heros Best Song Sunshine for Your Love and Strange Brew just below. Tracklist: 1) Strange Brew ; 2) Sunshine Of Your Love ; 3) World Of Pain ; 4) Dance The Night Away ; 5) Blue Condition; 6) Tales Of Brave Ulysses ; 7) Swlab r ; 8) We're Going Wrong ; 9) Outside Woman Blues; 10) Take It Back ; 11) Mother's Lament. If I had to go to a desert island and take only 10 records (along with a player and solar power system), this would be one of them. Without a doubt. This is one of the masterpieces in the entire history of rock, and I never tire of listening to it and discovering new things each time. It's not easy to choose among the best of '67, which in my opinion was the best year in terms of both quantity and quality of rock music produced, but this album crowned a glorious year that saw some of the best work from the Doors, The Beatles (I'm talking about Magical, not Sgt. Pepper's), Pink Floyd, Hendrix, The Who, The Velvet Underground, Jefferson Airplane, Janis Joplin, the Rolling Stones… Unlike Fresh Cream, this is a very consistent album, with some true masterpieces and a few lesser tracks, but also some quite interesting things to be found. Even in the weakest song, like "Blue Condition ," there's a certain melodic charm despite Ginger's sleepy vocals. The sound of all the instruments throughout the album is sharp and powerful, with tremendous production: the drums on the left, the bass on the right, and the guitar swirling all over the place. Ah, that guitar… Here Clapton has fully discovered the power of the wah pedal. He wields the wah pedal like a god. If the graffiti claiming this sounded exaggerated in 1966 , by now it's undeniable, and Clapton owes much of his place among the trinity of guitarists to this album. Later came Wheels of Fire , Derek & The Dominoes , and other Clapton albums, but none as consistent, experimental, and perfect as Disraeli. Ginger, for his part, not only delivers impressive drum hits, but does so with masterful precision, displaying a technique that would confirm him as one of the best in history. Jack noticeably improves his songwriting skills, largely due to his collaboration with Pete Brown, and his vocals also improve, achieving some very good moments. However, realistically, Bruce's strength lies in his bass playing, not his pen or microphone. Despite demonstrating that he's a tremendous, creative, and fast bassist, Bruce isn't a great singer or songwriter , but on the other hand, this would be his best attempt in these areas, and his effort is appreciated. Overall, the three musicians manage to overcome their biggest weaknesses, especially vocally, to sound confident and assured, giving the music much greater power. Here, all three are at their best, and Clapton dares to step outside his blues comfort zone to experiment with psychedelia and pop, which are the essence and foundation of the album. The album, then, is a perfect reflection of that mythical Summer of Love, achieving a psychedelic rock-pop sound with blues influences, very similar to what Hendrix was doing, but at the same time from the opposite extreme. That is to say, while Jimmy is incendiary and unpredictable, Clapton uses more technique and elegance (without losing any of the power), but both delight with their guitar playing and acid sounds. Two sides of the same coin. Furthermore, perhaps no other album in history has such a perfect match in terms of cover art and sound. The cover was designed by Martin Sharp, an Australian who was Clapton's neighbor and friend. And what a cover! Totally groovy with intense colors, wings emerging from the band's name, the three faces in strobe-like colors… It's as if we put on LSD and this cover summarized the spirit of that year, in a more effective and simple way than the bombastic cover of Sgt . Pepper's. In addition to designing the cover, Sharp fancied himself a poet and contributed the poem that would later become the lyrics for "Tales of Brave Ulysses", which is why it sounds lyrically different from the rest of the material. Regarding the album title, it was one of those ideas that could have easily occurred to Ringo Starr. Originally, the album was simply going to be "Cream," but one day Eric was arguing with Ginger about bicycles because he wanted to buy a racing bike; Mick Turner, who was a casual friend, overheard the conversation and remarked, " It's He got Disraeli Gears” instead of “ Derailleur Gears,” which is the gear-shifting mechanism. He was probably drunk or high, but he gave a majestic title to an album that deserved more than just “Cream” on the cover. The album's main innovation is the way it transforms pure blues into a magical and brilliant blues-pop-psychedelic experience. "Strange Brew" , the opening track , is a magnificent example and the second most important song on the album. This song is crafted with tremendous intelligence: while still imbued with the aura of 1967, it remains fresh and current, with a perfect sound—sweet and flowing, yet sharp and menacing at the same time—and surreal lyrics about a witch in love with the narrator that perfectly complement the mid-tempo rhythm and falsetto vocals . Clapton's arrangements are simply exquisite, blues-based but laced with acid, featuring a magnificent guitar solo, slow as waves of notes, as if justifying his nickname " Slowhand ." Check out Ginger's drum fills! And what can be said about the bass line, deliciously rhythmic, carrying the song along in its ebb and flow? And the closing mini-solo by Eric is the icing on the cake. A well-rounded song from every angle, and a clear example of the intelligence and maturity these guys had acquired in creating music. The second track is phenomenal. "Sunshine of Your Love" isn't just one of the best songs of 1967, but of all time. It's perhaps the most well-known and recognizable riff ever, and quite simple , actually. Many kids don't even know who it's by, but they can play it. More than a psychedelic piece, it's a powerful, slow, hard rock song, an avalanche of force. It's said that the riff ( What a riff!!) WHAT A RIFF!!! Jack Bruce created it by accident while tinkering with his double bass. Besides the powerful guitar, which alone sends shivers down your spine, the drums are devastating. Frankly, I don't know much about rhythm, but the drummers I've played this song with say it's quite difficult because it's played "backwards." In any case, the drum riff is also monumental and instantly recognizable even without other instruments. The vocals alternate between Jack and Eric, both doing a great job with what the song demands, and blending perfectly in the choruses. I love the part where Jack raises his voice in the second verse. The guitar solo at the two-minute mark is one of Clapton's best—vibrant, full of energy, and bluesy, fitting perfectly with the song's structure. The third song is “World of Pain” , a pessimistic and melancholic track with a slow tempo, but once again featuring perfect instrumentation, with Mr. Baker's drumming being particularly noteworthy. Also worth mentioning are the vocal changes, where Bruce begins with a low voice, perhaps too low for him, and then launches into a high falsetto to reach the chorus in this soaring register, where Eric joins him. They should sing duets more often, as this is undoubtedly when Cream's songs truly shine. Next comes “Dance The Night Away” , where the blues influence is barely noticeable, and it's more of an excellent pop song. Eric manages to soar with his guitar before each chorus, creating impressive mandolin-like arrangements. It's not a frantic riff, but rather small solos that build towards the grand chorus: “ Dancethe-NightaaWAYYYY .” His guitar has never sounded so harmonious, so sweet, like a rainbow from which he's squeezed every last note and sound. Bruce and Ginger also sound phenomenal here , but without a doubt, Clapton's work is outstanding. “Blue Condition” is the weakest track on the album, sung by Ginger. Aside from Don Henley, there aren't many drummers who can effectively sing while playing. And in the studio versions, they don't even have to do it simultaneously. But this song demonstrates why the vocal responsibility falls to Jack Bruce and Eric Clapton, even though they're not exactly Pavarottis either . At least he's in tune, but the way he sings, sounding sleepy and like he has the flu, is very unpleasant. Anyway, the musical harmony isn't bad and has a certain charm. It's not as powerful as the other songs, but it's not truly awful either… The second side of the album opens with “Tales of Brave Ulysses” , written by Sharp about the adventures of Odysseus, and therefore brimming with that imaginative soundscape: mermaids, mournful winds, laughing purple fish that dart between fingers, foaming waves, and goddesses who wander in their pearly shells… the song is fantastic in every sense, with a somber yet dynamic atmosphere. Musically, it's a masterful duel between Bruce's furious bass playing and Eric's experimentation with his wah pedal at full blast. An imaginative and powerful work, thanks to the techniques of all three musicians. Then there's "SWALBR" , short for "She Walks Like A Bearded Rainbow." The truth is, it's Mr. Clapton who looks like a bearded rainbow , with another impressive riff, more bluesy than the previous tracks. The guitar sounds fast, full of fury, literally roaring on some notes and giving it a lot of power without overloading the distortion pedal. The eighth song is “We're Going Wrong” , another depressing track, much underrated by many. From the very beginning, the song is shrouded in a contagious aura of sadness. Jack Bruce delivers his best vocal performance here, crafting a complex and deeply emotional melody that conveys dark feelings. The melody, almost entirely in falsetto , is repetitive but well-structured, and he manages to subtly alter it to avoid making it tiresome or repetitive. Baker, for his part, lays down a massive drum solo from the start, seemingly at odds with the mantra-like vocals of Jack. However, it fits well, steadily building the tempo until it culminates in a devastating structure that could easily belong on one of Godsmack 's mountain-shattering tracks . Clapton, meanwhile, provides simple strumming to establish the chords in the first part, before launching into a guitar solo that strongly recalls what he would do a few months later with the Beatles—not because he plays the exact same solo, but because you can feel his guitar weeping. It's not as complex as some of the other songs on the album, but I think it's very well done and the criticism is undeserved. “Outside Woman Blues” is another minor track on the album. Again taking a blues-based approach, the riff sounds somewhat immature and lacking in power, but at least the drumming is quite good, especially when Ginger hits that triple hit. At least it's better than “ Four” Until Late” from the debut album. “Take It Back” is a catchy, pop-infused, and festive song. You can even hear a harmonica in one of them. The guys seem to be having a blast. It's a song that holds up well, but it doesn't sound particularly impressive. Bruce wrote the song in reference to a protest where students burned their draft cards. So, this is an anti-military anthem, a political song disguised as a party tune. Finally there is “Mother's Lament" is a practically a cappella melody, with just a little piano , funny lyrics, and a rather amusing harmony. Doesn't it remind you of The Borbotones? Or that part, "In a JAAAAAAAAAAAR," which sounds like the jingle for "Two and a Half Men"? It's not a serious song; on the contrary, it's very fun, especially if you listen to it with headphones, first with the right ear and then with the left. In short, a monumental piece, showcasing three musicians considered among the best on their respective instruments and at their musical peak. Pete Brown's collaboration on the composition is a significant asset, contributing more elaborate and mature harmonies. Clapton, for his part, is at his most creative and experimental, rivaling Hendrix for the title of best guitarist. From beginning to end, it's a delight, although a couple of tracks fall below average; these aren't truly disastrous. Many people say it 's overrated these days . I disagree. Rolling Stone ranks this album 112th of all time. So it's not me saying Rolling Stone doesn't know anything about music; they're the ones saying it. This album definitely deserves to be among the 10 best and most influential in history. The album was finished long before Sgt . Pepper's , but the record company held off on its release until almost the end of the year. This undoubtedly diminished its potential impact, but it has nonetheless established itself as a revolutionary, magnificent, and essential album for any music collection , despite the sacrileges of those "so-called" experts. If you don't own it, don't expect VH1 to recommend it... what are you waiting for? Leave it downloading while you run to the record store, this is a MUST HAVE! By Corvan Apr/6/2009

GOODBYE (Cream, 1969) Click to liste in Spotify Artist: Cream (B) Recording Date: Oct ‘68 Release Date: February 5th, 1969. USA Record Label: Polydor Productor: Felix Pappalardi Rating: 7.5 Era: Psychedelia(1966-1969) Subgenre: Live Album Best Song: Badge Tracklist 1) I'm So Glad; 2) Politician ; 3) Sitting On Top Of The World; 4) Badge ; 5) Doing That Scrapyard Thing; 6) What A Bringdown; 7) Anyone For Tennis. Goodbye Cream is one of those albums you're not sure if it's a studio album, a live album, or neither. When it was released, it included three live tracks, between five and nine minutes long: one from Fresh and two from Wheels of Fire . It also featured three previously unreleased songs, which seemed to mimic the format of the second disc of Pink Floyd's Ummagumma : each band member contributing one of their own songs. The interesting detail is that this album was recorded and released months before Ummagumma , haha. In fact, the idea was that this fourth album would have an ambitious format similar to Wheels of Fire , a double album: one disc with live versions of their best songs, and another with unreleased tracks. They had everything planned except that Jack and Ginger would once again have a falling out and threaten each other with death, and the formidable trio would fall apart before they had enough material to complete the original idea. Indeed, Goodbye is far too short, even though " I'm So Glad" lasts over nine minutes. In total, it barely reaches half an hour. That's perhaps why the general idea is that Cream has three albums, because it's really hard to take this one seriously as a formal fourth album with only three new songs, plus the bonus track released on the CD reissue. For me, it falls far short of the standard they set, but obviously the other three albums leave you searching for anything else from the trio, and this is the next logical step. But Corvan, Cream live was an unbeatable machine!!! Yes, absolutely . Cream at their best was a band that knocked you off your feet, surpassed in power only by The Who and maybe The Experience, but the night of October 19 , 1968, at The Forum in LA, wasn't one of their inspired nights. Hearing Cream live was like hearing the solos of three virtuosos at the same time AND IN PERFECT SYMBOLIZATION, catapulting the songs to orgasmic levels beyond this universe, and the proof is "Crossroads," one of the best live covers in history. Unfortunately, there isn't an official live concert that captured them at their peak; you have to look for old videos or bootlegs . On this album, things were so tense that the three of them arrived at the concerts in separate limousines, and in a childish rivalry, Baker and Bruce tried to hire longer and more luxurious limousines each time. So, here in the three live tracks, we hear three impressive solos simultaneously… but heaven knows which song each of them was playing. At times, the jams are truly chaotic, only coming together to return to the song itself. Goodbye Cream is one of the worst albums to showcase the true potential of the legendary trio, and Live Cream is even worse. I insist, not because they were bad live, but because the tension they felt during the recordings is evident in the performance. So much so, that the magic only returns at the 2005 Royal Albert Hall concert, almost 40 years after their breakup, where they sound more subdued, with a bit of restraint due to experience, but once again sounding like a synchronized trio enjoying what they do. Despite the passage of time, Baker's arthritis, Bruce's recent liver cancer surgery, and Clapton's rejection of psychedelic influences and his virtually non-add of wah-wah pedal, at that 2005 concert they sounded like a tight band once again, demonstrating why they were among the most powerful and influential in history despite their very short lifespan. Ah! And I almost forgot about the BBC!!! But what I meant was that at the time there wasn't a single live broadcast that did them justice. But going back to late '68, Cream was already just going through the motions to fulfill their tour contracts, which ended up being a farewell tour. Ginger and Jack hated each other to the point of sabotaging each other's instruments, and there's a rumor that Baker threatened Bruce with a knife, although apparently it was in the band they were in before Cream formed. Anyway, that background helps us understand why Cream only lasted two and a half years. Eric, for his part, was fed up with babysitting and mediating between his bandmates. For Wheels of Fire , he'd received a scathing review from Rolling Stone, which called him a " master of the blues cliché." Also, around that time, he was impressed with The Band's first album, Music from Big Pink, which leaned more towards roots rock, a far cry from the psychedelia of Eric's style at the time. Rumor has it that he was so fascinated that one day he took a flight to New York to try to join The Band, but they turned him down (and in contrast, Eric would reject invitations from the Beatles and the Rolling Stones to join their bands in less than a year! ). Eric also wanted a change of style, and although he could try it with the supergroup , the attitude of his bandmates was an extremely difficult obstacle. The album is very uneven. It's hardly their best live performance. Bruce had acquired three powerful Marshall amplifiers by then and sometimes used all three to overpower Baker's sound. This is also why Eric and Bruce sound like they're shouting the songs, because the bass is excessive and crushing, even though it's already been edited here. Baker seems to be playing at his own pace because I'm not sure he could hear himself at all, despite the force he put into his drumming. Of the new tracks, Clapton's "Badge" (and L'Angelo) Misteriosso (who you probably already know is Misteriosso) is undoubtedly the best. Jack contributed with “Doing That” "Scrapyard Thing" is a very strange track and deviates from the trio's usual style. The same could be said of Ginger's " What a Bringdown ," although in his case it was possibly the best thing he wrote with the band. The album opens with the live version of “I'm So Glad”. This is the longest song on the LP, clocking in at over nine minutes—practically longer than all the new tracks combined! It's a high-energy version, with Jack and Eric duetting on the catchy chorus. This highlights Clapton's evolution as a vocalist, from his initial terror at even approaching the microphone to the ease he gained as a backing vocalist in Cream, eventually taking the lead on several tracks or adding his vocals live to songs that originally didn't feature him, as in this case. In short, the riff, the chorus, and the rapid arpeggios are identical to the Fresh version. What changes is the bass effect. It sounds like Bruce cranked up the overdrive on all three amplifiers, resulting in a crunchy, heavily distorted bass. It not only overpowers the drums but at times even crushes the guitar, which now has a very clean effect, although the original version doesn't use a wah pedal either . From 1:25 onwards, the solos begin. And I emphasize "solos" in the plural because it's not just a guitar solo, but also bass and drum solos. What they do is brutal; Cream's live performance must have been tremendous. But here it's a battle of egos. They're not building a song; they're each fighting to outshine the others. They're not listening to each other (and I think Jack Bruce is to blame for this), and the jam , while impressive in its technical display, doesn't shine simply because it lacks direction and cohesion. These are perhaps Clapton's best moments on the album, with truly lightning-fast solos. Jack delivers a brutal blues scale solo, demonstrating what can be done with four strings. Ginger seems to be dissolving just to be heard—rolls, fills —suddenly attacking the cymbals, trying with all his might, but he's drowned out by the volume of his bandmates. And at times, they're boring. While they're impressive individually, trying to listen to them as a group gives me a headache. And it's sad, but it reminds me of the later stages of my two bands. And no, I'm not comparing them to Cream's virtuosity or style, not at all, but both Moby Dick and Plastic... Soldiers agreed that towards the end, when it was more chaos than anything else, some people weren't comfortable and didn't care or weren't taking it seriously. They turned their instruments way up, drowning out others, and the songs became pointless jams . I'm not into jams at all , but listen carefully to the third album by All. Harrison's Things Must Pass (which actually features Clapton) and the improvisations here will make a difference. I know from experience when in a jam session people are playing for the band and the song, and when they're just playing for themselves without caring about anyone else, and that's why I can say that here everyone is doing whatever the hell they want. Next up is “Politician” , which I'm not sure if they changed the key or tuned the instruments differently. Live, it sounds a bit faster, and Ginger loses some of the jazzy elegance of the studio version, sounding almost apocalyptic. Bruce, for his part, screams much more; I don't know if it's again due to the volume, but at times he sounds very strained, barely reaching the notes, and this affects the song overall, although instrumentally it's the best of the three live tracks. They don't go on as long as the previous song, stretching it to just over six minutes, and while in “Glad” Clapton shines for the speed of his solos, here he shines for his great use of the tremolo bar. Also, at least in the lead guitar part, Bruce seems to lower the volume, so it sounds a bit more balanced. It's not a powerhouse, nor do I think it accurately portrays Cream on stage, but I believe it's the best live track on the album, so I'm highlighting this excellent neo-blues in red . On the vinyl, “Sitting On Top Of The World” opens side B, somewhat balancing the length of each side. The riffs are very different. Here it sounds rawer, more rudimentary. Clapton leans more towards roots blues, moving away from the more psychedelic and elaborate riff of Wheels of Fire . It lasts a relatively reasonable 5 minutes, but suffers from much the same issues as the previous songs. At least Eric has another great moment with the solo, and at times, they seem to regain their group dynamic and blend well in the last half minute of the guitar solo. And then there's the grand finale, where Eric shines with a bluesy barrage . "Goodbye" has a hidden gem that's worth the whole album. It's "Badge" , the first of the original studio tracks. This was co-written with George Harrison, who also plays rhythm guitar on it. When the idea for the album first arose, the intention was for each member to contribute their own song. Has anyone noticed that, despite the countless times Eric Clapton was co-credited up to this point, he hadn't written anything entirely on his own? His first song written entirely by himself wouldn't appear until 1969 on Blindfaith , with " Presence of the Lord." Since he was terrified and blocked, he asked Harrison to repay him for the favor of writing "While My Guitar." And melodically, it has all the Beatles' magic , right? The title came about because it didn't have a name when George and Eric were putting it together. Harrison had simply written the word "Bridge" to signal the change, but Eric misread it and thought it said "Badge," so he sang it that way, and it stuck. The song is perfect, with its bittersweet pianos, the 100% Harrison-esque arpeggios in the bridges just before the chorus, the brilliant and powerful bass line, Ginger's impressive fills and drum rolls, string arrangements… and great rhythm guitar and backing vocals, haha. Eric's solo is masterful, pure and explosive blues, and this time with a great balance in the production. I love the ending, which is left hanging. George appears in the credits as ' L'Angelo Misterioso' due to potential legal issues between the different record labels. Interestingly, although it was one of Clapton's solo anthems, Cream wouldn't perform it live… until 36 years after its release! Continue “Doing That Scrapyard Thing" , which is Jack Bruce's contribution. Curiously, the dominant instrument isn't the bass, but the piano. It's a strange, extravagant, somewhat bizarre and circus-like song. But I like it. I still don't know why —whether it's because of the melody and Jack's odd vocal and accent placements, or the piano/organ, or Clapton's great guitar work. It's Cream's last psychedelic-tinged song, and it has a festive and carefree feel that puts a smile on my face every time I hear it, even though many consider it a weak point not only on the album, but in the trio's entire discography. And the original album closes with “What a Bringdown” , a blistering Ginger Baker track. While not a Cream classic, I think it's far superior to “ Pressed Rat and Warthog .” The bass sounds apocalyptic, Jack sings with a rare sense of urgency, and Clapton delivers a blistering performance, reminding us that he was once the god of the wah -wah pedal, which is why it's the effect's only appearance on this record. I love the solo, with Ginger's cymbal crashes, the wah-wah going full blast, and a bell ringing out now and then. Overall, the band creates a tight, vibrant, and dramatic atmosphere. On a good day, I'd definitely mark it as a must-listen. The CD reissue includes “Anyone for Tennis” , which was originally released as a single and later included on The Savage Seven soundtrack. It doesn't add much, though. It's a quiet, pastoral track, dominated by flutes and ending with a brief violin arrangement. Eric plays acoustic guitar, while Ginger is content with congas and percussion. It's a more intimate song, as if the band were jamming in someone's living room in a semi-acoustic setting . By the time the album was released, Cream had already broken up. Perhaps that's why the plan to complete two albums couldn't be realized. In fact, it's questionable whether this can even be considered a single album, given its mere 30-minute runtime. The sound engineers for the concert should be burned at the stake. And then beheaded. Although, it's not really the engineers' fault that the trio played so badly during their final tour. The album was ultimately Polydor 's last-ditch effort to squeeze the last drops of juice out of a fractured band that had already given its all. This contrasts sharply with the super- cool cover , where they look more friendly than ever in those white tailcoats. I think that's why it's somewhat disappointing, because you'd expect to hear Cream as a juggernaut live, and you have enormous expectations for the studio material, but ultimately neither lives up to them. Except for "Badge", of course, but after all, you can find it on any compilation album. If you're not a die-hard fan of the band and some of their greatest hits were enough for you , there's no reason to start here; this would be more of a last resort. But if you are a fan, no matter what I say, I know that eventually, after listening to the three previous gems, you'll seek out and listen to Goodbye , and you'll be left with that same bittersweet feeling upon hearing the twilight of one of the greatest and most ephemeral rock bands in history. There's nothing more to say: Goodbye Cream! Thank you so much in such a short time!!! By Corvan Jun/6/2013

WHEELS OF FIRE (Cream, 1968) Click to listen in Spotify Artist: Cream (B) Recording Dates: Jul ‘67 – Apr ‘68 Release Date: July 16, 1968. UK Record Label: Polydor Producer: Felix Pappalardi Rating: 9.5 Era: Psychedelia (1966-1969) Subgenre: Guitar Heros Best Song : White Room in one and Crossroads in the other, by far! Tracklist: 1) White Room ; 2) Sitting On Top Of The World ; 3) Passing The Time; 4) As You Said; 5) Pressed Rat And Warthog ; 6) Politician ; 7) Those Were The Days; 8) Born Under A Bad Sign ; 9) Deserted Cities Of The Heart ; CD2: 10) Crossroads ; 11) Spoonful; 12) Traintime; 13) Toad. This double album achieved an almost mythical status from the moment of its release because by that time the group was already suffering from so much internal conflict and strain that its dissolution was imminent. The band decided to split up in May , only fulfilling previously scheduled live commitments, and the official dissolution of this mega-trio would come in November . So this is the last album of Cream's short but substantial career. Later, a few live albums were released, such as Goodbye I and II, and the Farewell Concert, recorded during their performances during that final period of 1968. But to be honest, they aren't the band's best live recordings, as the internal tensions were evident; more than solos, they were battles to see who could stand out and be the loudest, and what they really wanted was for the band to end as soon as possible. I think even the recording from the Royal Albert Hall in 2005 surpasses them because, although time ( almost 30 years!!! ) hasn't been kind, at least the members sound in that reunion like a tight-knit band that enjoys what they're doing. So, Wheels of Fire is a double album: the first part is a studio recording, and the second is a very high-quality live performance—at least in my opinion, better than Goodbye . Cream was a band that innovated in the studio, thanks to the sounds and experiments they achieved, especially Clapton with his pedals. But Cream's true magic was live, where they transformed into a three-headed monster, capable of stretching out magnificent improvisations full of technique and mastery that still amaze me today, while the audience demanded ever greater virtuosity and longer solos during their shows . The magic they unleashed live was unique, as they didn't need light effects or to jump around the stage; the three of them were very understated onstage, and simply listening to them is still contagious today with the tremendous energy they were capable of, although unfortunately, there aren't many quality recordings of them at their peak as a live band. The second disc of this Wheels of Fire at least shows them at a very acceptable level on stage, while the first disc presents the band in their most experimental facet within the studio, still with very good riffs and a strong blues influence, but also songs where the detailed creation of atmospheres takes precedence over the explosion of energy. So, at the time of recording this album, Ginger and Jack were barely speaking to each other, while Eric was fed up with acting as an intermediary. But they decided to record this album as the final legacy of one of the most talented and influential bands in history. The album features brilliant psychedelic anthems showcasing Clapton's best wah -wah pedal work ever; ferocious blues covers that were practically rewritten and reimagined by the band; and well-crafted experimental pieces with Eastern or medieval atmospheres, instruments they hadn't used before such as the viola and trumpets, as well as funkier rhythms . It's true that Cream's real revolution was created on their first two albums, but this one certainly doesn't lack innovation. The psychedelic aura starts with the cover. It's similar to the cover of Disraeli Gears simply because it was also designed by Martin Sharp, the difference being that the gray color is a bit less striking. At the time, the LP came in an aluminum case that accentuated the hallucinatory effect of the cover, an effect that earned Sharp the New York Art Director's Award. Award for Best Album Design in 1969. Personally, the gray cover doesn't appeal to me much, compared to the brilliance and color of Disraeli Gears, which I consider one of the best in history, but I suppose the aluminum gave it a much better effect than the current dull gray and somehow represents the band's mood. The album opens with the sublime “White Room” , which in my opinion is the second-best song in Cream's short catalog and therefore the best on this album. It's a psychedelic anthem that combines the cosmic sadness of “ We're Going Wrong ” with the descending riff of “Tales of Brave Ulysses ” and a touch of magic from these three virtuosos. The intro is almost operatic, creating a wall of sound that at times resembles an orchestration, but it's simply the band with some effects, the guitar wailing with three fingers, and the bass and drums rumble powerfully in the background. Impressive. That intro always manages to knock me off my feet, and it's repeated a couple of times in the song, once at 2:15 and again at 3:30, just before the coda begins. Then the verses kick in, slow but with enough power from that delicious downward riff. Ginger does a very rapid drum roll to enter the cosmic aura that Jack creates when he sings the chorus in falsetto : “ I'll wait in this place, where the sun never "Shines …," while Baker lays down a mammoth drum solo with some off-beats , and Clapton adds light to his wah pedal and uses the tremolo bar for that celestial aura in the chorus, in addition to sprinkling the entire song with mini-solos , each second wilder than the last. Thus, the next verse maintains the same structure as the first, but the difference is that a ferocious dialogue is created between Jack singing and Clapton's guitar solo. This leads to the repetition of the intro , which, after the frenetic effect of the chorus, returns to lend a certain solemnity and magnificent darkness to the song. For the next verse, Clapton doesn't settle for a dialogue, but instead delivers an incendiary guitar solo over Bruce's voice, bringing the song to its peak, a blend of vocals and one of the best solos in Eric's career. A new chorus follows, then the final repetition of the intro , and just when it seems the song is going to end here (and it could), with that last sustained note at the 4-minute mark, The song explodes with a powerful instrumental coda: Eric delivers an even more potent and elaborate solo than before, while Bruce also provides a bass arrangement that's a solo in itself, managing not to overpower each other, and Ginger adds some truly apocalyptic off-beats and drum fills. What's remarkable about the song is the way they weave together an atmosphere that sounds both melancholic and powerful, achieving highs and lows, like at 3:00 when Eric sends us soaring to heaven with his tremendous wah-wah , only to immediately bring us back down to earth with a chorus that barely changes rhythm but noticeably drops in intensity, becoming almost intimate with Bruce's falsetto . The lyrics are somewhat silly, but who really cares with such incredible instrumentation? Anyway, I could spend hours talking about this track, but there are still 12 more to go. I just have to mention that I adore Clapton's wah-wah solos , in case anyone hadn't noticed. Next up is “Sitting On The Top Of The World” , a blues cover reinterpreted as a slow but incredibly powerful blues-rock number. The guitar is heavily distorted, and the bass again seems to be playing a solo the entire time (which is why Bruce is my favorite bassist), while Ginger approaches the heavy, destructive tone that Bonzo would later employ on Zeppelin's debut album. The difference here is that this is a reworked blues, not a proto-metal piece . Some might find it boring because it's so slow, but the extended solo that begins at 2:15, in which the three instruments explore every possible resource that the basic blues structure allows, is colossal. It's definitely not a pop song, but this is one to blast and listen to with your eyes closed, following each instrument individually, to truly appreciate its value. At 4:15 Jack gives Eric back the detail from the previous song and starts singing right at the climax of the solo , creating together an orgasmic effect. Next comes "Passing The Time" , which also has an intro that's half operatic and half apocalyptic. However, it 's not psychedelic rock. After that energetic opening, a slow rhythm begins, with keyboards and a swaying vocal harmony, almost like a lullaby. Pappalardi in the background creates a lovely backdrop with his viola, enhancing the hypnotic and sweet effect. At 2:05, what should be the continuation of the intro occurs , with a rhythm that suddenly becomes frenetic, repeating the title countless times while the three musicians go wild in an intense jam with a somewhat Eastern feel that gradually fades away. At 3:20, the lullaby returns, and that's how it ends. It's an experimental song, but in my opinion, the drastic changes work and are interesting. It's as if they'd put "Helter Skelter " in the middle of "Good Night" on the album the Beatles were recording at Abbey Road at the time, an album that also featured Clapton as a guest. I agree, then, that it's not Cream's best song, but I don't understand the merciless criticism of this track . Next up is “As You Said” , another experimental track with a cosmic, almost oriental feel. Papparaldi again contributes to the sound with his distorted viola, creating a kind of blend between the Velvet Underground and Led Zeppelin. However, Led Zeppelin hadn't yet debuted, so the influence of this type of track on future Led Zeppelin songs, like “Friends,” is clear. The ascending acoustic guitar, the interplay of tones, and the slow, almost breathless way Jack sings the song's title are some of the hooks that make this a hypnotic and delirious track. The only weak point of the album is “Pressed Rats and Warthog" , recited in the style of "Blue Condition" from Disraeli , features a medieval atmosphere created by flutes and brass. This Ginger "song" lacks direction and is clearly filler on the album, devoid of hooks, with dreadful lyrics (not that Bruce/Clapton's are particularly brilliant) and tedious. "Politician" follows , another slow blues number, with a very good bass riff and a devastating drum track that, together, borders on the definition of metal at times. Beneath this great arrangement, Clapton works his magic, layering several guitars to achieve a delirious effect, especially in the solo starting at 2:05. And the lyrics this time are truly incisive, delivering a scathing critique, delivered with sarcasm, of the political class: "I support the left , though I 'll leanin ' to the right ." It's true that the riff is repetitive to the point of exhaustion, but that's compensated for by the power of the song and the superb guitar arrangements. After Then comes “Those Were the Days” . It’s not particularly impressive, but like all songs composed by drummers (except perhaps Ringo), it’s designed to let the drummer show off with solos, fills, syncopations, and intricate rhythms, and this one is no exception. Aside from that and the bells, there’s nothing else, but Baker is one of the most influential drummers precisely because of the technique and resources he displays while keeping the beat, as in this case, rather than for marathon solos like “ Toad .” Therefore, the value of this song lies in the drumming. “Born Under a Bad Sign” is thankfully a cover that has more than enough of what the previous version lacks: a riff worthy of a monument and a much stronger vocal harmony. Clapton also does an excellent job and this time he's truly recognizable, with those arrangements he subtly weaves between the verses, almost timidly, right up to the solo at 1:35. Perhaps not as incendiary as some of his other solos, but still quite good, with a sharp, bright tone, and a totally Claptonian style . Disc one ends with “Deserted "Cities of the Heart" , another gem from this album, boasts a breakneck pace, from the relentless guitar work (played by Bruce), to drums based on incisive syncopation, punctuated by occasional, expertly executed mini-solos , and one of Jack's most furious vocal performances . A fierce, acidic, dark, and delirious song, featuring an incredible, vibrato-laden, and unusually melodic solo at 1:50. Overall, a spectacular performance from all three musicians, making this one of the album's standout tracks and a spectacular closer. Disc 2 opens with “Crossroads” , which is perhaps the best cover not only by Cream, but of all time. The way they take a song originally performed with a single guitar at a slow tempo and transform it into a furious rocker , with a masterful, blistering riff , brimming with adrenaline, and the triple solo at 1:28 ( the bass line alone is a gem! ) is otherworldly. At 2:30, an even more furious solo kicks in, the song steadily gaining speed and power, and at times it's hard to believe it's the same Robert Johnson song. Anyway, I could go on for hours, but this is another Cream song that should be listened to at full volume with your eyes closed to fully appreciate the gift this trio of virtuosos has given us. After “Sunshine…” and “White Room,” this is my next all- time favorite Cream song. Then there's a massive version of "Spoonful" , over 16 minutes long, with a solo that lasts more than 10 minutes. This is the beginning of the epic songs that would come to define the seventies . Take it or leave it. For many, it's impossible to endure listening to a jam for so long , unless we're talking about a jam by one of the best trios in history, so every time I listen to it, I discover something deliciously new in those alternations during the extended solo. And it's worth noting, it's one thing to extend a song pointlessly to fill empty space in a concert, and quite another to treat the music with this kind of respect, delivering improvised notes with cohesion, raising the intensity of the song together, and then lowering it simultaneously. I find this version delightful and superior to the studio version, a clear example of Cream's power live. “Traintime” is the other side of the coin, a truly unnecessary jam , since there's no justification in the world for listening to Jack Bruce improvising on harmonica for seven minutes. And I have nothing against harmonica solos, but Bruce is merely good on this instrument, not a virtuoso. Eric takes the opportunity to smoke a cigarette backstage while he watches Ginger play the same tiresome rhythm imitating a moving train for seven minutes straight. Yawn. With so many other songs that could have shone, why this one? Wheels of Fire definitively closes with "Toad" . It has also been heavily criticized for being excessively long, almost 17 minutes. And I'm not a fan of interminable drum solos either, and it's true that if anyone is to blame for the fact that these days so many minutes are taken away from concerts by bands with drummers whose egos are inflated enough to attempt a huge, boring solo, it's Ginger Baker, and no one else. He also has some very interesting things. Depending on my mood, it can amaze me or bore me, and that's why I understand both the fans and the detractors of this track . But Baker's cymbal technique is undeniable, and it must have been an impressive spectacle live. With the great return to the monstrous riff at 15:33 and Ginger's final cymbal crashes , an impressive era comes to a close, an era in which this trio took rock to unimaginable heights. The cream of the crop of rock: Ginger Baker, Jack Bruce, and Eric " Slowhand " Clapton. Given that it boasts some truly enormous tracks (White Room and Crossroads being the most outstanding and universally acclaimed), and on the other hand, some filler or live pieces that could be considered excessive, the album generally divides opinions: on one hand , it's overrated as a priceless gem and Cream's best. On the other, it's accused of having overly long and tedious jams in the live parts and failed experiments in the studio tracks, labeling it as a bland album that showcases a band in disintegration. I don't like either of these extremes, and I prefer to consider it the trio's second-best album, powerful at times, with some innovations, and a good example of the band's live power, demonstrating that despite the length of the songs, the level of improvisation and creativity of each member was top-notch. Thus, Disraeli Gears is, for me, the group's masterpiece; Wheels of Fire comes very close, and Fresh would be a good effort, but still very much a work in progress compared to these other two. Almost a perfect 10, but the two songs highlighted in blue are too serious mistakes to overlook this time. Even so, it's a solid album. ByCorvan Nov/19/2009

BAYOU COUNTRY (Creedence 1969) Clic para escuchar en Spotify Artista: Creedence Clearwater Revival (B) Fecha de Grabación: Nov - Dic 1968 Fecha de Lanzamiento: Enero 05, 1969 Discográfica: Fantasy Records Productor: John Fogerty Calificación: 8.5 Era: Country, Country Rock y Sureño Subgénero: Southern Rock Mejor Canción: Penthouse Pauper o Proud Mary Canciones: 1) Born On The Bayou ; 2) Bootleg; 3) Graveyard Train ; 4) Good Golly Miss Molly; 5) Penthouse Pauper ; 6) Proud Mary ; 7) Keep On Chooglin'. Ah, los imposibles-de-odiar Creedence comienzan su mítico 1969 con esta buena entrega, el Bayou Country, iniciando con todo ese año que los consagraría como leyendas del rock. Ese año lanzarían 3 discos de gran tamaño, que irán mejorando uno a uno a hasta llegar a su mejor nivel para 1970. Estos tres discos son cortos, de pocos temas y en algunas ocasiones presentan jams innecesariamente largos y aburridos como “Graveyard Train”, pero en general John va mejorando sustancialmente sus habilidades como escritor, y sus referencias líricas a ese sur missisippiano y pantanoso suena cada vez mejor respaldado por esa magistral aura musical que van perfeccionando. Los muchachos suenan aquí más confiados y seguros de lo que están haciendo, y se atreven a hacer temas mucho más rápidos que los del primer álbum. Más rápidos y más alejados del blues tradicional en sus composiciones propias. No es que se olviden de meter una fuerte carga de blues en sus canciones, sino que ya no lo hacen de manera simple, usando el librito para copiar las estructuras simples, como lo hicieran en su debut con “Working Man”, por ejemplo, sino que se diversifica coqueteando con sonidos ácidos y con el pop. Este disco es además un caso curiosísimo en la historia del rock, ya que 4 de las canciones están prácticamente en un solo tono, pero tres de ellas salen perfectamente libradas por la cantidad de recursos e imaginación que utiliza la banda para hacerlas entretenidas de una manera bastante inteligente. Ya lo habíamos comentado, la inteligencia es la marca de Creedence, haciendo que las canciones suenen básicas y sencillas sin que necesariamente lo sean. Y estas cuatro canciones son quizá el mayor acercamiento que el protopunk haya tenido jamás con el Delta Blues. No me malentiendan, esto no tiene nada que ver con los Sex Pistols y su sonido, simplemente quiero recalcar que no cualquier banda tiene ese trato con canciones de estructura TAN básica y sale tan bien librada. Además, el trato experimental que dan a estas canciones, ingeniándoselas para colocar ganchos, riffs, solos, estribillos pegajosos, arpegios y redobles, es simplemente maravilloso. Hacía apenas poco tiempo que Lennon había maravillado al mundo con “Tomorrow Never Knows”, y de repente salen con cuatro canciones sin demasiadas variaciones y que no dejan de sonar sencillas y directas Y sin tanto rebuscamiento. Este disco contiene apenas 7 canciones, algunas de las cuales se alargan innecesariamente (Graveyard Train) o fascinantemente (Born On The Bayou), en teoría porque la pluma de John no era tan rápida como pudiéramos pensar y no tenía demasiadas canciones escritas por la monumental gira en que se enfrascaron. Ignoro si Fantasy Recors los presionó para lanzar tres álbumes en un solo año, pero la verdad es que a pesar de que no haya demasiadas canciones y se vean obligados a extender algunas tomas en jams impresionantes, el blues que logran, en una extraña mezcla del sonido básico de Nueva Orleáns con el aura experimental y psicodélica de San Francisco, es algo irrepetible y maravilloso. Además en esta segunda entrega no recurren tanto a covers, aunque en el que podemos encontrar los Creedence siguen mejorando en su trato a canciones ajenas, apropiándosela, dándole un baño de lodo, revolcándola con puercos y gallinas, metiéndole mucha más energía, riffs bestiales y una voz apasionada para terminar adueñándose de un rock & roll clásico de Little Richard y convirtiéndolo en un Hard Rock sucio y con todo el espíritu de Creedence. El disco abre con “Born On The Bayou” una canción lenta, con un arpegio en un Mi disminuido que es reconocible desde las primeras notas. Este arpegio viene tomando el papel de riff en la canción. El guitarreo y la sección rítmica son deliciosos, llevándonos en un ritmo semilento, pero potente. Doug “Cosmo” Clifford tiene un papel destacadísimo en la batería, metiendo arreglos al por mayor, evitando dejar caer la canción en el aburrimiento. Sin tener las cualidades jazzeras de Densmore, me recuerda mucho la astucia y dinamismo del baterista de los Doors en esta canción. La voz está cargada de ese espíritu de Fogerty, enérgica, áspera, viril, potente. Hay alguien en este planeta que no lo escuche y se convenza de que nación en un pantano? Los requintos al 1:25 y 3:15 son también muy efectivos; sin ser de un virtuoso, tiene siempre identidad propia y logran ajustarse perfectamente al ritmo de la canción, aunque no he logrado encontrar demasiadas diferencias en ambos. Como dato, La Revolución de Emiliano Zapata haría un plagio para su canción más famosa, “Nasty Sex”, “tomando prestado” esa especie de riff y el guitarreo de esta canción, incluso la secuencia de notas en los pocos cambios. Alguna vez alguien de los Blue Jeans me comentó que estaba presente cuando La Revo empezó a componer “Nasty Sex”… palomeando “Born On The Bayou”. Sea o no cierto, el parecido es innegable. Sigue "Bootleg" , una canción más acústica y rítmica, con un riff chillante y muy básico, pero que te termina poniendo de buenas. Se han fijado que la mayoría de las canciones de Creedence, por más oscuras que sean, terminan poniendo a uno de buen humor? Quizá por eso es tan fácil escuchar toda su discografía de un porrazo. En fin, la canción es ligera, pero el ritmo acústico interactúa a la perfección con la guitarra eléctrica y con la sección rítmica. Esta es otra de las canciones que se basan en un solo tono . No es maravillosa esa sencillez con que se las ingenian para que no se note? La tercer canción es “Graveyard Train” que no sale tan bien librada. Este es un blues lento, lentíiiiiiiiiiiiisimo, que podría matar por su pachorra a los mismos Mazzy Star y Sigur Ros. Se trata de un riff de bajo que se repite hasta el cansancio durante 8 minutos, imitando a la perfección el ambiente festivo que se debe vivir en un cementerio de trenes. Ni siquiera la voz logra salvarla, ya que no se presta a que la voz de John explote en ningún momento; al contrario, la línea vocal suena monótona y cansada, sin variaciones. La guitarra tampoco luce demasiado creativa al lidiar con un único tono esta vez. Lo único decente es el solo de harmónicas al 3:50, donde comienzan a intercalarse una, dos y tres harmónicas, aunque el arreglo es prácticamente el mismo en las tres, y tampoco es algo fuera de este mundo. CCR pudo bien agregado un par de canciones cortas y más rápidas en lugar de este tren pesado y moribundo, aunque hay gente a la que le gusta y para mi sorpresa está considerado como uno de los clásicos de la banda y generalmente aparece en las colecciones de éxitos. PFFFFFFFFFFFT!! Seguimos con una canción mucho más movida y festiva, él único cover de este disco: “Good Golly Miss Molly” mejor conocido en español como “La Plaga”. Esta versión, de entre toda la infinidad de covers que existen a lo largo y ancho del mundo y en cualquier variedad imaginable de idiomas, es sin duda la mejor. Fogerty suena furioso, tanto en la voz como en la guitarra, sin tratar de imitar al “Pequeño Ricardito”, sino arreglando la canción para acomodarla a su estilo vocal e instrumental, dándole su tratamiento de “Creedencialización” que ya mencionábamos para que termine sonando como un Hard Rock turbio fangoso, salvaje y cargado a cual más de energía. La sección rítmica es también muy buena, con el riff de bajo y de segunda guitarra, que le permiten a John una vertiginosidad en los arreglos de la guitarra líder. Después de 1969, los covers de esta rola serían más una copia de la de Creedence que de la original. Ahhh… nuevamente un saludo a los Blue Jeans, y a esa manera salvaje en que usaban estos mismos arreglos toscos cantando: “Ahí Viene la PLAAAAAAAAAGA!” La quinta canción es “Penthouse Pauper” que es un blues arrasador, fuerte, con un impresionante diálogo de voz y guitarra, que ya quisieran Page y Plant en sus mejores momentos. Un Blues Rock poderoso que no entiendo cómo es que no llegó a los clásicos eternos de la banda. Fogerty trata a su guitarra con furia, sacándole rugidos perfectos entre cada verso. Tomemos en cuenta de que aquí se trata de una sola persona y no un par que tiene tiempo de calcular la respuesta a los sonidos del compañero. John no es un maestro de la guitarra, es un tipo muy calculador, pero la verdad, en esta ocasión me deja dudando sobre si realmente menospreciamos a este tipo y no estamos ante un auténtico virtuoso. Un blues de los grandes, del que no se puede destacar un solo de guitarra porque la canción en sí es un solo de guitarra sublime, y donde nuevamente con un gran trabajo de batería de Doug. “Proud Mary” es el coqueteo más descarado que tiene Creedence con el pop hasta ese momento. La verdad que es una canción encantadora, muy rítmica, donde la armonía vocal se lleva por completo la canción. El solo al 1:27 es sencillo y rústico, pero tremendamente pegajoso, quizá el que más se recuerda de todo el catálogo. El riff, ese cambio de DO-DO-LA-LA es la cosa más simple del universo, pero a ello debemos buena parte del encanto de esta canción. Esta es una de las canciones del disco que se volvieron infaltables en cualquier concierto de Creedence: “Born On The Bayou” era generalmente utilizada para arrancar los conciertos, mientras que ésta era de las favoritas para finalizar. Está de más decir que es de las más covereadas del grupo, incluso con versiones infames en banda y norteño. Al contrario que “Good Molly…” ésta pierde el encanto cuando se canta en español: “Mary, Mary, Mary la orgulloooooooosa…!” Puaj! Ya para cerrar el disco viene otro blues, “Keep On Chooglin” que es un cierre muy rítmico, pero que se siente un poco débil porque no tiene riff y es otra de las que no tiene variación de tono. La guitarra se siente un poco falta de imaginación ya que el diálogo que se establece con la voz esta vez es más repetitivo. El solo tampoco es muy impresionante, pero no es una canción realmente mala ni ofensiva al oído. Un cierre decente a secas. En general me parece que el sonido de este álbum es una mejora con respecto al debut. Tenemos 7 canciones, 4 unitonales, 4 clásicos (si contamos “Graveyard…” a mi pesar), 2 jams largos, 1 cover y un impresionante diálogo de John Fogerty con su propia guitarra. Este no es el Cosmos Factory ni el pendulum, pero es un paso a la madurez de la banda, a sonidos más pulidos y arreglos más complejos. Buenas canciones con buenas melodías que no puede faltar en la audioteca de cualquier fan de Creedence, ya que este es un disco de transición hacia sonidos más arriesgados e interesantes, pero que no es difícil de escuchar. Después de todo, aunque nos ataquen con jams aburridos como el que nos presentan aquí, es imposible intentar siquiera odiar a Creedence, aunque dicha canción sea lo que separe un 8.5 de un 10. Por Corvan 23/Mar/2009

SHEER HEART ATTACK (Queen, 1974) Clic para escuchar en Spotify Artista: Queen (C+) Fecha de Grabación: Jul – Sep ‘74 Fecha de Lanzamiento: Noviembre 1, 1974. UK Discográfica: EMI / Elektra Productor: Roy Thomas Baker y Queen Calificación: 9 Era: La Gran Transición (1970-1980+) Género: Art Rock Mejor Canción: Killer Queen o Now I’m here Canciones: 1) Brighton Rock ; 2) Killer Queen ; 3) Tenement Funster; 4) Flick Of The Wrist; 5) Lily Of The Valley; 6) Now I'm Here ; 7) In The Lap Of The Gods; 8) Stone Cold Crazy ; 9) Dear Friends; 10) Misfire; 11) Bring Back That Leroy Brown; 12) She Makes Me ; 13) In The Lap Of The Gods...Revisited. Aquí es cuando empieza la asombrosa transformación de Queen. Por supuesto, aún no están a su tope, pero están cerca, y sin irse a los extremos. Se nota de lejos un mayor equilibrio y madurez respecto a sus 2 discos previos. No tengo absolutamente nada en contra de la potencia cuasi metalera del Queen I, ni del tremendo pretencionismo cuasi progresivo del II, superado por el pretencionismo operístico del magistral Night At The Opera. Pero aquí hay mayor cordura y balance entre esa mezcla de potencia, art rock, baladas, ópera, jazz, music hall y fabulosos ganchos pop. Todo con cierta tendencia más teatral, más broadwayesca, por decirlo de algún modo, que culminará con los siguientes dos discos. De hecho, posiblemente sea el disco más equilibrado de la banda, y abarca tantos géneros que muchos le llaman el “White Album” de Queen, no sin cierta razón. La cuestión es que en el Sheer Heart Attack tenemos a la banda mostrando la mayor parte de su catálogo de cualidades y el mínimo de sus debilidades. Aún no hay sintetizadores, aún no se vuelcan por completo al pop pero ya se notan atisbos muy bien trabajados de, Brian May está en uno de sus mejores momentos, haciendo trabajos de guitarra que aún le provocan migrañas a muchos guitarristas, hay Hard Rock y potencia pero no resultan excesivos ni cansan como en los primeros álbumes, Las armonías vocales ya son complejísimas y exquisitas, Mercury llega a su punto más alto como vocalista, hay 2 o 3 clásicos… En fin. Si acaso porque aún se les cuela algo de relleno, que no es demasiado ofensivo, pero hace que el disco no sea perfecto. Por lo demás es un enorme paso para la banda. Y vale notar que alcanzan aquí el nivel y estilo que les conocemos, por lo menos hasta The Game. Mientras los dos primeros álbumes aún suenan un tanto extraños, aquí ya es el Queen que todo mundo adora y reconoce. Es más, hasta Roger Taylor luce decente cantando! Para el ’74 Queen ya estaba ganando bastante fama en su natal reino Unido y en Japón, sobre todo gracias a “Keep Yourself Alive” y a “Seven Seas of Rhye”. Estados Unidos, para variar, seguía ignorándolos triunfalmente, sin sospechar que pronto se rendiría al Arena Rock de la Reina, que se volvería una verdadera aplanadora tras este disco. De verdad, que tras este álbum Queen definiría totalmente su estilo, perfeccionaría esas canciones creadas específicamente para cantar con las multitudes, e hipnotizaría al mundo con sus mejores rolas y con la enorme, enormísima personalidad de Mercury como frontman a cargo de estadios enteros. Cuando la banda comenzó las sesiones de grabación, a mitad del ’74, Brian May estaba en cama por hepatitis. La banda no se detuvo y ya llevaba algunas canciones cuando May se reintegró. En algunas no fue necesaria su colaboración (“Dear Friends”), pero en otras ni siquiera se nota que agregó las guitarras totalmente por separado sin que se notara en absoluto. El disco no tardaría en alcanzar éxito en Europa, sacando a Queen del circuito underground en el que se había estado moviendo hasta entonces. “Killer Queen” sería el primer sencillo en alcanzar un más que decente #12 en USA, y un #2 en Inglaterra, lo cual catapultó las ventas del disco. En fin, le falta la obsesiva perfección de “A Night At The Opera” o “A Day At The Races”, pero está cerca de, y a mi punto de vista, fue el álbum que abrió camino para que el mundo pudiera apreciar ese par de joyas, y particularmente “Bohemian Rhapsody”, al siguiente año. El disco abre con “Brighton Rock” , una canción tremenda, que nos da esa introducción carnavalesca o circense para iniciarnos con esa atmósfera más artificial del disco. Freddy Canta en un falsetto que francamente no me convence, con una línea vocal blanda, demasiado rápida y muy poco memorable. Lo curioso acaso es que impersona tanto a Jimmi como a Jenny haciendo cambios de octavas en la voz. Pero es a la guitarra de Brian May a la que hay que seguir. Si alguien duda alguna vez de la técnica, capacidad e imaginería de May; si alguien se sigue preguntando porqué diablos lo consideran entre los mejores guitarristas del mundo, sólo debe escuchar “Brighton Rock”, donde hace gala de toda su artillería de artilugios, desde los típicos licks a tres dedos, la cantidad de riffs que hace (el del 1:35, por ejemplo), los chugga-chuggas (2:40), los solos como el de a partir del minuto 2, la tremenda coda al 4:55… y bueno, prácticamente la mitad de la canción es de él solito. Literalmente. Deacon y Taylor también suenan impresionantes, con una velocidad increíble, pero francamente se ven opacados por la magia a las 6 cuerdas, y es tan impresionante que me recuerda la escuela de experimentación de artilugios, pedales y técnica usada por Hendrix en el Electric Ladyland. A quién le importa la melodía? Esta es una verdadera sinfonía de guitarra! “Killer Queen” , posiblemente la mejor canción de Queen. Es broma claro, la mejor canción de Queen es “Bohemian Rhapsody”, pero se sobreentiende. “Killer Queen” posiblemente sea la primer canción compuesta por Queen con toda la intención de convertirla en un hit mundial y en una clásica “Sing-along” para los conciertos. Esta fue de las que compuso Mercury y comenzaron a grabar sin Brian, dejando espacios para cuando regresara. Por ello esta basada en el piano como instrumento líder echándose a cuestas el resto de la canción. Sobre el piano “normal” agregaron otro con cierto efecto de clavicordio, aunque sin un sonido tan cargado de eco. Cuando se recuperó, Brian pudo agregar esos la fenomenal guitarra, que suena casi tímida respecto al track inicial. Pero escuchándola por separado, la guitarra de May es tremenda, con arreglitos en los versos complementando la voz y un buen solo al 1:25, menos explosivo, pero definitivamente más pegajoso sin bajar la calidad. Además agrega varias pistas de guitarra con diferentes efectos, desde una limpia, una con más eco y una tercera con phasing, que va intercalando. Mercury suena gigantesco y encantador, y logra unas melodías vocales inolvidables, llena de ganchos, y uno puede pasar semanas tarareándola. Las voces de fondo se tuvieron que grabar en cuatro canales para lograr ese efecto de coro, y usaron el efecto de phasing de May para hacer ese efecto como de boomerang en cada frase. En realidad el cuidado de cada detalle en la canción es impresionante, y es en realidad un ensayo a la más acabada “Bohemian”. Hubiera sido imposible para Queen alcanzar tal perfección sin este ensayo, un poco más ligero. El mismo May llegó a decir que esta canción fue el punto de inflexión par a la banda, y que sumariza por completo el estilo de Queen. Sin duda la rola más perfecta del grupo. Salvo por “Rhapsody”, ya lo dije? Enseguida tenemos “Tenement Funster” , la canción escrita y cantada por Roger Taylor que nunca falta en cada disco. La verdad es que es una mejora impresionante a sus anteriores canciones, donde parecía pedir a gritos que lo aliviaran de su dolor de un tiro. Aquí la canción le queda bien para su voz, que no es precisamente bella, pero no suena tan mal. La canción tiene cierto en el riff principal aire a “After Forever” de Black Sabbath, pero no es un plagio descarado, y por momentos suena más a un tributo a T. Rex. La intro es oscura, con un arpegio dramático; al medio minuto se incorporan bajo y batería en un ritmo medio, luego la canción empieza a subir en intensidad. Para el minuto ya tenemos ese riff agresivo y la canción ya tiene cierto aire salvaje, que se potencia por el bestial solo de guitarra, cargadísimo de eco. La canción tampoco es la octava maravilla, y me sigue pareciendo un desperdicio que cante Taylor teniendo al mejor vocalista de la historia a su lado, pero es posiblemente lo mejor que compuso (y cantó) Taylor en su vida, así que démosle su mérito. Además dura menos de 3 minutos. Al final se enlaza con la siguiente rola, que es…. “Flick Of The Wrist” , que es una canción rarísima, que atraviesa un montón de estados de ánimo. Comienza con las notas finales que vienen de ”Tenment Funster”, para arrancar con un pianito juguetón, luego un arreglo de guitarra, y tras un redoble entramos a una especie de marcha oscura y tétrica que me recuerda la ambientación sombría y esquizofrénica de “The Wall” 6 años antes. Al 48 el beat se acelera y la canción toma un tono más amenazante, con esos espectaculares coros respondiendo a Freddie, acelerándose por instantes y luego regresando a la calma. Luego volvemos a ese riff oscuro y Wall-esco, que da paso al solo de Brian (se dice que lo grabó sin haber escuchado la canción, después de salir del hospital), y un final espídico y cargado de energía que se enlaza en esta minisuite con… “Lily Of The Valley” , una encantadora baladita con piano y en el que Mercury se encarga de crear toda la atmósfera con su privilegiada voz. El mismo Freddie se dobló quien sabe cuantas veces para hacer los coros él solito. La canción estalla por breves instantes pasado el minuto, cuando se une el resto de la instrumentación, pero en general mantiene una atmósfera íntima, sencilla y fantástica (olviden las letras, nos transportan de nuevo a Rhye), terminando finalmente con esta especie de suite de tres canciones enlazadas. En si, ninguna de las 3 piezas es particularmente maravillosa, pero están bien hechas. No sé si se puedan considerar relleno, incluso “Lily” tiene su encanto, aunque no son puntos fuertes del grupo. Como curiosidad, Dream Theater haría un cover de la minisuite entera en un bonus track que aparece en algunas ediciones del Black Clouds & Silver Linings. Después está “Now I'm Here” , otro de los clásicos enormes de este disco, y en el mismo tenor del Pre-Arena-Rock de los discos posteriores. El par de riffs principales son muy básicos, pero efectivos. El primero es esa guitarra punteada y medio sofocada con que inicia la canción. Freddie suena magistral, casi íntimo, y los efectos de los distintos Mercurys que se agregan como en ráfagas son exquisitos. Al :35, esa especie de tensión se rompe con Freddie gritando “I’m just a…” y empieza el espectáculo con Roger dándole la vuelta a todos sus tums, John punteando para llevar la tensión al máximo y Brian haciendo chillar su guitarra en un espectacular efecto de sirenas que logra quién-sabe-cómo. Luego viene por fin el segundo riff, muy rocanrolero, que apenas abarca una vuelta, tras la cual todos se acomodan para los versos. La canción es espectacular y llena de trucos, repitiendo eventualmente el efecto de sirenas y para la coda repitiendo la intro con el montón de Freddies, y un solo inusualmente rocanrolero y sin el típico sonido a tres dedos de May. Esta canción la escribió Brian mientras estaba en el hospital y fue de las últimas de las sesiones de grabación. El pianito que se escucha en algunos fragmentos lo tocó el mismo May en lugar de Freddie. Gran rola, con mucha energía, y muy divertida. “In The Lap Of The Gods” es de las que afean un poco el disco y estuve tentado en marcarla en azul. Posiblemente la fastuosa intro sea lo más pretencioso de la banda hasta ese momento. Freddie Mercury demuestra que tiene un rango vocal capaz de romper cristales en plutón. Nadie le discute sus dotes como vocalista. Él es EL Vocalista, y creo que habrá pocas personas en el mundo que lo discutan, pero esos excesos del principio y al final de la canción son realmente innecesarios. Luego se va al polo opuesto, cuando empieza "la balada” en sí, con tonos muy bajos que francamente no le sientan nada bien. Se nota incómodo. Por otro lado, la intro de piano con una arpegio a toda velocidad (aquí es cuando uno nota cierta influencia sobre Muse), los espectaculares juegos de voces multiplicadas, haciendo una masa etérea y circular que dan vueltas y vienen y se van en los audífonos… no entiendo para qué es. O qué quieren demostrar. Dirían que fue un ensayo de “Bohemian Rhapsody” pero yo encuentro tanto la excesiva intro como la olvidable balada como un opuesto de. Una canción donde no alcanzaron a aterrizar las ideas y el resultado excedió lo que en realidad buscaban. Lo mejor es acaso el dramático cambio de ritmo a partir del minuto 3, pero dura apenas unos instantes. Luego viene la vertiginosa “Stone Cold Crazy” . En el Queen II comentaba que tenía mis dudas si “Oggre Battle” había inspirado a Metallica a crear el Trash. Pues bien, pudo ser, pero la rola que más peso tuvo y que el mismo Hetfield ha confirmado es precisamente “Stone Cold Crazy”, e incluso llegaron a hacer un cover de ella. La canción es rapidísima, con un riff monstruoso, y una melodía vocal indescifrable de tan veloz. Pero también es potentísima. Para 1974 quizá sea la rola más pesada que se lanzó, en una época en que “Whole Lotta Love” era considerado como lo más tremendo. En tremendo solo, donde May incluso se da el lujo de hacer detalles a tres dedos, y enseguida meter efectos de motosierra, para enseguida apagar la canción, dejarla únicamente con el meteórico fraseo de Mercury y los contras de Taylor y luego hacerla explotar otra vez de la nada. No es lo mejor de Queen, pero es realmente impresionante para la época. Y en apenas 2 minutos, por lo que no resulta excesiva en absoluto. A partir de aquí el álbum no ofrece demasiadas cosas buenas, pero tampoco malas. Ya no sorprende realmente. “Dear Friends” es una linda balada, en la que Mercury hace todo el trabajo creando una delicada atmósfera con su voz. May toca un muy lindo piano, y además dobla todas las voces del fondo para unos coros aterciopelados y casi navideños. Pero ya hicieron una balada a piano con “Lily”, con mejores resultados. Así que resulta innecesaria y poco memorable. No es ofensiva tampoco, pero es una especie de relleno sin pena ni gloria de un minuto de duración. “Misfire” es ligeramente mejor, con un espíritu más festivo y relajado, sin ser tan solemne como el resto de las canciones. Ese guitarreo acústico y el ritmo me transportan siempre a una playa soleada. El riff logra funcionar al principio, pero después de un rato se vuelve demasiado repetitivo. Lo interesante es quizá la letra, donde Mercury comienza a hacer algunas insinuaciones sobre su homosexualidad, que aún en los 70’s era un tema tabú. Por otro lado dura menos de 2 minutos. Luego está “Bring Back That Leroy Brown” , una canción muy boba, rindiendo tributo al Music hall de los 30’s o 40’s. Aquí hay mandolinas, ukuleles, pianos, doble bajo, etc. E incluye algunos trucos de estudio, ya que la voz gravísima que se deja oir eventualmente es Freddie, pero con la pista a una velocidad menor para lograr ese efecto. Algunos pasajes de los requintos se aceleraron para hacerlos más agudos. La canción es divertida por un rato, pero después resulta un poco cansada… No sé, siempre la he sentido como una versión fallida de “Martha My Dear” pero sin el encanto que tiene la canción de los Beatles en su sencillez. “She Makes Me” es de lo mejor en el cierre de disco, una joyita oculta y menospreciada. La otra cara de “Leroy Brown”. La banda se desacelera y se pone seria para una hermosa balada, más rítmica, con un excelente riff acústico sobre el que se sienta toda la rola. Esta vez es Brian May cantando (mucho tiempo me engañó y pensé que era Freddie), mientras John Deacon ejecuta ese guitarreo delicado y cristalino, con un ritmo muy marcado, demostrando que no es necesario crear riffs monstruosos o complejos para que sean memorables. Hacia el final comienzan sonidos de patrullas policiales de Nueva York. La canción es simple, pero muy bella, delicada y con una atmósfera perfecta, casi aérea. El disco cierra con “In The Lap Of The Gods...Revisited” , que no es realmente la misma canción. De hecho, la armonía es mucho más lograda y sencilla, sin el rebuscamiento de la primera. Casi en un ritmo del vals (me puedo imaginar a Freddie bailando mientras canta), esta vez hacen lo contrario de la primera y van en un lento crescendo muy agradable. Es un tanto melosa, pero aún rockea, y hacia el final tiene esos “Ohh woh La-LALA!!” que es imposible dejar pasar sin cantarlos. Tampoco es una canción gigantesca, pero como otros de los temas no se puede considerar tampoco un desecho ni ser marcada en azul. Es un buen cierre, con ese final literalmente explosivo e inesperado. Un buen disco, por donde se le vea. Desgraciadamente tiene un par de problemas. Uno, que trae algún relleno, que no es particularmente ofensivo ni hiriente, pero no deja de ser relleno. Muchas cancioncitas sin pena ni gloria, que poco o nada aportan, algunas incluso con menos de un minuto de duración. Y dos, que es un álbum que siempre ha estado a la sombra del magnificente A Night At The Opera. No está al mismo nivel, evidentemente, aunque le falta poco. Por lo mismo me es imposible darle la calificación perfecta. Aún así es un gran disco, de los más destacados de Queen, donde ya está ese sonido que les conocemos y muy cercanos a su mejor nivel y ya con las espectaculares armonías que les permitirían conquistar el mundo al año siguiente. Si les gusta el estilo del Greatest Hits I, seguramente van a adorar este disco, pues es la semilla de ese espectacular sonido Por Corvan 4/Mar/2011

COSMO’S FACTORY (Creedence, 1970) Clic para escuchar en Spotify Artista: Creedence (B) Fecha de Grabación: Nov '69 – May '70 Fecha de Lanzamiento: 16 de Julio de 1970, USA Discográfica: Fantasy Productor: John Fogerty Calificación: 10 (MUST HAVE) Era: Country, Country Rock y Sureño Categoría: Country, Country Rock y Sureño (1968-???) Mejor Canción: Who’ll Stop the Rain o I Heard It Through the Grapevine Canciones: 1) Ramble Tamble ; 2) Before You Accuse Me; 3) Travelin' Band ; 4) Ooby Dooby; 5) Lookin' Out My Back Door; 6) Run Through The Jungle ; 7) Up Around The Bend; 8) My Baby Left Me; 9) Who'll Stop The Rain ; 10) I Heard It Through The Grapevine ; 11) Long As I Can See The Light . Este es un discazo, por donde se le vea. A mi punto de vista, es el trabajo más maduro de Creedence, el más pulido, el que refleja mejor su estilo, y el más variado… Bueno, eso considerando los estándares de Creedence. No es que traiga rock ópera, metal y reggae, ni tampoco es que sea el White Album, pero por mucho es el más diverso dentro de los géneros que toca esta banda: trae “Jungle” como una de las canciones antibélicas más escalofriantes, capaz de crear una sensación realmente paranoica, oscura, atenazante, amenzante… “Rain” igualmente antibélica, pero desde el otro lado de la moneda, mucho más poética, filosófica, espiritual, una balada bellísima, de lo mejor de Creeedence; “Band” y “Bend” un par de rockanroles de primerísimo nivel, divertidos, con mucho groove, que rockean con ganas y te ponen de buen humor desde las primeras notas; “My Back Door” una rolita country y pantanosa, ligera y casi infantil, y que recuerda ese sonido fangoso y engañosamente simplón; “Light” es otra balada inmensa, exquisita, capaz de conmoverte con esa lentitud casi gospel, el teclado lleno de eco y los solos de sax que le dan un aire casi religioso, capaz de apachurrarte el alma… y “Grapevine”, un cover que en realidad debería ser acreeditado a Fogerty y no a los compositores de Marvin Gaye, también con esa atmósfera oscura e inquietante de algunas rolas del grupo. Y es que de todos los covers que los Creedence hicieron propios, este es quizá del que más se adueñaron, al que más le dejaron su marca y le tatuaron su espíritu. Prácticamente la rehicieron con esa sección instrumental media y los furiosos requintos de John y la monumental batería de Cosmo. Ah! Hablando de Doug “Cosmo” Clifford, este disco lleva su sobrenombre con toda justicia: es su mejor trabajo de batería, y sin aplastar las canciones ni sonar excesivo, hace un trabajo colosal, insertando redobles precisos y que realzan la rola a diestra y siniestra. En verdad que lo tenía muy menospreciado como baterista, pero basta escuchar este disco para darse cuenta que era absolutamente intuitivo, pero preciso, y le metía un turbo bestial a la canción más sencilla. No fue por ello que el disco se llamó así, sino porque casi inmediatamente después de lanzar el “Willy & The Poorboys” la banda se metió al estudio de la casa de Doug a preparar el siguiente álbum. Afortunadamente, esta vez no se apresuraron tanto, y en vez de dar un par de meses entre disco y disco, dieron casi seis. La cuestión que John era tan tiránico con estas sesiones, que Cosmo le empezó a llamar en broma “The Factory” a su estudio, que efectivamente, es el de la portada. La broma terminó dando título al disco. Pero el caso es que, el hecho de que esta vez fueran más pacientes y no lanzaran tres discos en un solo año, les dejó como ganancia un LP con la cantidad de clásicos que traen los tres discos previos juntos. Y ningún relleno!. El disco es perfecto de principio a fin, y curiosamente, los covers no mencionados son quizá los puntos más débiles del Cosmo’s Factory, pero están muy bien hechos y sin problema hubieran sido de los puntos fuertes en cualquier otro disco de Creedence. Al respecto, me sigue impresionando el trato que le dan a canciones ajenas, y creo que ya lo había comentado en algún otro disco, pero Creedence Clearwatwer Revival quizá sean los mejores covereadores de la historia. Realmente, si uno no checa los créditos de las rolas, uno puede vivir engañado toda su vida pensando que son originales de la banda: “Susie Q”, “Grapevine”, “I Put A Spell On You”, “Miss Molly”, “Cotton Fields”, entre las que se me vienen a la mente. Y destaca su honestidad, Zeppelin o los Stones, por muchas menos variaciones en las rolas, no tenían remordimiento alguno en acreditárselas y quedarse con los royalties. Aquí además, tienen mucho más cuidado en la selección de covers que hacen que en los discos del ’69, y por lo mismo, tienen más éxito con ellos, les sientan mejor. Todo esto hace que el disco sea el más completo y pulido de CCR, mostrando aquí su mejor nivel, su máximo potencial. Es un disco más serio que los anteriores, pero no deja de ser divertido, con números de rockanrol más ligeros. Sigue siendo experimental, con pasajes instrumentales extensos y solos maravillosos, pero ya no con esa “experimentación” que tendió más al sarcasmo en Willy & The Poorboys, además de que las secciones de metales son menos y encajan mucho mejor cuando las usan. El sentido de melodía y estructura están cuidados hasta el más mínimo detalle, y por ello el álbum presenta tantos clásicos y puntos fuertes, sin tener prácticamente una cima o una canción que opaque demasiado. Todo se mantiene a un gran nivel de principio a fin. No es muy largo. No es muy corto. Es simplemente brillante... y perfecto. El disco abre con “Ramble Table” , un rocker furioso, con un gran jam en la sección media, y momentos muy entretenidos. La intro es genial, cargada de dinamita, y a partir de ahí la canción, es bastante entretenida. Los versos arrancan con un ritmo casi violento, en el que John intercala los versos con esa voz rasposísima con excelentes arreglos de guitarra, a los que les hace toda variación posible a partir del primero. Al 1:30 comienza a desacelerar la canción, para cambiarla por completo al 1:50, con una escala arpegiada y descendente preciosa. Aquí sigan a Cosmo Clifford, que empieza a dar cátedra de batería al mantener la canción ante las repeticiones del riff en que se construye esta gigantesca sección media. Al 3:30 entra un teclado aflautado haciendo otra iteración muy mona, y la banda comienza a acelerar y a subirle a los decibeles. El solo viene al 1:40, lento y tímido en un principio, pero agarrando confianza y fuerza; No es la octava maravilla, pero muestra esa especie de frialdad matemática de Fogerty para construir sus requintos. La canción de pronto va a toda velocidad, con un ritmo vertiginoso que ya no da para más, de manera que la banda se para al 5:35 y regresamos al ritmo juguetón de los versos y a esos minisolos magistrales. Un último verso, un último “Uhhhhhhhhhhhhh, Down on the road I go…” para volver a desacelerar esta poderosa locomotora de manera definitiva. Entiendo que haya gente a la que no le gusta esta especie de jam de más de 7 minutos, pero a mi me parece magistral el manejo de tensión que logran, los cambios de ritmo, y el nivel instrumental de la canción, aparentemente bobo y repetitivo, pero en el que Fogerty se las ingenia para meter ligeras varianzas y no repetirse ni una sola vez. Tremendo inicio. Después está “Before You Accuse Me” , el primero de los covers del disco. Esta versión está bien hecha, tratada con mucha seriedad, de repente yéndose más al estilo de Chicago que a ese estilo más fangoso del Delta Blues. El pianito al fondo le da unidad a toda la canción y una especie de refinamiento muy extraño (muy jazzy?) para una canción de Creedence. Pero no desentona, la canción está bien hecha, con un gran solo de guitarra a partir del 2:30 y con el que nos iremos a la coda hasta el cierre. Un muy buen trato que le dan a este antiquísimo blues (uno de mis favoritos), pero la tratan quizá con demasiado respeto. Este es de los covers que no parecen hacer propios, quizá por la naturaleza misma de la rola. Tampoco tiene nada de malo la interpretación, está bien lograda, pero parece que le falta algo, hacerla más pantanosa, creedencializarla más, no sé. En cualquier otro disco habría sido marcada en rojo, pero aquí suena casi genérica en comparación al resto de las rolas. Aún así, es buena. Luego viene “Travelin’ Band” , un exquisito y divertido rockanrolito al más puro estilo de los 50’s. De hecho, la canción surgió de estar masticando “Good Golly Miss Molly”, y en un principio la iban a descartar por miedo a alguna demanda por derecho de parte de Little Richard. Pero la verdad es que apenas se nota la influencia, y el mood y la letra son totalmente distintas. Quizá lo que la diferencia más ese ese sax, que en un principio nos podría recordar otras canciones de CCR donde la muralla de sonido de los metales no va. Aquí es muy atinada, y es lo que termina dándole vida a toda la canción y dándole un espíritu muy distinto al de la rola de la que surgió. Por lo demás, es espectacular, con un ritmazo, una tremenda intensidad en la entrega vocal, lo cual hace que la rola sea casi imposible de copiar tal cual. El requinto al 1:25 es incendiario, conservando el estilo y brevedad de los 50’s, pero con mucha más fiereza. Los gritos de John al terminar cada coro son casi felinos y otro de los ganchos escondidos de la rola. Cuando se extienden con jams gigantescos, pueden ser mágicos, pero también es notable lo espectaculares y bien logrados que pueden llegar a ser en apenas 2 minutos. Además es otra estrellita en la frente para Cosmo Clifford. “Ooby Dooby” es otro de los covers medianos, un tanto bobos, que hiciera famosa Roy Orbison. No está mal, pero suena demasiado simple para Creedence. Hay dos cosas realmente rescatables: una es la esplendorosa guitarra de John, sonando absolutamente retro y haciendo un homenaje a esos requintos cincuenteros, quizá abusando un poco de los clichés, pero dando un buen efecto en general para un rock & roll simple. El otro es que es una canción demasiado corta como para enfadarse con ella. Apenas 2 minutos, o por lo cual resulta inofensiva. Es quizá la más floja del disco, pero tampoco llega a ser mala, es divertida, ligera y ayuda a que el disco no se vuelva demasiado pesado. Regresamos a un buen nivel con “Looking Out My Back Door” , con la que regresan al Country más de raíz, más básico, con un tempo acelerado y juguetón. El alma de la canción es esa guitarra tocada con un ritmazo y con las cuerdas sofocadas, recreando el sonido de los lavaderos portátiles raspados, característicos del Country: “Chugga, chugga-chugga, chugga-chugga, chugga-chu”. De hecho, es el único sonido que se queda sosteniendo la canción al 1:45, cuando todos los instrumentos callan un instante para hacer un cambio de tono. No es una canción gloriosa, pero de nuevo es una cátedra de cómo agregar ganchos: Desde el mencionado sonido raspado, los “Duuuh Duuuuh Duuuuh” de los coros, los cambios de tono, el riff totalmente campirano y sureño, la guitarra con slide, los panderos... Todo ello te transporta a una taberna vieja del medio este estadounidense. Por más que uno no sea fan del Country, esta es una canción imposible de odiar. Viene ahora sí uno de los platos fuertes y serios. “Run Through The Jungle” es una verdadera aplanadora. Una de las mejores canciones de Creedence y de los sesentas. La banda retoma esos aires oscuros, amenazantes… Logran transportarte a un pantano, oscuro, de noche, acechante, sólo que esta vez no es del sur de Kentucky, sino en los manglares del Vietcong. El riff es perfecto, pero esta vez , para realizar ese sobrecogedor efecto se entrelaza con la poderosa sección rítmica, que de verdad suena como un pelotón avanzando a través de la jungla. Todo esto logra una oscuridad e intensidad que ya quisieran muchas canciones de metal. Quizá “When the Music’s Over” de los Doors o “Gimme Shelter” de los Stones. Una sensación de maldad, de oscuridad, de miedo, paranoia. No sé, hay algo en estas canciones que siempre me han parecido escalofriantes. El riff se repite una y otra vez, pero es absolutamente tóxico, no se vuelve repetitivo, todo lo contrario. Las armónicas entran simples pero perfectas para romper entre versos. Y las letras son magníficas. Sin hacer referencia directa a Vietnam, son más bien simples, pero con uno de los mejores versos de Fogerty, que no dejan lugar a dudas: “Two hundred million guns are loaded, Satan cries: Take aim!". Y el coro, simple, pero perfecto para esa sensación de paranoía: “Better run through the jungle,Woa, Don't look back to see.” Feedback al principio y al final. La voz cargada de eco. Una joya de 3 minutos, y ni siquiera cambia de tono! Luego está “Up Around The Bend” , otro rocker furioso al más puro estilo de Creedence, con la voz rasposa de John, un gran riff de guitarra, agudo y oxidado. La canción está llena de energía desde el primer segundo, con el bajo de Stu Cook punteado sin dar respiro y un vibrante beat de Cosmo. En el coro se unen más voces, algo que es raro en CCR. En realidad la canción tiene el estilo inigualable de Creedence, pero no es nada que hayan hecho con anterioridad. Buena rola, aunque por mementos la voz de John es un poco estrepitosa. Enseguida viene “My Baby Left Me” , otro revival de los 50’s. Esta vez es un cover a una canción que hiciera famosa Elvis, y creo que mejoran la original, pero sin adueñársela ni hacerle cambios masivos. En general mantiene la misma estructura y los arreglos de guitarra, aunque la sección rítmica es mucho más intensa. Las voces son lo que hacen la diferencia en ambas versiones. En realidad es un buen tributo a Elvis, pero esta vez no supera la original. La siguiente es una chulada de canción. Se trata de “Who’ll Stop The Rain” , la canción antibélica más hermosa que yo haya escuchado, y a mi ver, la mejor rola de este disco. Para empezar, ese riff de arpegio lento, emulando la lluvia como si estuviera goteando, es absolutamente brillante. Cosmo luce espectacular para ser una balada, metiendo arreglos, bajando la intensidad a placer (al principio de la tercer estrofa) y en general, echándose al hombro la canción. Los versos son básicamente acústicos, con una melodía vocal delicada y un guitarreo muy gentil, suave, cálido. La estructura de la rola son estrofas de 4 versos en la que en el último se repite ese melancólico “And I wonder, Still I wonder, Who'll stop the rain.” De hecho, no viene la palabra “Guerra” en toda la canción, y ese es otro mérito. Se las arreglan para hacer metáforas bien logradas que dan a entender el sentido de la rola, mucho más poética que las canciones antibélicas previas, y que por lo mismo, logró escapar de la censura radiofónica que sufrió por ejemplo “Fortunate Son”. Los últimos 30 segundos son un lento fade out del riff principal, dando la impresión del que la lluvia sigue y sigue y sigue… Cuando la estaba escribiendo, el hijo de John de 4 años, Josh, entró en la habitación asustado y le dijo a su padre “Daddy, stop the rain!” Finalmente la lluvia es una alegoría de la guerra, y las preguntas sin respuesta que plantea esta canción siguen resonando hasta hoy: “Quién parará la guerra?, Es siquiera posible?”. Una canción conmovedora, que en un principio puede pasar por otra de las rolas clásicas de Creedence, pero cuando uno entiende su sentido y la astucia con que fue hecha, su valor se multiplica, ya que no ha perdido un ápice de validez. Entramos a la recta final con “I Heard It Through The Grapevine” , que no afloja nadita. Es uno de los grandes covers de la historia, quitándole ese aire inofensivo y medio oriental con cuerdas, piano eléctrico y coros femeninos a la versión de Marvin Gaye. Creedence la reconstruye desde el principio, desde ese tamboreo como antiguo y tribal en el riff de bajo de la entrada para darle un aura amenazante, casi trágica, y épica. El riff se irá repitiendo para dar unidad. No hay coros femeninos en el estribillo, pero a John se le une el resto de la banda en voces una y dos octavas más abajo, para causar un efecto más siniestro mientras repiten de manera infecciosa el título de la canción. Definitivamente no es tan oscura como “Jungle” pero hay algo realmente intrigante y denso, sobre todo en el riff de bajo/batería que siempre me ha parecido muy Voodoo, y del que carece por completo la original. Al 3:05 viene el requinto y el inicio de la larga sección instrumental media. Aquí John demuestra porqué es de los mejores guitarristas de la historia. No ametralla 900 notas por minuto, pero no le sobra ni le falta nada, es absolutamente perfecto recorriendo todo el brazo con la escala de blues, permitiendo eventualmente que Cosmo y Stu retomen el riff principal. Después de un fugaz regreso al estribillo, al minuto 5 se enciende de nuevo el solo de guitarra, y hace un despliegue de su técnica y astucia. Quien dice que Fogerty es demasiado frío y matemático debe escuchar este solo a todo volumen y con los ojos cerrados. Es puro “Feeling”, improvisación de la más alta calidad, de la que sólo pocos elegidos pueden intentar. Esta sección media es lo que separa una buena rola original de Marvin Gaye a una verdadera obra de arte, que no fue escrita por CCR, pero que en la reinterpretación superó con mucho al original, y se la terminaron quedando ellos en el inconsciente colectivo. Históricamente, es Marvin Gaye quien hace un cover burdo e insípido a esta joya de 10 minutos de Creedence. Punto. El cierre del disco se corre a cargo de “Long As I Can See the Light” . Una gran balada que, si bien baja el ritmo, logra mantener el cierre de álbum en la máxima calidad. Aquí le agregan pianos eléctricos y un excelente sax que le roban protagonismo a la guitarra usualmente afilada. De manera que la canción toma un aire más gospeliano, y la misma letra va llevando un aura más pacífica, dulce y espiritual. La letra es magnífica, y me aparece que debe tener definitivamente influencia de alguna canción religiosa que escuchó Fogerty. Todo en la canción es una calidez que llena de esperanza, y da fuerza en los peores momentos. El solo de sax al 1:15 es igualmente sencillo, pero absolutamente memorable, y uno puede perdonar que no haya requinto. Creo que John debió sentirse horrorizado cuando supo que ponían esta canción a los soldados en Irak para darles fuerzas para seguir combatiendo. En fin, una canción hermosa: El único pero que le pongo es que la voz suena muy forzada, en un tono demasiado alto incluso para John Fogerty, y eso hace que por momentos suene forzadísimo, llegando apenas y sin sentirse cómodo, en una canción en la que debería transmitir mucha más serenidad. Pero ese es un mero detalle. La canción es enorme, el último de los grandes clásicos de este disco. Y pues eso. Sobra decir que es mi favorito de Creedence. Y la mejor recomendación para empezar a descubrir su discografía. Si es que piensan hacerlo, ahórrense el Chronicle, váyanse directo al Cosmo’s Factory, porque tarde o temprano van a terminar comprándose la discografía de Creedence Clearwater Revival. Un recopilatorio no es suficiente, y después de todo, casi todo este disco aparece generalmente en los Greatest Hits. Así de bueno es. Un disco sin fallas que llevó a Creedence a su punto más alto como banda, con una gigantesca gira mundial por Europa, un montón de sencillos encabezando las listas, trillones de hippies identificándose con estos tipos de aspecto rural convertidos en portavoces antibélicos de su generación. Todo esto cobraría factura. La presión haría que la banda comenzara con fricciones. Ya jamás lograrían colocar una joya como esta, y después de esta cima, solo vendría la caída libre. Pero de eso no e realmente culpable el Cosmo’s Factory, un indiscutible Must Have! Por Corvan 28/Mar/2011

A NIGHT AT THE OPERA (Queen, 1975) Clic para escuchar en Spotify Artista: Queen (C+) Fecha de Grabación: Ago - Nov ’75 Fecha de Lanzamiento: 21 de Noviembre de 1975, UK Discográfica: EMI / Parlophone Productor: Queen, Roy Thomas Baker Calificación: 9.5 (MUST HAVE, DISCO ICÓNICO) Era: La Gran Transición (1970-1980+) Género: Art Rock Mejor Canción: Bromean? Canciones: 1) Death On Two Legs ; 2) Lazing On A Sunday Afternoon; 3) I'm In Love With My Car; 4) You're My Best Friend ; 5) '39; 6) Sweet Lady; 7) Seaside Rendevouz; 8) The Prophet's Song ; 9) Love Of My Life ; 10) Good Company; 11) Bohemian Rhapsody ; 12) God Save The Queen. Me gusta pensar en este disco como un equivalente al White Album, por la enorme variedad de géneros, ese aire retro de los 40’s, y por el sentido del humor que le imprimen. El A Night At The Opera trae a saber una apertura con tintes clásicos que de repente explota en un cuasi metal ardidísimo y feroz con “Death On Two Legs”; Music Hall británico en “Sunday Afternoon”, una especie de hardrock stephenkingiano en “I’m In Love With My Car”; una balada pop a medio tiempo con base de teclado eléctrico en “You’re My Best Friend”; una balada acústica en “39”; un rocker muy movido con “Sweet Lady”; un divertidísimo ragtime con “Seaside Rendevouz”, un oscuro e impresionante primer ensayo operístico-progresivo con “The Prophet's Song”, Una resquebrajadora balada en base piano con “Love Of My Life”, Trad-Jazz con los tritonos de May en “Good Company”, el sublime y majestuoso collage operístico épico-broadwayesco que constituye “Bohemian Rhapsody” y finalmente el cierre May-quiere-ser-jimmy-hendrix con “God Save the Queen”. Nomás nos falta un reggae o ska. Por lo demás hay de todo en apenas 12 temas, desde pateatraseros, baladas candidatas a la-canción-más-bonita-del-mundo, hasta complejísimas, sobreproducidas e imposibles de tocar en vivo odas al Rock Ópera. Después de 2 discos que fueron una mezcla de Metal y Progresivo y que fracasaron comercialmente, la banda por fin comenzó a acercarse a su sonido definitivo con el Sheer Heart Attack. Con 3 discos, apenas tenían una canción de éxito, “Killer Queen”, que había sido un trancazo en todo el mundo, y la banda ya era considerada entre las estrellas o grupos de élite, pero lo cierto es que estaban cerca de la ruina. Las ventas del sencillo no les daban para cubrir sus gastos, y por si fuera poco, su manager Norman Sheffield los había dejado casi en la calle. Exhaustos y con la moral baja después de la gira del Sheer Heart Attack, se dieron unas vacaciones en 1975 y cada quien agarró su rumbo. Regresaron en mayo a Londres, donde comenzaron a planear su siguiente disco, buscar nuevo representante, quien finalmente resultó John Reid y se metieron a grabar en Agosto. John Reid fue el polo opuesto de Sheffield. Desde un inicio se preocupó por la banda, la motivó, y se encargó de negociar un presupuesto inconmensurable de EMI para la producción del disco, que resultó ser el más caro hasta esa fecha, superando incluso al Sgt. Peppers o al Dark Side Of the Moon. Con un presupuesto prácticamente ilimitado, el buen resultado no es raro, sino el hecho de que se lo hayan dado a un grupo que hasta el momento no había pasado de ser una brillante promesa, pero aún sin éxito comercial. La apuesta, pues, le resultó a todo mundo. Una de las razones por las cuales se inflaron los costos, fue por la cantidad de estudios que utilizaron. A saber, el A Night In The Opera fue grabado en el Elstree de Hertfordshire, en los Rockfield de Gales, los Olympic, Sarm, Scorpio y Lansdowne de Londres y la sala de conciertos Roundhouse. Se supone que con eso podían estar grabando cada quien su rollo sin molestarse en absoluto, y sin tener que esperar a los demás. Además se supone que cada estudio tenía características que realzaban alguna parte de la grabación, uno para las voces, otro para la batería, y así. La apuesta del grupo fue tal, que después reconocerían haber comentado que si el disco no pegaba, Queen se hubiera desbaratado. El resultado es notable. La banda logró por fin conjugar todos los puntos fuertes de sus discos previos: Rock pop pegajoso, un sentido del humor muy inteligente y muy británico, y las impresionantísimas armonías vocales. No es un disco conceptual, pero las 12 canciones mantienen una atmósfera muy cohesiva, muy retro, de los 30’s o 40’s. Las melodías son en su mayoría deliciosas, y la influencia pop se nota ya incluso en los temas más violentos. Ahora, se dice que es un disco sobreproducido, extremadamente complejo y demás. Ciertamente tuvo un presupuesto inmenso, pero no todas las canciones tienen esa complejidad cuasiprogresiva. Claro que tenemos “The Prophet Song” y “Bohemian Rhapsody” que tuvieron tantos trucos de estudio y sobreposición de pistas vocales que eran imposibles de reproducir en vivo, pero tenemos también canciones minimalistas como “Love of My Life”, “’39”, o “God Save the Queen”, cada una interpretada básicamente con un instrumento. Hay canciones complejas, pero no todas lo son. La banda simplemente se puso las pilas, apostaron todo lo que les quedaba y se metieron al estudio en su mejor momento creativo. Y musical! Freddie ya domina plenamente su voz, se vuelve con ella comandante en jefe, liderando con sus entonaciones, su enorme rango y con su carisma. Brian ya es dueño también de un estilo muy característico, con ese tritono que logra salir en la mayoría de las canciones. No sé si sea un virtuoso, al menos no lo es al nivel de Page o Clapton, pero es un gran guitarrista y aquí está también ya cerca de su máximo nivel. John Deacon está muy infravalorado como bajista, aquí hace algunas líneas muy buenas, como en “Death On Two Legs”, y Taylor también tiene buenos momentos, además de alcanzar con su voz la nota más alta en el clímax de “Bohemian Rhapsody”. Cada quien aporta al menos un tema, aunque es Freddie quien acapara la autoría de la mayoría de las rolas. Pero da nota del buen momento colectivo y creativo, ya que las aportaciones de Roger y John no son malas en absoluto. Las letras son bobas, como la mayoría de las de Queen, pero eso no quita la grandeza musical del álbum. El título lo tomaron de una de las películas más famosas de los hermanos Marx, al igual que el álbum que seguiría, el A Day At The Races. La portada es blanca, con el logo de Queen con el cisne y los 2 leones al centro… Aunque todo mundo lo sigue confundiendo con el de Queen II, el cual tiene los rostros de los 4 integrantes difuminándose en la oscuridad. Quizá porque el video de “Bohemian Rhapsody” inicia con este mismo concepto, pero es una señal de que casi todos los que hablan maravillas de este disco rara vez lo han escuchado completo, y se van más con la finta del Opus Magnum que constituye “Bohemian”. El disco abre con “Death On Two Legs (Dedicated To…)” , la cual abre con un raro y rapidísimo arpegio de piano, que se desvanece para dar entrada a una oscura y amenazadora intro discordante al :20, con 2 capas de guitarras distorsionadas que parece que van a estallar, pero de pronto callan todo para dar entrada a la figura de piano con el que ahora si abre en forma la canción. Este es un tema violentísimo, muy poderoso, rozando los límites del metal e incorporando el sonido operístico en las voces para un resultado magnífico y único. La manera en que se van respondiendo en la sección media simplemente deja sin aliento. La melodía también es exquisita, con un gran detallado por parte de Freddie, y cuidando esas escalas, como cuando sale un Freddie para que entre otro de inmediato, y luego todos a coro, y es una verdadera pirotecnia vocal combinada con una guitarra potentísima, con resultados apocalípticos y negros en serio. No necesitan morder murciélagos para sonar amenazantes. Y es que la banda estaba verdaderamente encabronada al hacer esta canción. Quizá sea una de las rolas más ardidas de la historia, junto con “How Do You Sleep” de Lennon y “One” de U2 (que los idiotas siguen dedicando a sus novias e incluso bailando en sus bodas!!!!), ya que estaba dedicada a su exmanager Norman Sheffield, quien los estafó y dejó en ruinas. Así que el encabronamiento de Mercury al cantar es real. Y las letras ponzoñosas también son totalmente sinceras. No incluyeron el nombre de su ex manager en el título para evitar líos legales, pero el mismo se descubrió al tratar de demandarlos cuando salió el disco. Obviamente su demanda no procedió, y Queen completó su venganza cuando el mismo tipo se autodescubrió en la dedicatoria. Jajajaja! Al 2:20 tenemos un buen solo de May, quizá no muy técnico, pero igualmente sucio y poderoso, como el resto de la rola. Una canción impresionante, que abre el álbum con una energía aplastante; si no estuviera “Bohemian”, sería la mejor del disco. Luego Freddie cambia de canal y de mood para un numerito muy mono de Music Hall, "Lazing In A Sunday Afternoon" . Es de los temitas menores, dura apenas poco más de un minuto, pero es endiabladamente pegajoso y tierno, y es una muestra que incluso en los supuestos rellenos, ponían una meticulosidad endiablada. Freddie hace casi todo, desde el pianito hasta todas las voces que se oyen, exepto claro el requinto del final, que aunque es breve, tiene ese sello distintivo de May. El efecto raro de la voz principal es porque grabaron la pista vocal, y luego la reprodujeron en unos audífonos dentro de un cesto de basura, regrabándolo con el efecto de eco encerrado que tiene la toma final. Un temita inofensivo, pero encantador e irresistible. Luego tenemos el polémico tema de cada disco de Taylor. En realidad “I’m In Love With My Car” es quizá su mejor canción. Al menos con Queen, la verdad no he tenido valor suficiente para oír sus discos solistas, jajaja. La cuestión es que cuando Taylor comenzó a hacer la maqueta de la canción por su cuenta, Brian pensó primero que era una broma. Cuando vio que iba en serio, pensó que se había vuelto loco. Después hablaron con Roger para ver si posiblemente necesitaría ir a terapia, o si las drogas lo estaban enajenando, y Taylor les aclaró que no era una oda a “Christine” de Stephen King, sino que estaba basada en Jonathan Harris, un corredor de autos cuyo amor de su vida era un Triumph TR4. Algunos de los sonidos de la canción son del Alfa Romeo de Taylor, por lo que algunos sospecharon que esta explicación no era del todo cierta. Como sea, es lo mejor que jamás escribió Roger. E incluso su horrenda voz no desencaja esta vez y suena bien en el tema, agresiva y sucia. Los 3 minutos que dura no son demasiado largos. No me puedo imaginar a Freddie cantando la canción, y eso quizá sea un punto para Roger por primera vez en los 4 discos. La guitarra es lo que salva todo, y logra una atmósfera tosca y saturada que hace que la voz suene bien. Muchas capas de guitarra, con mucha distorsión y delay, buenos arreglos y veloces solos a lo largo de la canción. El mismo Roger hace algunos buenos redobles recorriendo todos sus tambores. Después viene “You’re My Best Friend” , una linda composición de John Deacon, quien aprovecha para lucirse durante la canción con una muy buena línea y escalas rápidas. Pero lo que más luce es ese piano eléctrico, que le da forma a la canción con sus sonidos acuosos y sostenidos. De hecho, Deacon mismo es quien toca el piano, relegando a Freddie de “su” instrumento, y sobreponiendo después el bajo en estudio. En las versiones en vivo, es la única canción en la que John no toca las 4 cuerdas. La melodía es hermosa, y las letras son sentidas y sinceras, dedicadas por John a su esposa, Veronica Tetzlaff. Brian se incorpora con su peculiar tritono en los versos medios y hace un requinto simple pero memorable al minuto 2. Y finalmente todos en conjunto aportan con esos coros tan “Singalong” que convirtieron a esta canción en un clásico. Roger suena bien, haciendo que la canción arranque con un redoble cada que parece que se va a detener. Imposible no tararearla, imposible no sonreír al oírla. Enseguida está “’39” , una balada acústica de Brian que el mismo May canta. Lo que pasa es que tiene un timbre muy agudo que se parece mucho al de Freddie, pero poniendo algo de atención se percibe la diferencia en rango y modulación. La canción es hermosa, con una buena melodía, casi tierna, con toques folk y country, sin ser oscura y sin ser una canción feliz. Al 3:17, hay un falso final, pero la guitarra regresa para unos rasgueos más antes del verdadero fin. La letra es muy rara, sobre un grupo de viajeros especiales que se van un año y regresan, pero por el efecto de la relatividad, lo que para ellos fue un año, en la tierra fueron 100 años y todos sus seres queridos han muerto. El título se supone que es porque el viaje inicia en 1939, pero como curiosidad, si empiezan a contar las canciones de Queen en sus 4 discos en orden, a partir de “Keep Yourself Alive”, esta sería la # 39. Continuamos con “Sweet Lady” , un rocker potente, con mucha distorsión, un tremendo riff, y nuevamente, una cantidad de ganchos vocales formidables. Esta es otra canción de Brian, aunque ahora sí la canta Freddie. La canción funciona muy bien, iniciando en un tiempo de ¾ con buenas guitarras en combinación con el bajo. Pero al 2:35 entra un puente con un cambio de tiempo y la banda suena demasiado desordenada, cada quien por su lado, con el requinto sin encajar. Nunca he entendido qué intentaron en esta parte. Roger dice que es el fragmento más difícil que jamás grabó de batería. No es mala, pero el final es un tanto… ehrrr… desconcertante. Luego tenemos la divertidísima "Seaside Rendezvous" , un ragtime de Freddie que es imposible no seguir con el pie, si no es que uno se para a bailar tap como idiota. La melodía es contagiosa, y no importa qué tan mal humor tengas, te va a arrancar una sonrisa en este pequeño viaje en el tiempo. A final de cuentas, esa es la única intención de la canción, divertirnos y mostrar la variedad de la banda. Como dato, la sección de “tap” que de hecho se escucha en la parte media, la hicieron Freddie y Roger con dedales en sus manos. Ellos dos se debieron divertir a mares en las secciones instrumentales, ya que no hay vientos aquí, son las voces de Mercury y Taylor haciendo un montón de sonidos y editándolos para que parezcan clarinetes, tubas, trompetas y kazoo. La octava canción es “Prophet’s Song” , una multiparte majestuosa, oscura, con un complejísimo arreglo vocal. Sólo dios sabe cuántas pistas sobrepusieron para ese efecto coral, quizá más impresionante que la misma “Bohemian Rhapsody”. La melodía es tremenda, bombástica y en general esta es la pieza que más se acerca a los sonidos de los primeros 2 discos, con influencias progresivas, pero ensayando de manera descomunal la parte operística de las voces. Al 3:20 hay un cambio, del tema más rocker, se queda sólo Freddie y empiezan a entrar más voces en cannon, para el “Now I know” en el que también cantan Roger y Brian. Para esta sección se usaron cortes y delays en las cintas, de manera que era imposible interpretarla en vivo. La instrumentación regresa casi hasta el minuto 6, con otro riff pesado y denso. La canción es buena, pero quizá demasiado larga, con casi 8 minutos de duración. Esta es una obra de May, y se supone que está basada en una pesadilla poco después de las sesiones del Sheer Heart Attack. Complejísima canción, que según el estado de ánimo, puede ser demasiado densa y larga o una perfecta joya progresiva que nos muestra los límites experimentales de Queen. La última nota de guitarra de “Prophet’s Song” se liga a “Love Of My Life” , una delicadísima balada de Mercury, que suena casi vulnerable en los tonos altos, donde sólo con su piano y su voz nos logra conmover casi hasta las lágrimas. La música es minimalista, pero viste perfectamente la emotividad vocal. Poco después el mismo Mercury agrega más voces de fondo para una polifonía celestial. Al 1:50 Brian agrega un arreglo de guitarra que hace las veces de arreglo de cuerdas. Al 2:20 hay otro solo de guitarra con notas sostenidas, un solo metalero que encaja de manera casi milagrosa en la balada, mientras se intercala un solo clásico de piano. La canción prende brevemente al 2:50 para cerrar con un último verso y un harpa que Brian pulso cuerda por cuerda y después unió para dar esa sensación espídica en el cierre. Una de las mejores y más conmovedoras baladas de Queen! Enseguida está “Good Company” donde Brian de nuevo lleva el liderazgo vocal. Lo que toca es un Ukelele hawaiiano, y es lo que le da ese aire extraño a la canción. Pero la melodía es pegajosa y se combina con la letra para crea un ambiente festivo y bizarro. El mismo May va agregando sus clásicos adornos con la Red Special. Hacia el final entran arreglos de clarinete y metales para un cierre al más puro estilo Dixieland. Esta es otra de las pruebas de que el A Night At The Opera no debe ser tomado demasiado en serio para poder apreciarlo como la joya que es. Aunque no hay duda de que hay 3 o4 canciones muy densas, serias y cuasi progresivas, el grueso son temas sencillos y sin más intención que divertir, como este. Ese balance es el que hace que el álbum funcione de maravilla. Y la letra es genial, con una divertida moraleja y el exquisito juego de palabras con el sentido que se le puede dar en inglés a “Company”. Después tenemos la madre de todas las canciones bombásticas, majestuosas complejas y operísticas de la historia. "Bohemian Rhapsody" . Dios, qué canción tan perfecta, tan brillante. La melodía vocal es perfecta en todos sus fragmentos. Freddie la escribió en partes y puso a los demás a grabar su sección independientemente, sin saber qué rayos estaban haciendo. Como una especie de Collage. En esta etapa era conocida como “Freddie’s Thing”. La rola no tiene una estructura convencional de versos-puente-coro. Más bien se divide en secciones. La primera parte es una intro que inicia con una complicada sección polifónica con un montón de voces sobrepuestas, para el “Is this the real life, is this just fantasy?…”. No sólo es una inserción de voces a capella, sino que van variando en los canales para dar la sensación de que dan vuelta en la cabeza, sobre todo si se escucha con audífonos. Esta parte termina al :50 para iniciar con la balada. Ésta sección se caracteriza por el hermoso arpegio de piano y la sentida voz de Freddie. Un esporádico bajeo de Deacon va haciendo resaltar las notas, mientras el narrador cuenta que mató a un tipo. Al 1:20 Roger hace un fade in con sus platillos para entrar en ritmo junto con el bajo, mientras Freddie va dando mayor intensidad y drama a la canción a partir de su voz. Al 1:43 la canción baja con el último “Nothing really matters…” para regresar a la figura de piano. Freddie se despide y dice que debe enfrentar las consecuencias, nuevamente sube la intensidad para crear un pequeño clímax y entramos al 2:35 entramos al primer solo, lento y majestuoso, igual de emotivo que la voz de Freddie, y que sirve de puente para cambiar de tono y entrar a la siguiente sección. Al 3:00 entramos al fragmento operístico, también conocido como “Galileo” por la secuencias que hacen. Se supone que este fragmento iba a ser un pequeño puente entre la balada y el hardrock, pero fue creciendo y creciendo hasta abarcar más de un minuto. Esta parte es espectacular, Inicia con un piano marcando el tiempo y Freddie sólo cantando “I see a little silhouetto of a man” y abruptamente se le une el resto del grupo multilicado por 30 mil, y luego le contesta otro coro como de 100 mil. Hay cascadas decencdientes, falsettos, polifonías, momentos en que se quedan casi en silencio, otros en que queda Mercury con voz afectada, y luego empiezan de nuevo a crear tensión en los “Mamma mía, mamma mía” hasta ese otro orgasmo musical en “Beelzebub!.. has a devil put aside for me, for me, for me for MEEEEEEEEEEEEEEE!!!" En una nota imposible que corre a cargo de Taylor. Con esto la canción estalla al 4:08 con un riff y un ritmazo endemoniado, mientras Freddie amenza: “So you think you can stop me and spit in my eye, So you think you can love me and leave me to die”. La canción alcanza aquí una violencia inusitada, y viene un Segundo requinto de Brian, más rápido, distorsionado y oscuro. Cuando se apaga al 4:50, continuamos con la guitarra de Brian, pero ya con otro ritmo, la guitarra suena cálida con los tritonos y la canción parece liberarse para la Outro, con un piano celestial y Freddie cantando “Nothing really matters to me…”. Cuando supe que originalmente era un collage me decepcionó un poco, sólo un poco; pero siendo honestos, no había otra manera de hacer esta obra maestra. Una canción perfecta en cuanto a tensión, instrumentación, manejo vocal y todo. Una vez que la ensamblaron la canción siguió creciendo hasta alcanzar sus casi 6 minutos, y se negaron a cortar un solo segundo y a lanzarla como sencillo. Este sería con mucho el más grande éxito de Queen, la canción que propulsaría el álbum y la que aún hoy en día los tiene como una banda de culto. Mucho tiempo pensé que las letras no tienen sentido. En realidad no lo tienen. May diría que la letra refleja las culpas que Freddie cargaba. Si se ponen en el contexto del Sida y la manera en que terminó la vida de Freddie, uno no puede evitar sentir un escalofrío en la espalda, pero por supuesto que en ese momento Mercury no lo podía saber. “Bohemian Rhapsody” es una maldita joya por donde se le vea. Si a punta de pistola tuviera que escoger una como la mejor de la historia, creo que sería esta. Así de plano. Finalmente el disco cierra con “God Save the Queen” , que es un minuto de Brian haciendo un homenaje a su majestad al más puro estilo de Jimi Hendrix, sólo que con varias capas de guitarra. La primer toma fue grabada desde las sesiones del Sheer Heart Attack. En fin, un gran disco, pero como les decía, no sé si TAN grande como muchos dicen. Tiene muchas canciones muy buenas, pero realmente monstruosas sólo son “Death On Two Legs”, “Bohemian Rhapsody” y dependiendo del clima, “Prophet’s Song”. Las demás son piezas pop muy bien logradas, pero bastante más ligeras y sin otro propósito que divertir. Y lo logran, afortunadamente, ya que si el disco entero fuera en el tenor serio, yo creo que nos dábamos un tiro. Pero siempre queda la sensación de que le falta algo para ser un disco verdaderamente épico, a la altura del Dark Side of The Moon o el Led Zeppelin IV, quizá discos también sobrevalorados pero con más razón que éste. Eso no quita que sea disfrutable. El balance entre piezas ligeras y divertidas y monstruos épicos y densísimos hace de este un disco muy interesante, que además no es difícil de escuchar. Por supuesto, terminaría siendo un trancazo gigantesco, ganando multiplatinos, llevando a Queen a la gloria y convirtiéndolos en una de las bandas más poderosas de la segunda mitad de los 70’s, con varios discos en el mismo nivel y con Zeppelin ya en declive. El A Night In The Opera se convertiría en un disco influyentísimo, una cumbre a alcanzar, y con una canción que, no importa cuántas veces se escuche al día en el radio aún hoy en día, me sigue impresionando. Por Corvan 25/Oct/2013

GREEN RIVER (Creedence, 1969) Clic para escuchar en Spotify Artista: Creedence Clearwater Revival (B) Fecha de Grabación: 1969 Fecha de Lanzamiento: Agosto 03, 1969. US Discográfica: Fantasy Records Productor: John Fogerty, Saul Zaentz Calificación: 9 Era: Country, Country Rock y Sureño Subgénero: Southern Rock Mejor Canción: Green River o Lodi Canciones: 1) Green River ; 2) Commotion ; 3) Tombstone Shadow; 4) Wrote A Song For Everyone; 5) Bad Moon Rising ; 6) Lodi; 7) Cross-Tie Walker; 8) Sinister Purpose ; 9) The Night Time Is The Right Time . Aquí es donde John Fogerty se convierte en una máquina compositora de hits, llegando por fin a su madurez como autor. Y de qué manera!!! Aunque el disco es corto (poco menos de 29 minutos) y tiene 9 temas, sólo uno de ellos es un cover, y resulta ser el más débil track del álbum. El material propio es impresionante, soberbio, y no le pide nada a los covers que se habían llevado las palmas en los discos anteriores por el magistral trato que les habían dado. John deja de hacer impostaciones de letras a blues genéricos para sus originales y utiliza todos sus recursos como guitarrista para colocar enormísimos clásicos con melodías fuertes, llenas de ganchos, de energía y recursos. Este disco supera con creces al Bayou Country. Ya no hay jams largos y aburridos. Casi no hay covers, y los originales son sólidos y no pueden ser acusados de ser plagios, evolucionando de la fórmula country blues para entregar melodías realmente creativas. Líricamente Fogerty también evoluciona y madura como letrista; sin convertirse en un Dylan, logra letras más elaboradas y cohesionadas. La banda había alcanzado un éxito considerable precisamente con el Bayou Country a inicios de año, y aún estaban enfrascados en las giras y colocando sencillos de dicho LP en los primeros lugares cuando lanzaron este 2 de 3 de 1969. Insisto en que no sé si Fantasy Records les obligó a lanzar tres LP’s en el mismo año. Lo cierto es que es admirable que lanzaran dos discos tan fuertes casi de manera simultánea. No sólo eso, sino que John se decidió a eliminar los traspiés de los álbums anteriores, eliminar los jams para llenar espacio y quitar canciones de relleno, notándose una evolución. Sin duda lo logra en este disco, y fue un acierto lanzarlo precisamente cuando tenían los reflectores puestos en ellos, ya que el éxito del Green River les permitió ser considerados como una de las bandas estelares del Festival Woodstock, unos días después del lanzamiento. Así pues, la carga creativa no se nota en absoluto en este disco, al contrario, se nota una banda más comprometida y un autor más maduro. El precio lo pagarían en Noviembre con el tercer disco del año, Willy And The Poor Boys, que sin ser malo, no logra mantener el mismo nivel de éste, aunque se repondrían con su obra maestra, el Cosmo’s Factory. Así pues, el disco es ágil, divertido, con atmósfera pantanosa y cargada de blues; y de 9 temas logra colocar 4 como clásicos absolutos de la banda: “Green River”, “Commotion”, “Lodi” y “Bad Moon Rising”, aunque a mi gusto ésta última es ligeramente inferior y me gusta más “Sinister Purpose”. El álbum los consagraría, ya que curiosamente su presentación en Woodstock fue más bien mediocre a decir de el mismo John, y tuvo poca atención por parte de la gente porque Grateful Dead se extendió enormidades en su presentación y a Creedence le tocó pasadas las tres de la mañana, por lo que la banda ya estaba fundida, al igual que el público. La mayoría de la gente se fue a dormir, pero al día siguiente la presentación de Creedence se esparció como un rumor casi mítico y al terminar el festival muchos corrieron a conseguir el recién lanzado álbum para ver de qué se habían perdido. Supongo que no se decepcionaron, ya que el disco se posicionó muy bien, pero continuaron con la “maldición” con los sencillos, alcanzando varios #2 (Creedence irónicamente tiene el record de más #2 singles con 6 en dicho puesto; nunca alcanzaron un #1) El disco inicia de manera colosal con “Green River” , una rolototototota absolutamente potente, con una atmósfera oscura, casi amenazante. La intro a pesar de iniciar a pura guitarra, está cargada de una fiereza tremenda, logrando un riff de ésos históricos, y ya después se incorporan el resto de los instrumentos. La voz de John está cargadísima de un eco que suena como si estuviera metido en una caverna, y ese “Weeeeeeeeeeeeeeeell” lento con que inicia y que agrega en cada puente contrasta con el fraseo de los versos, mucho más rápido. La canción está llena de ganchos maravillosos, pero es sobresaliente el soberbio trabajo de guitarra, en el que Fogerty vuelve a regalarnos un excepcional diálogo con su guitarra, haciendo arreglos espectaculares y siempre distintos que dan un gran dinamismo a toda la rola. Sin duda la música te transporta a ese ambiente campirano a la orilla del río que describe la letra. Una de mis favoritas for ever de Creedence. Sigue “Commotion” otra espectacular canción con un ritmo vertiginoso, una de las piezas de boogie más rápidas que hay. La intro es bestial, con la guitarra acuchillando en tonos agudísimos, mientras la bataca de Cosmo Clifford va entrando en un fade in hasta que de pronto ya estamos a toda máquina. Esta canción DE HECHO me recuerda el andar furioso de un tren, a diferencia de la fallida “Graveyard Train” del disco anterior. En fin, la fórmula es muy semejante, verso, arreglo de guitarra, verso, puente instrumental, etc. Pero aunque Creedence utilice esta fórmula, cuando lo hace con creatividad, nunca se repite, nunca hace figuras similares, y le da una vida impresionante a las canciones que nunca cansan. Es decir, podemos esperarnos que salgan con dichos juegos y diálogos de voz-guitarra, pero nunca sabemos con qué trucos nos van a salir, por lo que no se le puede llamar predecible a esta banda. Además aquí la batería en general suena espectacular. Gran canción que se va volando, y a pesar de su aire oscuro, nos deja moviendo un pie siguiendo el ritmazo. “Tombstone Shadow” es el siguiente corte, donde John Fogerty nos muestra lo mejor de su técnica, con una guitarra furiosa a lo largo y ancho de la canción, además de un excelente solo (casi a una nota) al minuto 1 y de nuevo cerca del 2 (ésta vez con las guitarras haciendo espejos). Podría ser un blues genérico, o al menos la estructura no deja de serlo, pero la manera sublime con que trata la guitarra hace que esta rola sobresalga entre los blues genéricos de los anteriores discos. No sólo eso, sino que confirma que John Fogerty es un magnífico guitarrista, uno perteneciente a las grandes ligas. Quizá no de la altura de Clapton, Hendrix o Townshend, pero casi, y con el valor agregado de que su estilo no se parece absolutamente en nada al de ellos y de nadie más. De hecho, el estilo de Fogerty es tan excepcional que, a diferencia de los Guitar Heros mencionados, no dejó escuela en absoluto. No porque no sea bueno, sino porque ese “feeling” que le da a la guitarra es inimitable. Continuamos con “Wrote A Song For Everyone” es una balada sencila, en el que dan un giro a los trucos que habían utilizado hasta ahora. Esta vez se van más a la buena melodía vocal, la intensidad de la voz y una instrumentación suave, casi delicada para los estándares de Creedence. Incluso el solo al 2:05 es muy tranquilo, sin esa furia que suele acompañar a John, pero no por ello es malo, sino que funciona muy bien esa carga melancólica que tiene en cada nota. La canción no deja de oler a campo, aunque la letra es más bien un tributo a la clase trabajadora que se queda atascada por culpa de la burocracia del gobierno, metiendo crítica social de manera aún un poco tímida que llegará a su clímax con “Fortunate Son”, pero se puede sentir la ironía mientras canta “Wrote a song for everyone, and I couldn't even talk to you”. Quizá un poco larga, pero no deja de ser una gran rola. La cuarta canción es “Bad Moon Rising” , regresando al lado rítmico de la banda. La melodía vocal es adorable y es la que se lleva las palmas en la canción, ya que los arreglos que va desperdigando John con la guitarra lucen ligeramente más discretos, y la canción es más rítmica que técnica. El requinto nuevamente es sencillo, pero absolutamente pegajoso y vibrante, siendo quizá uno de los más recordados del catálogo de Creedence. La canción me encanta, y entiendo perfectamente que esa buena vibra que tiene toda la canción (aquí no hay esa como atmósfera amenazante de otras rolas) la haya convertido en un clásico. Sigue “Lodi” , una balada rítmica. Es impresionante el genio de Fogerty, que si bien puede hacer rolas donde la guitarra es incisiva y salvaje, también es capaz de regalarnos joyas como ésta, muy rítmica, con un guitarreo casi acústico y sin necesidad de demasiados trucos. La belleza de la melodía y del riff que se repite eventualmente son todos los elementos necesarios para hacer una gran canción. Y además, estás es quizá la letra más profunda que nos presente con la banda. No es broma. En parte autobriográfica, en parte un retrato de infinidad de cantores folk de mediados de la época, y el enorme juego de palabras que hace con el nombre del pueblo Lodi CA, que se pronuncia “lou dai”, igual que low die, hace de esta una de mis letras favoritas, trascendiendo los temas de pantano y ríos. Una canción harto sencilla, pero con una magia implícita que la vuelve encantadora. La séptima canción es “Cross-Tie Walker” . No tiene una melodía tan buena como las dos anteriores, ni los impresionantes ganchos de “green River” pero es un buen rocker al viejo estilo, con algunos efectos de guitarras rasguñadas entre verso y verso, los platillos estallando dos veces tras después de cada verso y un riff descendente de bajo que funciona muy, muy bien. No es la quinta maravilla, ni está entre los clásicos, pero la rola funciona a la perfección. El penúltimo track es “Sinister Purpose” que tiene otra intro bestial, y una melodía vocal que se conjuga con la hechizante guitarra para crear esa atmósfera “maligna campirana”. Una atmósfera que no tiene nada que ver con la malignidad de Black Sabbath, por ejemplo. Es una malignidad sin intención, casi ingenua, casi inofensiva. Pero fascinante. El solo al 1:15 es de nuevo la cosa más sencilla del planeta, prácticamente jugando a estirar una cuerda en el mismo tono, pero hasta para ello hay que saber cómo y cuándo hacerlo. Además en este solo destaca un recurso muy utilizado por Creedence, en el que debajo del solo hay otra guitarra vibrando muy tenuemente con feedback, casi como mosquito, y que en conjunción suenan tremendas y magnifican ese efecto “Siniestro” del título. En la última canción, “The Night Time Is The Right Time” , hay casi consenso universal en que es la más débil del disco y le quita algo de brillo. Por qué? Porque es repetitiva hasta el cansancio, cantando (o gritando) hasta el hartazgo la misma línea una y otra vez. En defensa debo decir dos cosas. Primero que es un cover. Segundo, que la canción fue incluida para ser de esas que generan una comunión con el público en los conciertos, permitiendo que John cantara una línea y la gente le contestara. Ignoro si funcionó, no es precisamente una de las canciones más memorables, pero entiendo el propósito, ya que tampoco era una banda que anduviera brincando por todo el escenario a la Daltrey. Su carisma era otro. Así hay canciones hechas expresamente con estos fines, como “We Will Rock You”, que musicalmente no ofrecen mucho, pero que en vivo se vuelven monstruos infaltables. Aún así coincido en que pudieron haber hecho un original que cerrara un disco casi perfecto. En fin, difícilmente se van a encontrar tantos clásicos y rolas buenas en un solo disco. Es simple, casi cualquiera que esté iniciado en la guitarra puede tocar estas canciones, pero es de esa simpleza que se vuelve majestuosa, y que, después de todo, nadie más hizo. El disco es poderoso y salvaje por momentos, es delicado y sensible en otros, las letras mejoran, prácticamente no hay rellenos, casi todo es material propio, y los ganchos que crean son realmente adictivos e intoxicantes. Esto es Creedence en su mejor nivel, superado únicamente por el debut y el Cosmo’s Factory. Por Corvan 14/Oct/2009

WILLY AND THE POORBOYS (Creedence, 1969) Clic para escuchar en Spotify Artista: Creedence (B) Fecha de Grabación: Ago – Oct 1969 Fecha de Lanzamiento: 2 de Nov de 1969, USA Discográfica: Fantasy Productor: John Fogerty Calificación: 7 Era: Country, Country Rock y Sureño Subgénero: Southern Rock Mejor Canción: Effigy o Fortunate Song Canciones: 1) Down On The Corner ; 2) It Came Out Of The Sky; 3) Cotton Fields; 4) Poorboy Shuffle ; 5) Feelin' Blue; 6) Fortunate Son ; 7) Don't Look Now ; 8) The Midnight Special; 9) Side O' The Road; 10) Effigy . Debo decir que, para mi humilde opinión, este debe ser uno de los discos más sobrevalorados de Creedence y de la historia. Y es que, también en mi humilde opinión, uno no debe tentar al ego y tratar de sacar 3 discos en un mismo año (a menos que te llames George Harrison y salgan en un gran álbum triple, o Elvis Presley y te valga la calidad). Esta sería la última entrega del año 1969 de los Creedence, y después de un par de discos bastante buenos era de esperarse que bajaran de nivel. Creo que, básicamente el resto del mundo está de acuerdo en que es un bajón respecto a los dos anteriores, salvo los gringos. Por alguna extraña razón, a los estadounidenses este disco les pega mucho en el patrioterismo. Incluso muchos dicen que es el mejor disco de Creedence Clearwater Revival!!! A veces estoy convencido de que hay que ser gringo para entenderlos. Veamos las dos posturas: Postura de estadounidense güerito que vota dependiendo quién le promete cobrarle menos impuestos y que duerme con una 30-30 bajo la almohada: Esta es la obra cumbre de Creedence. Simplemente hay que escucharlo: es una obra conceptual en primer lugar, con la idea de una banda ficticia llamada “Willy & The Poorboys” tocando el material del disco; por supuesto, nada que ver con ideas británicas ni con sargentos pimientas ni nada de eso. Esto es 100% original, y obviamente, tan conceptual como el Tommy o el Dark Side Of The Moon, ya que la banda se menciona en el track inicial y en el cuarto, sólo en el título, pero esto es suficiente para hacerlo conceptual. Por otro lado, tiene un par de temas instrumentales que lo convierten en el non plus ultra del rock sureño, sobre el cual los mismísimos Allman Brothers crearían los cimientos de su estilo. Luego está el tema más político de Creedence, “Fortunate Son”, que nos sigue poniendo la piel chinita y nos saca una que otra lagrimita a todos los americanos recordando el tema de Vietnam, que tampoco tiene nada de parecido con Irak. Y finalmente porque tiene un par de covers inigualables, que fueron transformados por Creedence para hacer las versiones definitivas: “Cotton Fields” y “Midnight Special”. El disco entero es un himno a la americaneidad. Period. Postura de cualquier ciudadano del resto del mundo que sepa distinguir entre Korn y Barney: el disco es bastante más flojo que cualquier otro disco de Creedence como cuarteto. Punto. Bueno, no. Ahi se da con el Pendulum. Ahora sí, punto. Esta voz no voy a decir que ambas posturas tienen razón en parte. La segunda postura es la que impera. No hay manera de negar que este disco es un bajón en la calidad del sonido Creedence. Se puede entender que después de dos grandes discos en un año, se les acabara un poco la creatividad, la inventiva, y que les saliera un disco mas bien con descartes de los anteriores. Las canciones no son malas propiamente. Pero tampoco son muy buenas. La mayoría son canciones cortas, que sin duda llevan el sello Creedence, pero parecen descuidadas, terminadas a la carrera, sin el nivel de detalle al que nos tenían acostumbrados, y muchas parecen que salieron al aventón nomás para terminar el disco y aprovechar el gran momento que les había dejado el “Green River” y la temporada de conciertos de verano, que había dejado a Creedence como una de las 2 o 3 mejores bandas del momento. Por otro lado no hay canciones épicas, de esas monstruosas canciones con ambientes tremendos de más de 5 minutos con solos por todos lados y que dejan con la piel chinita, tipo “Susie Q”, “Born On The Bayou” o “I Put A Spell On You”. En cuanto a la atmósfera sobrecogedora y detallada, creo que solo “Effigy” se acerca a ese nivel, y por ello es de las mejores del álbum. Por otro lado, los covers tampoco son tan buenas elecciones como en discos previos. Se puede discutir mucho, pero “Midnight Special” nunca me ha gustado y no entiendo porqué es un clásico. Es muy simplona y le queda muy, pero muy chica a Creedence. Es pegajosa, pero repetitiva, y me parece un tanto estúpida, sin grandes arreglos instrumentales ni nada realmente llamativo. Nomás un coro repetitivo y ya. Y “Cotton Fields” me gusta un poco más, pero le pasa casi lo mismo. Tiene mayor encanto, sigue siendo pegajosa, y quizá con Creedence encontró su versión definitiva, pero sigo pensando en que es una canción que le queda chica al grupo. Sobre el lado conceptual, pues es para reírse. El disco es TAN conceptual como el Sgt Peppers. O sea, nada. El fundamento es el mismo, una banda con nombre raro y largo (más raro y largo que Creedence Clearwater Revival no puede haber), que se presentan a si mismos en el tema inicial y en la portada del álbum (incluso en una esquina, para que quede más asentada la “idea conceptual” de la mano con el título de la primera rola), y luego se menciona de pasada en el título de otra rola y ya. La verdad, si no le compré la idea “conceptual” a los Beatles, no se la voy a comprar a Creedence. Y finalmente, la idea de los temas Country que tanto les inflama el pecho a los estadounidenses, son jams instrumentales a los que los Allman les darán 5 mil vueltas. Creedence suena bien por sus raíces sureñas mezcladas con rock psicodélico. Cuando le quitan la mezcla y se vuelven más puristas es cuando se nota más que son californianos y no del sureste. El Country puro no es lo suyo, y suenan rudimentarios e improvisados. Y respecto a “Fortunate Son”… Bueno, ahí si coincido. Es una buena canción con una letra durísima, pero que si la tomaron como himno durante Vietnam, bien la podrían seguir cantando, ya que sigue tan vigente como el día en que fue escrita. No es terrible propiamente, pero no se puede considerar la obra definitiva de Creedence ni mucho menos. Las canciones no están completamente desarrolladas y la idea conceptual es arcaica, y ni siquiera original. El disco abre con “Down On The Corner” , una canción algo simplona, pero con la conocida marca de ganchos que Fogerty sabe imprimirle a sus canciones. Es simple, cierto, pero muy bien hecha, desde esl encatador y pegajosísimo riff de bajo de Stu Cook, y Cosmo tocando un cencerro para darle un aire más rupestre. La canciones pura diversión. No es una obra de esas con atmósfera colosal como las que mencionábamos, pero es ligera y muy divertida, y tiene bien merecido su status de clásico. Es la que se supone que crea la “coceptualidad” del disco, al presentar a cada miembro del grupo “Willy & The Poorboys”, que está tocando precisamente en la esquina de la portada invitando a la gente a cantar con ellos, llevar el ritmo con pies y palmas y a llevar algunas monedas. La rola funciona precisamente por eso, porque es una canción muy simple y encantadora. Como deato, poco después la banda se presentaría como “Willy & The Poorboys” en el Ed Sullivan Show vestidos de la misma manera que en la portada. Sigue “It Came Out Of The Sky”, un rocker mas rápido y divertido, divertidísimo si consideramos las ocurrentes letras. La canción es desenfadada y alegre, con un aire de reockabily de los 50’s pero sin perder ese estilo campirano de Creedence. Esta bien hecha, es divertida y todo, pero no hay solos deslumbrantes ni nada. Tiene los suficientes ganchos para sonar encantadora, pero no deslumbrante, lo cual es el común denominador del disco. Los mismo pasa con “Cotton Fields” . Es adorable. Fue la primer canción de Creedence (es un decir), que saqué en guitarra. Es pegajosísima. Aún así, sigo sintiendo que le queda chica al grupo. Está bien para los Apson, o hasta para los Beach Boys, pero parece que Creedence estaba para hacer cosas más deslumbrantes y complejas, como ya lo habían demostrado en su trato a otros covers. Por lo menos aquí si hay un requinto al 2:50, entretenido, cute, que le queda perfecto a la canción. Y lo de decir que fue la primer canción de Creedence que aprendí en guitarra no es de gratis. Trillones siguen pensando que es un original de ellos, lo cual debe decir algo del trato que son capaces de dar a otras rolas, aún dormidos. “Poorboy Shuffle” sólo sirve para demostrar dos cosas: Una, que este es un disco conceptualísimo. Nada más vean el título de la canción. Y dos, que John Fogerty se debe seguir dedicando a la guitarra y no a la armónica. La armónica está a un nivel casi amateur, es repetitiva, y básicamente nos demuestra el nivel de mi sobrino de 3 años con una armónica de feria. Ah, nos demuestra otra cosa: que el sonido “Skiffle” que intentan recrear los otros miembros, pudo estar bien para unos adolescentosos Lennon y McCartney en 1957, cuando no tenían para comprar instrumentos de a de veras… pero esto es 1969 y a esta alturas Creedence no se podía dar el lujo de tocar con tablas de lavar. Triste relleno. Del más triste que he oído en mi vida. Habrá quien diga que estas obras realzan las raíces sureñas del grupo, pero seguramente es de las personas que le llaman “Freedom Fries” a las papas a la francesa. Luego está “Feeling Blue” . La buena noticia es que la canción tiene ondas más blueseras. La mala es que es muy larga y repetitiva. Lo mejor de la canción es el primer medio minuto, parece que va a ser una rolita muy cool… pero no hay más sorpresas. Los siguientes 4 minutos y medio es repetir lo que ya oímos una y otra vez. Y esta vez el coro no es tan encantador. Es como una versión nueva de “Graveyard Train”, pero con una buena línea de guitarra no puedes hacer una rola tan larga, se vuelve monótona. Con 2:30 hubiera sido suficiente y a lo mejor la ponía en rojo. Pero con un segundo más que hubiera durado, o sea, si hubiera llegado a los 5 minutos, la hubiera marcado en azul. Es lo que pasa cuando quieren rellenar un disco. Afortunadamente llega “Fortunate Son” otra de las canciones sobresalientes del disco, y de las más emblemáticas del grupo. Se trata de un furioso rocker, con una guitarra deliciosa que retoma el buen nivel de los Fogerty, y con unos quiebres y cambios de ritmo espectaculares. En realidad musicalmente es simple, pero está bien hecha y cuando John pone atención a los detalles, logra hacer mucho con poco. Pero lo sobresaliente son las letras diabólicamente venenosas, haciendo una durisiísima crítica a la clase política y su postura ante la guerra de Vietnam. La letra se inspiró en David Eisenhower, nieto de Dwight, ex presidente y héroe de guerra norteamericano. EL pequeño David se casó además en 1968 con Julie Nixon, hija de… adivinan? Siendo parte de la élite político-social gringa, no fue llamado a enlistarse para servir a su país en la guerra de Vietnam. La canción habla desde la perspectiva de los jodidos que sí fueron llamados porque no son “Hijos Afortunados” de millonarios o de los mismso políticos que organizaron la guerra. La verdad es que sigue tan vigente como entonces. Y me encanta esa especie de rabia con que John canta, suena tan sinceramente indignado. Sin temor a equivocarme, esta una de las rolas más políticas, irónicas, antibélicas y sencillas que he escuchado. Lo que Dylan dijo en “Masters Of War” con el cuádruple de letras. “Don’t Look Now” es la cara opuesta. Soporífera, sin un solo gancho, parece como si la banda estuviera terminando una tanda de 12 horas seguidas de tocar. Desganados, apáticos, y sin una pizca de energía o de creatividad. En serio? Sobre esto basaron sus sonidos los Allman? Duane debe estarse retorciendo en su tumba. Lo único bueno es que dura 2 minutos. Después está “Midnight Special” que a comparación parece un bálsamo para los oídos. Pero la verdad es que tampoco es un cover que me impresione mucho. Quizá lo mejor sea esa intro pausada, pero después me parece muy simple y boba. Repetitiva. No hay solos. Podrían no tocar ningún instrumento y ponerle más de esos coros gospel y seguiría funcionando. Es decir, el poco atractivo es la pegajosísima melodía vocal del coro, no es mérito CRR. Pero es bastante más repetitiva y carente de recursos que “Cotton Fields”. En fin, nunca me ha gustado y no entiendo porqué muchos la consideran un clásico de Creedence y nunca han oído “Walk On The Water”, por ejemplo. Luego viene otro instrumental, “Side O' The Road”. De alguna manera parece que también intenta recapturar el espíritu de “Graveyard Train”, pero esta vez Fogerty le da muy buen trato a su guitarra y Stu hace una gran labor de bajo. Ah! Y no hay armónicas!!!! Quizá si le cortaran un minuto, pero aún así es más decente e interesante. El álbum termina con “Effigy” , que retoma ese aire monumental, oscuro y amenazador que Creedence le da a algunas de sus canciones. La rolita está bastante más trabajada, y es la que se siente más fresca y viva en el disco, con esa mezcla de country con rock ácido y oscuro. Las letras también son políticas, pero de un modo bastante más velado que “Fortunate Son”. De cualquier modo es a John a quien hay que seguir con esa melodía vocal desoladora (esta vez ni siquiera tiene que hacer su voz rasposa) y ese bestial manejo de guitarra. El solo que empieza al 4:10 es enorme, enormísimo, con Tom incorporándosele por momentos para doblar las guitarras. Cosmo suena apocalíptico con la batería, mientras que Stu de repente marca notas profundas con su bajo que quedan como rebotando “Powowowowowowng”. La canción logra estremecerte con la magia que estos tipos saben hacer y que habían olvidado en l mayor parte del disco. Cómo es que la gente conoce más la infame “Midnight Special” que esta rolota es algo que escapa a mi comprensión. En fin. El disco no es tan terrible. Pero no es magnífico como los anteriores. No espero que los gringos vayan a venir a mentarme la madre porque en primer lugar no espero que un solo gringo me lea. Pero es curioso como generación tras generación, los críticos musicales norteamericanos han enaltecido este disco como el que encierra el espíritu sureño estadounidense. En dado caso que escuchen con atención el Green River, o el Cosmo’s Factory, verdaderas obras maestras. Aún así, es Creedence y vale la pena. Todo lo de Creedence vale la pena de algún modo. Aunque estén faltos de ideas, o suenen cansados después de un año exhaustivo, se las ingenian para poner al menos tres grandes rolas que valen la pena por sí mismas. Bueno, no, en el Mardi Grass no, pero ese no se los voy a recomendar. Por Corvan 12/Nov/2010

Las mejores reseñas de los mejores discos de la historia del Rock en inglés y en español Just Like Starting Over... Click on the pic above to go to the logo band Index RECENT POSTS Back To The Begining (New Concert Review) Pink Floyd Intro (Rewritten) Led Zeppelin Intro (Rewritten) Another Side Of Bob Dylan (New Album Review) The Doors (Edited and Improved Intro) The Rolling Stones (Edited & Improved) Kanye West (New Intro) The Balad (New List) The Beatles - Intro (Edited & Improved) AC/DC - If You Got Blood You've Got It (New Review) Paul McCartney - Days We Left Behind (Editorial) Greatest Rock Anthems - Lists (Edited with Link) BACK TO THE BEGINNING Villa Park, Birmingham, Inglaterra July 5th 2025 Initially, I thought of writing this post as an editorial, but I think it's worth going into more detail than just a couple of paragraphs, not only because of what it became a couple of weeks later, but because of the event itself. So, I'll do it as a concert review. I wasn't there at the Aston Villa with the more than 40,000 lucky people who got tickets, but it ended up becoming the most viral and most-watched live concert in history. In a way, for all of us on this side of the pond, it was like being there, celebrating Rock, Metal, the myth, the legend of Ozzy Osbourne and Black Sabbath, along with the multitude of bands and legends in their own right who were paying tribute. If there was any doubt about which band was the most influential, and who was the most relevant figure in the history of metal, that Saturday made it crystal clear. The Back to the Beginning concert on July 5, 2025, was much more than a festival: it was the final farewell of Ozzy Osbourne and the original Black Sabbath lineup in their hometown of Birmingham, the city where, as a teenager, Ozzy used to wander around with an Elush Puppy shoe he'd found in a ditch and tied to a leash, like a dog. It was a return to the place where Tony Iommi severed the fingers of his right hand in an industrial accident at the age of 17, an event that would prove crucial to the sound he would later develop. It was a return to the place where those four lads began rehearsing under the name Earth... Many media outlets described it as the metal equivalent of Live Aid, given the number of stars involved and the historical significance of the moment. It's truly incredible how many metal and rock figures were eager to pay their respects, and I have no doubt that many others were left wanting, although there were also rumors of those who wanted to take advantage of the situation and charge a fortune for their "participation." The reunion marked the first performance by Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler, and Bill Ward together since Ozz Fest 2005, considering that Bill Ward was not on the 2012 tour. All proceeds were supposedly donated to charity, including support for Parkinson's research, which we all know afflicted the Prince of Darkness. Ozzy had somehow become a global icon. Was it seeing him eat burritos and fight with his dogs in The Osbournes? Was it seeing that a mythical figure was also a clueless human being whom his children didn't respect? Was it the influence of a sound that made thousands of artists pick up a guitar, bass, or drums and want to make dark sounds? We can question many things in the history of rock, but that day, every guest artist made it clear that they owed everything they were to Black Sabbath. The gates of Aston Villa's stadium opened at 11:00 a.m. local time and the music started around 1:00 p.m., continuing until nearly 11:00 p.m. Concert Chronicle 1:00 PM – Mastodon Actor Jason Momoa appeared as master of ceremonies and introduced the first band. Mastodon opened the concert with their powerful sound, paying homage to Sabbath from the very first minute, in an already packed stadium. They launched enormous beach balls that the crowd tossed around as the Atlanta band performed their tribute. Troy Sanders was the first to thank Black Sabbath for inventing Heavy Metal: "Thank you to the mighty Black Sabbath for inventing this genre that we call home." For "Supernaut," they invited Danny Carey from Tool, Eloy Casagrande from Sepultura, and Mario Duplantier from Gojira for a brutal four-drum rendition of the classic. With this powerful entrance, they made it clear that the setlist would consist of one or two of their own songs and a Black Sabbath cover as a tribute. Setlist • Black Tongue • Blood and Thunder • Supernaut (Black Sabbath) Rival Sons Next up was Rival Sons, with a cleaner, bluesier sound. Jay Buchanan joked that he hoped it was okay to play Rock & Roll considering it was a Metal show. Although they were perhaps the band that stood out the most in the double bass drum and full-throttle distortion atmosphere, it's worth remembering that they were the opening act for Sabbath's 2017 tour, so there was already a strong connection between the two groups. Setlist • Do Your Worst • Electric Funeral (Black Sabbath) • Secret Anthrax gave a short but very intense performance, lasting just 15 minutes. As a side note, Scott Ian and company wore matching "Sabbath Bloody Anthrax" t-shirts. Before launching into their version of “Into the Void,” Scott told the audience, “We’re not here to say goodbye, we’re here to say thank you,” in another touching moment. Setlist • Indians • Into the Void (Black Sabbath) Halestorm continued the afternoon. Lzzy Hale asked, “Where are the women of Heavy Metal?” before starting, to which the women in the crowd raised their hands. This time, the tribute wasn’t to a Sabbath song, but to an Ozzy Osbourne solo track, “Perry Mason,” from Ozzmosis ’95. Setlist • Love Bites (So Do I) • Rain Your Blood on Me • Perry Mason (Ozzy Osbourne) Lamb of God followed, a band I must be honest, I wasn’t familiar with, but they delivered a phenomenal version of “Children of the Grave,” complete with double bass drums that gave it a brutal power. Randy Blythe would say before starting the cover: “We all came here to celebrate one band, Black Sabbath,” before getting the entire stadium to chant the name of the band being honored. Setlist • Laid to Rest • Redneck • Children of the Grave (Black Sabbath) Following this came the first Supergroup ("All-Star Jam") , led by Tom Morello, who organized several special lineups throughout the day. Musicians from Tool, Anthrax, Van Halen, Faith No More, Disturbed, Guns N' Roses, Judas Priest, Smashing Pumpkins, and Red Hot Chili Peppers participated, demonstrating two things: first, that perhaps even two or three days wouldn't have been enough for the number of bands eager to contribute to the tribute, so these jams had to be organized to accommodate more people; and second, that Sabbath's musical influence and the affection for Ozzy and the rest of the band goes far beyond heavy metal. Among the musicians were Jake E. Lee (Ozzy's guitarist), Scott Ian, and Nuno Bettencourt on guitars; David Ellefson and Frank Bello on bass; Mike Bordin and Sleep Token II on drums; and Adam Wakeman on keyboards. The singers were Lzzy Hale, David Draiman, Whitfield Crane, and Yungblud. The songs performed were: "The Ultimate Sin" (Ozzy Osbourne cover, led by Lzzy Hale) "Shot in the Dark" (Ozzy Osbourne cover, led by David Draiman, who received some boos for his Zionist stance) "Sweet Leaf" (Black Sabbath cover, led by David Draiman) "Believer" (Ozzy Osbourne cover, led by Whitfield Crane) "Changes" (Black Sabbath cover, led by Yungblud, who delivered one of the most moving moments with his rendition of the ballad) Following this first set of Supergroups or Jams, a pre-recorded performance of Jack Black singing "Mr. Crowley" was shown on the screens, creating another emotional moment of the afternoon. He made a brilliant reference to School of Rock by having kids in his band, including Roman Morello (Tom's son) and Ravel Ian (Scott's son). That detail earned him a standing ovation from the stadium. Alice in Chains returned to the band format, playing their own songs and a cover, but started with some microphone problems. Jerry Cantrell recalled how Sabbath directly influenced the Seattle sound, and this performance marked Sean Kinney's return on drums after some health issues he experienced in May. Setlist • Man in the Box • Would? • Fairies Wear Boots (Black Sabbath) By the time Gojira took the stage, the audio problems had been resolved. The French band gave a spectacular performance, especially with "Mea culpa (Ah! Ça ira!)", the song with which they had stolen the show at the opening ceremony of the 2024 Paris Olympics. For this occasion, Marina Viotti once again joined them on vocals. One of the most celebrated moments by fans and critics. Setlist Stranded Silvera Mea Culpa Under The Sun (Black Sabbath) Then came the Second Supergroup . Tom Morello led the way with his experimental guitar, and he was joined by Nuno Bettencourt, bassist Rudy Sarzo, and three tremendous drummers: Danny Carey of Tool, Travis Barker of Blink-182, and Chad Smith of the Red Hot Chili Peppers, each with their moment to shine. I don't like Blink-182 at all, but that wouldn't stop me from recognizing Travis as one of the best drummers on the planet, and in fact, he won the drum battle against Danny and Chad during the performance of: • Symptom of the Universe After this drum battle, came the Third Supergroup , with a rotating lineup once again: Billy Corgan, Adam Jones of Tool, K.K. Downing of Judas Priest, Sammy Hagar, Vernon Reid of Living Colour, Papa V Perpetua of Ghost, Ronnie Wood of the Rolling Stones, Steven Tyler of Aerosmith, and Andrew Watt. Setlist: Among the songs: "Breaking the Law" (Judas Priest cover, fronted by Billy Corgan) "Snowblind" (Black Sabbath cover, fronted by Billy Corgan) "Flying High Again" (Ozzy cover, fronted by Sammy Hagar) "Rock Candy" (Montrose cover, fronted by Sammy Hagar) "Bark at the Moon" (Ozzy cover, fronted by Papa V Perpetua) "The Train Kept A-Rollin'" (Tiny Bradshaw cover, fronted by Steven Tyler) "Walk This Way/Whole Lotta Love" (Aerosmith/Led Zeppelin cover, fronted by Steven Tyler) Jason Momoa introduced Pantera , but in an unexpected moment, he said he was going to make a very short introduction because he had to join the mosh pit, after which he jumped off the stage onto the barricade and started the riot with the opening riff of "Cowboys From Hell". Phil Anselmo publicly thanked Sabbath for inspiring a whole generation of metalheads. Setlist Cowboys From Hell Walk Planet Caravan (Black Sabbath) Electric Funeral (Black Sabbath) After being scattered across various supergroups, Tool finally reunited as a band on stage for one of the most anticipated performances from the prog metal geniuses. Danny Carey received one of the biggest ovations of the day. Setlist Forty Six & 2 Ænema Hand of Doom (Black Sabbath) The concert had already been going on for over five and a half hours when Slayer took the stage, one of the longest sets. Despite the crowd's fatigue, multiple mosh pits erupted at Aston Villa within the first few seconds. Tom Araya delivered a heartfelt thank you to Black Sabbath for laying the foundations of an entire genre. Although they had played a few times in 2024 since their 2019 breakup, their performance was one of the most anticipated, and they did not disappoint. Setlist Disciple War Ensemble Wicked World (Black Sabbath) South of Heaven Raining Blood Angel of Death After Slayer's devastating performance, Fred Durst of Limp Biskit (another band I just can't stand) dedicated a few words via video and a minimalist version of "Changes" , with just guitar and cello, demonstrating that when he's not barking like a rabid dog, he can actually sing well. After this moment of calm, the intensity of Guns N' Roses arrived. Axl took a moment to thank Ozzy and Sharon for inviting them, momentarily losing his train of thought. In any case, they didn't disappoint, delivering another relatively long set of six songs, four of them covers, surprising everyone with their less common Sabbath material. Setlist • It's Alright (Black Sabbath) • Never Say Die (Black Sabbath) • Junior's Eyes (Black Sabbath) • Sabbath Bloody Sabbath (Black Sabbath) • Welcome to the Jungle • Paradise City Metallica kicked off the pre-headline, being the last band to perform in the tribute. After playing “Hole In The Sky,” James shouted, “Look at all of this love for heavy metal!”, after which he thanked Black Sabbath for making Metallica possible. Setlist Hole in the Sky (Black Sabbath) Creeping Death For Whom the Bell Tolls Johnny Blade (Black Sabbath) Battery Master of Puppets Sometime that afternoon, possibly during Guns N' Roses or Metallica's performances, something very symbolic happened backstage. Slipknot's Sid Wilson met Kelly Osbourne at Ozzfest in 1999. Over time, they began seeing each other frequently, became a couple, and in 2022 welcomed their son, Sidney. Well, the Slipknot DJ decided to stand backstage in front of the entire Osbourne clan and announce that he had something to say: "Kelly, you know I love you more than anything in the world." Ozzy, being Ozzy, said, "Fuck off, you're not marrying my daughter," to which a flustered Sid handed Kelly the ring and proposed, amidst applause from Sharon, Jack, Ozzy, and the camera that captured the moment, which went viral. The moment becomes even more poignant, as Ozzy managed to give his approval to Sid's unique style before he passed away. The historic moment: Ozzy Osbourne After a long eight hours, past 9 p.m., Ozzy, the Prince of Darkness, appeared on a massive black throne that rose from the floor on a platform, creating an incredible effect. The stadium erupted, and I think we all felt a lump in our throats. I mean, we all knew about his fragile health, that he was struggling during rehearsals with Black Sabbath and couldn't stand. And I think we all thought the same thing when he struggled to his feet and thanked the crowd: This guy organized his own funeral. He's a damn genius. And we weren't wrong; what we didn't know was that his passing was only two weeks away. Visibly affected by his health problems, but emotional and grateful, he delivered a five-song set. Many attendees considered it the most moving moment of the entire event, and only God knows the effort it took for him to perform five of his best solo songs, accompanied by Zakk Wylde, Mike Inez, Adam Wakeman, and Tommy Clufetos. Ozzy’s Setlist I Don't Know Mr. Crowley Suicide Solution Mama, I'm Coming Home Crazy Train I think I wasn't the only one; "Mama, I'm Coming Home" broke me. It hit me then that this wasn't "just" a concert; it was a funeral that Ozzy had arranged while he was still alive, to celebrate with his friends, his family, and his fans. A long ovation followed as Ozzy tried in vain to stand, clearly frustrated. I would have loved to hear "No More Tears," my favorite song from his solo career, especially since Mike Inez was there. The definitive end: Black Sabbath After a video reviewing the band's entire history, Tony Iommi, Bill Ward (who managed to smooth things over), and Geezer Butler (in enviable form) appeared for the last time. And the magic happened. If Ozzy seemed fragile during his solo set, he somehow found strength for his swan song. The reunion closed the night with just four songs, but they were the four that practically invented heavy metal. Black Sabbath’s final Setlist War Pigs N.I.B. Iron Man Paranoid Ward at one point took off his shirt, unashamed to show the passage of time. When “Paranoid” ended, Villa Park erupted in fireworks as the four musicians waved together for the last time, embracing Ozzy. Black Sabbath reminded the world that Rock and Metal don't die, they transform, branch out, and expand, and even today, 56 years after releasing those songs, they sounded just as powerful and glorious. For rock and metal fans, Back to the Beginning remains one of the most important concerts in history: a monumental farewell to the band that created an entire genre, and which, incidentally, showed that the Rock and Metal family can still unite in a massive event. The concert had over 40,000 attendees at Villa Park. Millions more followed the online broadcast. Around £140 million was raised for charity. It was the last performance by the original Black Sabbath lineup. And it was Ozzy Osbourne's last public performance before his death on July 22, 2025. He died peacefully, surrounded by his family, at his home in Jordans, Buckinghamshire, England. Ozzy did what he wanted, and he left as he wanted. He had nothing left to prove to anyone. And yet, he organized this concert, which will become legendary in time, if it isn't already. The world of rock and metal thanked him that day, but I firmly believe that Ozzy organized everything to thank himself: his bandmates, Sharon, his family, his friends, the metal court he helped create and which surrounded him that day, his fans… and death, which granted him permission to indulge in that final pleasure. By Corvan Jul/22/2026 PINK FLOYD “We're just two lost souls Swimming in a fish bowl, Year after year, Running over the same old ground. What have we found? The same old fears.” REWRITTEN INTRO "B+" Main Decade: 70's Main Eras: Psychedelia (1966-1969) Progressive (1968-???) Key Members: Syd Barret, Guitar 'til 1968 Roger Waters, Bass David Gilmour, Guitar Nick Manson, Drums Rick Wright, Keyboards Key Songs : Comfortably Numb, Echoes, Shine on You Crazy Diamond, Wish You Were Here, Dogs, Money, Time, Sheep, One of These Days, The Great Gig In The Sky, Have a Cigar, High Hopes, Us And Them, Mother, Breathe, Learning To Fly, Welcome to the Machine, Pigs (Three Different Ones), One Of These Days, Keep Talking, Hey You, Fearless, The Happiest Days Of Our Lives, Another Brick In The The Wall pt. 2, Set The Controls To The Heart Of The Sun, A Pillow of Winds, What Do You Want From Me, In The Flesh, Astronomy Domine, The Nile Song, Interstellar Overdrive, Goodbye Blue Sky, Cymbaline , Brain Damage, Run Like Hell, Take It Back, On The Turning Away, Wot's Uh The Deal, Summer '68, Ibiza Bar, Bike, The Narrow Way Pt 3, The Final Cut Link to the Cavern's Spotify playlist of THE BEST PINK FLOYD SONGS Of all the bands I've discovered, three are tied for third place in my personal taste. The Doors and Led Zeppelin came next, immediately after I discovered the Beatles and the Stones. Today I'll talk about the third, whom I came to much later, and who slowly climbed the ranks to a shared third place: Pink Floyd. My favorite radio host (that Claudia Angélica whose smile you could almost see behind the microphone) introduced them as "Music you dance to with your mind," a description I've never been able to find better. Pink Floyd was three bands. Three bands that formed a three-headed monster and created some of the most perfect albums in history. I'm not exaggerating. Each Pink Floyd incarnation has its pros and cons, but on balance, each one offers far more advantages. Barrett's madness, Waters' atmospheric soundscapes, and Gilmour's precision made Pink Floyd a band for three different generations, all sharing the same roots. The story begins in the early 1960s. Roger Waters and Roger Keith “Syd” Barrett grew up in Cambridge. They had known each other since they were teenagers, attending nearby schools and sharing an interest in music and art. David Gilmour, a friend of both since adolescence, was also in this same circle, though he wasn't yet part of the band. In 1962, Roger Waters moved to London to study architecture at Regent Street Polytechnic . There he met two other students who would change his life: Nick Manson and Rick Wright. The three quickly connected over two things: architecture and their love of rhythm and blues. Thus, they formed the precursor to Pink Floyd, called Sigma 6, which also included Keith Noble, Clive Metcalfe, and Sheilagh Noble, playing covers at university parties. There were many lineup changes, and at some point Bob Klose joined on guitar, adding a certain sophistication to the group with his jazz background. The band's name also came and went. Among others , they were called The Meggadeaths (!!!!), The Abdabs , The Screaming Abdabs , Leonard's Lodgers, Spectrum Five, and Tea Set. In 1965, Roger Waters invited his old friend from Cambridge, Syd Barrett, to join the group. That decision would change everything. Barrett was not only an excellent guitarist but also an extremely creative songwriter. He began writing original songs with surreal lyrics and music very different from what any other London band was doing. When singer Chris Dennis left the group due to RAF service, Syd also became the lead vocalist. During a performance, they discovered that another band was also called Tea Set. To avoid confusion, Syd improvised a new name. He took the names of two blues musicians he admired: Pink Anderson and Floyd Council. It was similar to when Brian Jones came up with his band's name after seeing a Muddy Waters record. Initially, they were The Pink Floyd Sound , but soon everyone was calling them Pink Floyd, and that's how they would go down in history. In late 1965, Bob Klose left the group because he was more influenced by jazz, and Syd was increasingly steering them towards a psychedelic sound. This led to the formation of the quartet we know from Pipers . With their surf-rock, psychedelic sound, spacey, surreal, and wild lyrics, long improvisations, echoes, reverb , and kaleidoscopic lighting effects, they began to make their way onto the London scene. By late '66 and early '67, they were the most sought-after band at the UFO Club. In February 1967, they secured a record deal with EMI to record their debut album, no less than at the already famous Abbey Road Studios, where The Beatles were in the middle of the Sgt . Pepper sessions. While legend has it that Syd managed to get along well with John and Paul and listen to some recordings from the booth, from which he supposedly stole a couple of ideas, Waters says that he bumped into Lennon in the corridors and that he behaved like a complete idiot. To be honest, it took me a very, very long time to appreciate Syd Barrett, the leader of Pink Floyd's early period; but when I did, I was able to fully appreciate their subsequent eras and elevate the band to such a high level in my opinion. Barrett was only fully present on the first album, *The Pipers at the Gates of Dawn* from 1967, but his madness lingered like a shadow at least until '71. *The Pipers at the Gates of Dawn* is definitely among the 10 most important albums of '67. Why? Because it was perhaps the most revolutionary in terms of sound in a year when sound itself, almost everything produced, was revolutionary. The album's cosmic aura can only be perceived after many listens. At first, I deplored it, and frankly, I thought it was the work of a madman. It is, but in the best possible way. Only Cream's Disraeli Gears, with Clapton's greater lucidity, managed to portray the pure psychedelia of the era as well, albeit from a different perspective. In PATGOD, sharp lyrics, neurotic sounds, spacey atmospheres, and songs that grate on the nerves to the point of enjoyment, to a sweet sonic masochism, all shine through… Barrett was an misunderstood genius. The music he made while with the band wasn't commercial at all, and the music the band made in the years immediately following his departure was even less so. No, Syd didn't need to kill himself with an overdose to forge his legend: he simply went mad, literally, and that's why the legend isn't so widely known. It's incredible to think that just a year earlier, in '66, Pink Floyd were playing bad, hallucinatory surf covers . But Barrett sowed the seed of one of the bands that would later bring Progressive Rock out of the underground , a very difficult kind of music to digest, and yet one that never lost its unique aura. Barrett didn't just go mad from abusing LSD and perhaps other, even stronger drugs; no, he proved it, and then some. The sound of Pipers bears the unmistakable mark of acid, coupled with the psychosis it induced. Even so, the album enjoyed a degree of success, enough to land them a television appearance, where Syd, I don't know if unhinged or more lucid than anyone would have guessed, would stop playing and freeze like a statue while they filmed, leaving everyone on tenterhooks. And when the recording stopped to lecture him, he'd start playing like never before. But let's get back to the music; that first Floyd album was a faithful reflection, both rhythmically and lyrically, of what was happening in 1967: utter ruin, but a ruin with utopian undertones. “ Astronomy Domine” is one of the densest songs of that year, a violent song in terms of musicalization, where the progressions of the other musicians who were trying to compose the path of something that did not make much sense could already be perceived. David Gilmour was a childhood friend of Syd Barrett and Roger Waters in Cambridge. While Pink Floyd was beginning to gain fame, he played with other bands and traveled around Europe busking. In 1968, when Syd Barrett's health problems made it very difficult for him to continue performing, the others invited Gilmour to join the band. The initial idea was for him to help Syd with concerts, but shortly afterward, Barrett left the group permanently. Even on their second album, A Sourceful of Secrets , he played with them on only a couple of tracks, as they were leftovers from the previous album, and the title track, which was his only appearance with all five members of Pink Floyd . The overall result wasn't very healthy, due in part to Syd being too far gone, as the others couldn't find another leader or their own style. Barrett was supposed to focus on songwriting while the others played the music, something similar to what was about to happen with Brian Wilson and the Beach Boys, but it seems that proved impossible. So Syd made a couple of solo albums, with some consolation prize help from the others, and then he suffered his first death, the musical one. Listening to those albums, I wonder what would have happened if the rest of the band had played them. It's obvious that Floyd's early sound is more psychedelic than progressive, and those stripped-down songs on Madcap... Laughs and Barrett have impressive potential. But on their own, left to the acoustic interpretation of a demented genius, they sound very childish, certainly sincere, but not very good in my opinion. Which makes us think that in the rest of the band, Waters, Wright, Mason and (at last but not least ), Gilmour, there was potential and not everything was centered on the leader. The following years were a time of adaptation and democratic growth. Floyd already had a certain reputation, at least in the UK, and they did everything they could to maintain it. If Ringo wondered when he joined the Beatles, "What's an idiot like me doing with guys like these?" I wouldn't be surprised if David wondered, "What's a guy like me doing with idiots like these?" Gilmour joined the band for two reasons: one, because Floyd was a group that started out very successfully; and two, because he was the one who had taught the guitarist to play that way, that is, with whammy bars. Fame and money didn't work out for him, at least not in the first four years. However, he himself had evolved enough that by that time the sound was very different. On the subsequent albums ( Sourceful , Ummagumma , Atom, and chronologically, Obscured ), Floyd was a void trying to fill another void. I'm not denigrating those albums at all, but you can feel Syd's ghost in the sound, the search for the madness that had catapulted them in the first instances, but which after the debut, was nothing more than a shadow that led Floyd to live in the underground and have a commercial decline. Obscured by Clouds wasn't released until '72 , it was because he had been locked away for over a year. Following the creation of this album, but released earlier, was Meddle (somewhat similar to Let It Be and Abbey Road), the first masterpiece of the Floydian sound as we know it. Meddle already displays a maturity, no longer merely semi-improvised sounds . The creation of atmospheres begins, particularly in Echoes, where Roger's leadership becomes evident, leading him to produce a string of spectacular, quite ambitious albums throughout the rest of the 70s, now with a much clearer purpose. Likewise, David's solos became incredibly precise, astute, sometimes lacking sincerity and even possessing a certain coldness, but fitting perfectly into the musical atmosphere and enhancing it considerably. In short, they sounded like a professional, mature band, creating sounds they had perhaps intended for a long time but were only now managing to achieve. While Meddle wasn't a commercial success either, and Obscured in '72 sounded like a step backward (for reasons mentioned earlier), '73 would catapult them into history with a practically perfect, sublime album that would bring them the glory that had been so long denied them. I'm referring, of course, to Dark Side of the Moon. For many, it's the best rock album of all time. With an overproduction that, without intelligence, would have ruined any other record, on this one, the sounds, the choruses, the laughter, the effects, Gilmour's sometimes theatrical guitar, Roger's obsessive bass lines, and Clare Torry's impressive voice all come together to create very different atmospheres. Neurosis, melancholy, despair, hope, eroticism… An overly ambitious work, as I've already said, but only by aiming for the sky can anything be achieved. With this album, Floyd managed to recapture something that was being lost from the legacy of the 70s: Rock as authentic art, and perhaps it was this album that consolidated what had been started by other bands in '66 and '67. While Zeppelin reigned supreme in the early years of the decade, things turned out that Floyd's best period arrived at the precise moment when Led Zeppelin's best days were beginning to decline, resulting in a technical tie as the two best of the 70s. Pink Floyd had already achieved what they wanted: fame and money to burn. Having found a style that bordered on progressive and psychedelic without fully embracing either, they maintained the same formula for several years. It's not that prog was completely ignored until then; in fact, I consider DSOTM to be more of a very intelligent, well-produced, and well-arranged pop album than a good progressive record. But it was this album that gave the entire movement a tremendous boost. Despite the album's greatness, in my opinion, it shook the music world so profoundly that progressive and classic rock ideas quickly ran out of steam trying to reach this "peak," subsequently leading to musical decline. And I'm not just talking about the band. Movements like disco and punk emerged as a counterattack against prog , and we all know which genres triumphed. The album's influence, then, was not only musical but also sociological and cultural. Anyway. After taking a break for the first time in six years and being overwhelmed by the idea that they would never surpass Dark Souls of the Moon, Pink Floyd released Wish You Were Here in '75. If it weren't for its tremendous insincerity, it might be my favorite album by the band. And perhaps it is, depending on my mood and the weather. WYWH is a tribute to Syd Barrett, the old frontman they hadn't heard from in years and whom they had idealized. From that idealism was born a gem that breathes Syd's ghost, Shine On You Crazy Diamond, another work composed of multiple parts like in their early days, but with a very precise musical and intellectual vision. The band masterfully handles tension, building to a crescendo from the very first note, delivering pinpoint solos and lyrics that, without being at all sentimental, move the listener with their intelligent nostalgia. The rest of the album is equally superb, featuring Waters' sharp lyrics, showcasing his absolute mastery of songwriting, and Gilmour's mathematically precise guitar solos, which he used to rectify any compositional errors. The result is sublime. The thing is, Syd appeared in the flesh at the recording studio. He was bald, overweight, and had no eyebrows. It took them a while to recognize him. When they finally did, they hugged him, invited him in, and showed him what they had recorded of the album. The most well-known legend says that after this, they politely asked him to leave the studio and never saw him again. Other rumors say that Barrett kept showing up in the following days, even with his old guitar, until the security guard barred him from entering, and he spent the whole day playing alone in the street. Whatever the truth may be, the fact remains that the man they were paying tribute to had been kicked around like a dog. That was Syd's second death, the symbolic one. And that hypocrisy and lack of loyalty taints even the impressive social commentary they achieved with their next album, Animals . Incidentally, (before delving into this album), Barret excused himself with his madness to deliciously avenge this betrayal, implying from the 90s onwards that he did not remember being the founder of any band and that he didn't even know who the hell Pink Floyd was (Sometimes being crazy has advantages, I personally don't think I would have forgotten). During the recording of Animals, the tension between Waters and the rest of the band grew alarmingly. Musically, it's not noticeable. The album is another of Floyd's ambitious works, based on Orwell's "Animal Farm," to critique social stratification, politics, armies and war, and the people's inaction in the face of oppression. The result is breathtaking: the music perfectly reflects the moods expressed in the lyrics, from the despair, anguish, and fear of the sheep; the anger, savagery, rage, and blindness of the dogs; to the obsession, ambition, arrogance, and scheming of the pigs—I mean, politicians. The other third of the time, depending on the weather and my mood, this is my favorite Pink Floyd album. After another brief hiatus, which Waters used to plan what he would consider his "masterpiece": The Wall. This time, why not say it, the most ambitious work of a band that was ambitious in itself. The attempt at a rock opera, which isn't very clear on the album but is more evident in the film, has many highs and lows. Waters is so obsessed with emphasizing a vital process , but he forgets that he already did it successfully with DSOTM, and his overcomplicating things this time around makes the album have its ups and downs. As usual, Gilmour rescues the work with his guitar and with the best composition on the double album, Comfortably. Numb . However, the break is done. The tyranny with which Roger manages the album makes the barriers insurmountable. And if the rest of the band dares to put their names on the next album, The Final Cut , it's an action I don't understand unless it's out of fear of expelling another member for an even more insane act of madness than the last time. The Final Cut is a paradoxical name, and perhaps that wasn't a mere coincidence. After the lengthy legal battle that stripped Waters of the rights to the Pink Floyd trademark and his subsequent expulsion (though some call it desertion), Manson, Wright, and Gilmour once again became a leaderless band disguised as a democracy on their next album: A Momentary Lapse of Reason. In reality, David would shoulder the band's burdens (which meant he established another dictatorship) to create A Momentary Lapse of Reason in the late 80s and The Division Bell in the mid-90s. Once again, the refined sound, the meticulously crafted solos, and lyrics almost as incisive as Waters's heralded a third wind. After Pulse, their best live album, Floyd didn't breathe again until their brief reunion as a trio to ring in 2000 in Egypt, and later a reunion with Waters for Live 8 on July 2, 2005, a performance that garnered more attention than the event itself. In that brief meeting they would play the 4 “Speak to Me”, “ Breathe ”, “Money”, “Wish You Were Here” with an apotheosis closing with “ Comfortably " Numb " and a hug from the four members. There were hopes for a possible reunion, and with this event, the band temporarily positioned itself as the biggest on the planet. But the clashes between Gilmour and Waters soon resurfaced, and the hope of a reunion beyond five songs vanished. With social media, it became clear that even another reconciliation was unthinkable, since David and Roger held opposing views. Syd Barrett died of pancreatic cancer on July 7, 2006. The news was reported in the media five days later. No members of Pink Floyd attended his funeral. On September 15, 2008, Rick Wright died of lung cancer at the age of 65. This time, the three remaining members showered the keyboardist with praise. Gilmour compared him to George Harrison, calling him the "Quiet Floyd" in that he wasn't very media-savvy, but within the band, he was the one who brought balance to the group. One might have thought that the story ended there, but on November 7, 2014, Pink Floyd released a new studio album, The Endless River. It's an almost atmospheric work, with hardly any vocals, and in which they used outtakes and unused tracks left by Wright from the Division Bell sessions. Roger Waters became a media figure for his advocacy for Palestine, but also got into trouble for criticizing artists who didn't boycott Israel. In 2023, Waters released The Dark Side of the Moon Redux , a re-recording of the legendary 1973 album in a more minimalist version, celebrating its 50th anniversary. At one point, he suggested it reflected his original vision for the album, more focused on the lyrics and without so many guitar solos, in another of his attacks on Gilmour. Although technically a Waters solo album, it could be considered the last significant news about a band release until 2026. What survives of Pink Floyd is their legend, their unparalleled music, their masterful solos, their concerts in extraordinary venues, four consecutive flawless albums, and their various acts of madness transformed into genius. There were also countless rumors following their brief reunion: a world tour, a new album, a concert on the moon, and other impossible things. But most importantly, they left behind an experimental music that bordered on perfection. Lineup: Roger (Syd) Barrett on guitar and vocals; Roger Waters on bass and vocals; Rick Wright on keyboards; Nick Mason on drums. In 1968, Gilmour joined the group on guitar and vocals for the recording of their second album, while Barrett left during the recording process due to a unanimous decision and irreversible madness. And perhaps we should mention Clare Torry as a sixth member of Pink Floyd for her masterful and unparalleled vocal contribution to The Dark Side of the Moon . By Corvan Sep/23/2007 Rewritten: Jul/14/2026

MARDI GRASS (Creedence, 1972) Clic para escuchar en Spotify Artista: Creedence Clearwater Revival (B) Fecha de Grabación: Abr-Jun ‘71 Fecha de Lanzamiento: 11 de Abril de 1972 Discográfica: Fantasy Productor: Lo que quedaba de Creedence Calificación: 3 Era: Country, Country Rock y Sureño Subgénero: Southern Rock Mejor Canción: Someday Never Comes Canciones: 1) Lookin' For A Reason ; 2) Take It Like A Friend ; 3) Need Someone To Hold; 4) Tearin' Up The Country ; 5) Someday Never Comes ; 6) What Are You Gonna Do; 7) Sail Away ; 8) Hello Mary Lou ; 9) Door To Door ; 10) Sweet Hitch-Hiker. QUÉ LE PASÓ A CREEDENCE??? Honestamente yo creo que este disco estuvo adelantado a su tiempo. Sí; se adelantó 6 meses a la ruptura de Creedence. La banda debió desbaratarse tras el más o menos decente Pendulum y olvidarse de este descarrío aberrante. Vaya, el disco es tan malo que incluso en lo más profundo de Kentucky lo siguen usando para torturar a aquéllos que osan robar cerdos o votar por los demócratas! Yo tengo dos teorías para explicar lo que pasó a una de las bandas más fascinantes de fines de los 60’s, a esa que lograba lanzar 3 buenos discos en un año, que unificó alabanzas de hippies y rednecks por igual, y lograba meterlos a conciertos sin que se mataran unos a otros. Una es que John Fogerty sufrió un aparatoso accidente a inicios de 1971, mientras se dirigía al estudio con el portafolio de temas que había escrito y que comenzarían a grabar. John se estampó al pasarse una luz roja que no vio y perdió la vida. Tom, Stu y Cosmo quedaron devastados, y estaban a punto de anunciar la muerte del ídolo de una generación y la disolución de la banda, algo que cimbraría al mundo, que no estaba preparado para tal noticia. Por lo tanto, en una conspiración auspiciada por Fantasy Records y el FBI, pensaron en buscar un reemplazo. En primera instancia se pensó en William Campbell Shears, pero estaba ya ocupado reemplazando a otro muerto en otra banda, por lo que no quedó otra opción y Tom decidió hacerse una cirugía plástica para parecerse a su hermano, engañando al mundo y anunciando que era él quien renunciaba a la banda, quedando ésta como trío. De los temas escritos por John, solo pudieron rescatar dos en una hoja chamuscada que quedó tras el accidente, ya que el resto se quemó. Así que no tuvieron de otra que ponerse a escribir, algo en lo que no eran particularmente experimentados, ya que usualmente John les dictaba cómo tocar cada nota. Creedence dejaría un montón de referencias a la muerte de Fogerty a lo largo del disco, como en “Sweet Hitch Hiker”, en la que narran el motivo de distracción de John al volante, o grabaciones al revés que daban pistas ocultas. La misma portada del disco es una chica llevando la urna de las cenizas tras cremarlo, digo, tras recogerlas de debajo del coche. Las supuestas rolas cantadas por John no suenan como John… Se habían puesto a pensar en ello? Ya jamás sonaría con ese tono rasposo y potente que lo caracterizara, simplemente porque ya no era él, sino Tom. Su típica melena de honguito desaparecería para llevar otro corte, lo cual es la prueba irrefutable de esta teoría. La cuestión es que el disco es tan malo que nadie se dio cuenta de dichas pistas. Para entonces los hippies ya no les hacían caso, más preocupados en enrolarse en sectas suicidas, mientras que la nación Country había encontrado en los Eagles a otra banda californiana wanna-be-country, por lo que a nadie le importó eso de las pistas de la muerte de Fogerty, ni del nuevo disco de Creedence, ni que se separaran unos meses después. Mi otra teoría es aún más fantasiosa: autosabotaje de John. Tom había renunciado a la banda apenas después de la grabación del Pendulum, donde ya se nota un bajón de calidad, pero mantiene el sello de CCR. Tom renunció debido a que John no lo dejaba tener más peso creativo en la banda. Es demás conocido que era una especie de tirano, que definía los arreglos, los ritmos qué debía tocar cada cuál, y a cualquier respingo les enjaretaba la pregunta “Quieren regresar al lavacoches de donde los saqué?” Esto no es broma, antes de que “Susie Q” prendiera, apenas sobrevivían lavando carros. Tras la salida de Tom, pues, John ya debía estar pensando en su carrera solista, y quizás hubiera sido lo más sensato, desbaratar CCR en ese punto, con el Pendulum como un cierre decente, al menos. Qué pasó por la mente de John Fogerty? Dinero? Revancha a su hermano? Venganza a los reproches de sus compañeros al obligarlos a escribir temas, y no sólo eso, sino cantarlos? The Horror! (Sheldon Cooper dix it). Lo cierto es que el Mardi Grass sería la excusa perfecta para separar la banda e iniciar su carrera en solitario. Nadie le podría reprochar esa decisión. Autosabotaje, pues. El Mardi Grass no sólo es el peor disco de Creedence, sino un fuerte contendiente a uno de los peores de la historia, al menos de bandas de Calificación C para arriba. Tiene solo 3 temas cantados por John, de los cuales solo “Someday Never Comes” es buena. “Sweet Hitch-Hiker” es el último vestigio del Creedence rocker y ese rugido poderoso de John, pero tampoco se acerca al nivel de “Travelin’ Band” o “Green River”. Y “Looking For a Reason” parece el Soundtrack de un pésimo western, justo como el resto del álbum, y cantado con la misma apatía. El resto son temas de Stu Cock y Cosmo Clifford. Cuando John los obligó a componer, supongo que hicieron su mayor esfuerzo, pero me imagino su cara de terror cuando Fogerty se negó a cantarlas y les informó que ellos mismos lo harían. Stu intenta cantar como el viejo John, pero sonando más como cocodrilo en celo. Cosmo suena como barman de una cantina, ya borracho, intentando correr a los últimos clientes con su sentida interpretación. Pero no contento con eso, John también los puso a producir. Querían democracia? Tengan su democracia!!! En discos como este me pregunto si es realmente necesario mencionar cada tema… “Lookin' For A Reason” es el primero de John, y debió dejar a todos con la boca abierta. Cierto que CCR tenía influencias Country, pero mezcladas con Rock y Psicodelia. Esto es Country puro, con slide y requintitos blandengues y cantado con ese tono de quien está masticando y escupiendo tabaco. John canta con total desgano “I'm lookin' for a reason not to go” y uno se pregunta, porqué diablos no se largó antes? “Take It Like A Friend” de Stu Cook inicia con una buena guitarra bluesera y amenazante de John, pero el efecto se desvanece a los cinco segundos, en cuanto Stu abre la boca y empieza a cantar como si estuviera agonizando de neumonía. Lo interesante acaso sea la letra, en la que quiero pensar que aprovecha para darle una cachetada con guante blanco a John “Thought you had the honor, Took special pride in all your well laid plans”. Eso y el requinto desganado de Fogerty. Luego está “Need Someone To Hold” de Cosmo. Quizá el tema más decente de los no escritos por John. De hecho es agradable… hasta el estribillo, que rompe el encanto. La letra es un montón de quejas, y tras un rato, sin cambiar la fórmula, comienza a volverse repetitiva y pesada. “Tearin' Up The Country” tiene todos los clichés del género. Se puede imaginar este tema como soundtrack de un western barato, con la pelea de cantina, botellas rotas y vaqueros volando por la ventana. Sí, pudo servir para una escena así, pero no me imagino realmente a ningún fan del country disfrutando con esta rola por sí misma. Lo más cercano al mejor nivel de Creedence es “Someday Never Comes” , una hermosa balada de John, verdaderamente conmovedora. La música es muy simple, con la sección rítmica marcando el tiempo mientras John hace unos simples arpegios, hasta que revienta el estribillo, en un estilo Country Rocker. Básicamente usan esa fórmula para ir subiendo y bajando la intensidad de la rola, pero eso basta para que luzca. Lo que hace que el tema resalte es la enorme letra y la emotividad con que canta. Habla de su padre (y de todos los padres) que cuando les preguntamos algo, contestan “Algún día entenderás”, y John dice simplemente que pasa el tiempo y sigue sin entender, con la referencia al título. El tema puede hacerte un nudo en la garganta, sobre todo si tuviste un padre o madre así, y sobre todo si “han transcurrido lágrimas y has coleccionado polvo” y sigues sin entender muchas cosas, y tu hijo te pregunta, y tú, por más que quieres evitarlo, respondes con un “Algún día entenderás…”. Digna del Chronicle. El espejismo se rompe con “What Are You Gonna Do” , que nos regresa a la realidad del disco. Cosmo es como Ringo, se esfuerza, es agradable, intenta sonar divertido y melódico, pero no deja de ser el baterista. Sus rolas no empiezan mal, pero terminan siendo muy repetitivas, y esta no es la excepción. Quizá si la hubiera cantado John hubiese tenido más potencial… Luego viene “Sail Away” . Cosmo al menos tiene cierto sentido melódico, es más o menos afinado y su voz es aceptable. Stu no. Es buen bajista, pero aquí ni eso. El temita termina volviéndose un taladro de dos minutos y medio, y uno no puede esperar a que el tipo se embarque. “Hello Mary Lou” es un cover. Supongo que John no quería romper ese “equilibrio” de 3 x 3, pero le sobraban 2 minutos, así que fue por el Country más genérico que pudo encontrar y canta como compitiendo con sus compañeros por el peor performance vocal del siglo. Creo que es el peor tema ajeno que hace la banda. Las cosas no mejoran con “Door To Door” , de Stu. En ella habla sobre un vendedor de puerta en puerta. Y la música es casi tan horrible como el tema del que habla. El disco tiene un cierre decente con “Sweet Hitch-Hiker” . Es un tema de John, lo más cercano a los potentes rockers de CCR, con esa voz gritada y rasposa que se extrañaba, y con una guitarra crujiente e incisiva, cargada de blues. Sin embargo, le falta ese aire amenazante, y también termina cayendo en lo repetitivo. Aunque aquí suena como un oasis y es el segundo mejor tema del álbum, sería muy promedio en cualquier otro disco, e incluso me parece que está de más en el Chronicle. En resumen, las democracias sólo sirven en el papel. En la política y en el estudio, esta es la muestra de que dejan a las masas sufriendo. Creedence Clearwater Revival se iría por la puerta de atrás. Aunque el disco vendería algo por el nombre de la banda, estaba claro que John Fogerty había agotado esa fórmula que los había convertido en una de las bandas más grandes de los 60’s, y estaba claro que para él, era un lastre del que se quería deshacer. Es la única explicación que doy. Eso o mi primer teoría. Para cerrar, la calificación es 2 por "Someday Never Comes" +1 por "Sweet Hitch Hiker", que es lo único rescatable del álbum.Igual que George Starostin, me imagino a Tom Fogerty en el cielo (murió en 1990), carcajeándose aún por el Mardi Grass. Por Corvan 17/Jun/2015

QUEEN II (Álbum, 1974) Clic para escuchar en Spotify Artista: Queen (C+) Fecha de Grabación: Ago 1973 Fecha de Lanzamiento: Marzo 08, 1974. UK Discográfica: EMI / Parlophone Productor: Roy Thomas Baker / Robin Cable / Queen Calificación: 8 Era: La Gran Transición (1970-1980+) Categoría: Progresivo (1969-1976+) Mejor Canción: Ogre Battle Canciones: 1) Procession; 2) Father To Son; 3) White Queen (As It Began) ; 4) Some Day One Day; 5) The Loser In The End; 6) Ogre Battle ; 7) The Fairy Feller's Master-Stroke ; 8) Nevermore; 9) The March Of The Black Queen; 10) Funny How Love Is ; 11) Seven Seas Of Rhye . Con el Queen II, la banda comienza esa transición hacia sonidos más artísticos y conceptuales que los hace tan difíciles de catalogar, sobre todo en esta etapa temprana. Y es que Queen coquetea con diversos géneros, negándose a encasillarse en uno solo, como parecía en el disco debut, mucho más pesado que éste. Aquí juegan con la música, se divierten, rockean por un lado y por otro hacen estructuras complejas, coros impresionantes, solos majestuosos, multipartes y parece que se toman demasiado en serio su papel de músicos. Por un lado esta el lado Hardrockero de la banda, que se trasluce sobre todo en estos primeros discos, en el cual suenan con una potencia impresionante, como en la parte media de “Father To Son”, que debe ser una de las partes más pesadas grabadas ese 1974. Y por otro está ese lado ambicioso, pretencioso, artístico, conceptual, que los acerca por momentos al progresivo, como en la suite “The March of the Black Queen”. Además comienzan a jugar con ideas conceptuales. Yo en lo personal no encuentro muchas diferencias, pero se supone que el disco está dividido en dos partes, la primera cara dedicada a la Reina Blanca, luego una transición con “Ogre Battle” y las siguientes rolas del lado B dedicadas a la Reina Negra. Musicalmente las diferencias no se perciben; no hay una cara con baladas progresivas y otra con rockers furiosos. Incluso, aunque hay canciones donde domina mucho más uno que otro, la banda se dedica más bien a integrar ambas facetas musicales en una misma canción, sobre todo en las multipartes, por lo que muchas veces tenemos canciones con fragmentos tranquilos, llenos de arpegios y pianos que de pronto estallan de manera violenta sin previo aviso. Por eso es imposible decir que estén dentro de la corriente del Hard Rock (o incluso metal, Metallica mismo ha repetido que estuvieron fuertemente influenciados en fragmentos de Queen para crear el Trash) o que sean netamente Progresivos o “Art-Rock”. Otra de las dualidades del disco es en la composición. El lado blanco está compuesto casi todo por Brian May, a excepción del track que cierra esa cara, “The Loser In The End” que fue compuesto por Roger Taylor. La cara de la Reina Negra, en cambio, fue compuesto en su totalidad por Freddie Mercury, más cargado de fantasía. Otra cuestión es que aquí empiezan más un acercamiento a ese estilo de rolas que se convertirían en himnos universales. No es que las que aparecieron en este disco se hayan convertido en clásicos eternos (sólo “Seven Seas of Rhye” lo es y no es de las rolas a las que me refiero), sino que se percibe la intención y la semilla para crear rolas netamente para escenario, para cantarlas junto a las multitudes-extasiadas-que levantan-sus-manos-con-encendedores-prendidos, como en “Father to Son” o “Funny How Love Is”, que están ya dirigidas a los enormes conciertos de estadio de los que Queen se convertiría en el máximo representante. La banda aún era relativamente desconocida y ni el Queen I ni éste tuvieron mucho éxito de ventas, por lo que difícilmente daban aún conciertos multitudinarios, pero es el estilo que adquirirían después, y no podemos negar que este tipo de rolas junto con las que perfeccionarían después se prestan un trillón de veces más para ver en vivo que en versión de estudio. Queen sin duda es una banda netamente de escenario, en primera porque sabía escoger sus mejores temas y dejaban fuera cantidad de relleno de sus LP’s, en segunda por incluir estos himnos con los que generaba una comunión inmediata con el público y en tercera porque Freddie Mercury tenía una personalidad arrasadora, y se convirtió en el frontman modelo para los que después siguieron ese modelo de conciertos de estadio. En fin, ya me desvié y falta aún mucho para que Queen llegue a esa etapa, pero a lo que iba es que el Queen I carece de este tipo de rolas, por lo que es la primera aproximación de la banda a este sonido. Aún así me parece un ligero retroceso respecto al debut. Nada alarmante, el disco aún es bueno y muy escuchable. No hay canciones malas realmente, e incluso la que canta Roger Taylor es bastante mejor que la del Queen I, pero son muchas canciones que van de mediocres a promedio, perdiendo parte de la frescura, potencia y sobre todo, sinceridad del debut. Aquí la banda se nota ya con visos de ambición y pretensionismo, pero se quedan a mitad de una obra verdaderamente conceptual, y parecen sobreponer demasiadas ideas y energía sin acomodarlas de manera correcta. El disco arranca con “Procession” , un tema instrumental de Brian May que viene a ser una especie de intro y marcha-de-entrada de la reina blanca. La canción la grabó en un multi track sobreponiendo pistas para dar ese efecto de tres dedos tan característico de él. No sería ni la primera ni la última vez que usaría esta técnica. Además usó el amplificador Deacy Amp para bajo de John para agregar algunos efectos (ese que suena como trompetas). Salvo eso no hay mucho que decir de esta pieza. Sigue “Father To Son” , que es una canción un tanto incómoda para-cantar-en-el-estadio-con-la-banda. Una especie de himno o canto gospeliano demasiado largo que es un claro ejemplo de Queen desperdiciando su talento. La canción de 6 minutos dura al menos el doble de lo que debería, tiene unas horribles letras universalistas, pero tiene una sección media a partir de 2:10 verdaderamente bombástica, feroz, de lo más pesado de Queen, y por momentos pateando el trasero a Zeppelin y a Sabbath. El solo de May es impresionante, utilizando de nuevo el multi track; y el riffeo del bajo de Deacon sobre el que se soportan los demás arreglos es un mastodonte derribando todo a su paso, con unos redobles enormes de batería cuando la sección media está por terminar. Esta parte es tremenda, cierto, un excelso caos musical, pero no sirve en absoluto a la supuesta intención de la rola, que es el de complacer a las multitudes. Lo que redime a la canción, a pesar de que es absolutamente contradictoria, es que musicalmente es muy buena. Si se las arreglan para ignorar las letras y consideran esta como dos canciones (un cuasi metal atravesando un himno cuasi hippie) pueden incluso disfrutarla. Yo lo hago… a veces. Después viene “White Queen (As It Began)” , que viene siendo uno de los temas “ligeros” o sin la tremenda potencia que tienen otros cortes. La canción es una bellísima y delicadísima balada, con Freddie ejercitando esas superdotadas cuerdas vocales, cantando de un modo casi operístico, pero sonando encantador de principio a fin. No sólo eso, sino que suena incluso sincero, y la manera en que entona y el sentimiento con que carga la excelsa melodía vocal realmente hace que a uno le vibre el corazón. La ambientación es minimalista, con efectos de guitarra (con phasing???) que hacen un efecto como de sintetizadores etéreos al fondo en la primera parte. Luego viene al 2:45 un solo acústico de May con efecto de cítara. Al terminar el solo da pie a que la banda suba ligeramente la potencia para un nuevo solo, ya con distorsión y a tres dedos, y todos los instrumentos creando una coda casi celestial para cerrar finalmente de manera íntima y casi susurrada. Excelente canción, y gran manejo de tiempos! Continuamos con “Some Day One Day” , canción compuesta por May, pero para variar, cantada también por él. Por el tono bajo en que canta, tiene cierto parecido con el de Freddie, pero carece de modulación, por lo que la melodía vocal luce plana, inacabada, e inmensamente repetitiva. Aburrida. Sólo como nota, brian hace prácticamente todo, la canción lleva un guitarreo acústico y arreglitos en guitarra eléctrica, pero en el solo del final interpreta hasta tres guitarras en el largo fade out. La novedad es que no las sobrepone haciendo esa triple estridencia tan característica de su estilo, sino que aquí hace arreglos por separado en las tres guitarras. Aún así, insisto, aburrida. Sigue la “joyita” que Roger Taylor aporta en cada disco. “The Loser In The End” es un rocker con un riffeo potente pero que luce sin acabar. Aún así, no es tan mala como “Modern Times Rock & Roll” y al menos la voz raspada queda mejor aquí para el ambiente tosco y sucio de la canción. Me pregunto cómo le hubiera sonado a Freddie? O mejor aún, como les hubiera sonado a Deep Purple puliéndola un poco? Parece mucho más de su estilo, no? Así termina este relativamente débil lado A o lado blanco, en el que ninguna de las piezas es compuesta por Mercury. “Ogre Battle” abre el lado B, y es una especie de transición gris entre el lado blanco y negro. Esta fue compuesta por Freddie en 1972, pero no alcanzó a entrar en el debut ya que deseaban dedicarle más horas de grabación para dejarla como querían. En este disco obviamente ya no tuvieron que grabar de 3 a 7 am y pudieron realizar esta compleja pieza que efectivamente suena a una batalla de ogros. Pero en el buen sentido. La enorme potencia de la canción conjugada con los coros operísticos le dan una sensación experimental, pero que termina siendo muy buena ya en la totalidad, de hecho, la mejor del disco. La intro de batería al revés es monumental, le da una vertiginosidad bestial a la rola. De hecho es la misma batería con que cierra la canción, pero al revés, incluyendo el gong con el que “caemos” en la canción al inicio. Además sobresale el trabajo de May, alternando esa grandiosa guitarra que suena casi épica con el sonido más pesado y casi metalero del monstruoso riff (no recuerdo si este fue el track en el que Metallica dice haberse inspirado) con una velocidad endemoniada. Una canción excelente, monstruosa, bizarra por esos grandilocuentes coros de ópera mezclados con la potencia germinal del trash. Sigue “The Fairy Feller's Master-Stroke” , compuesta por Mercury después de quedar pasmado con la pintura homónima de Richard Dadd, que a mi en lo particular me es indiferente, casi igual que esta canción. Se nota ya un acercamiento a l lado operístico que explotarán más en los siguientes dos discos, pero aquí simplemente parece un collage de demasiadas ideas sin cohesión, con buenas armonías, pero sin una melodía base que de unidad a toda la rola. La nota es que Freddie toca aquí un harpsicordio para aumentar ese tono de fantasía. Después llega “Nevermore” ligada a la anterior por el arpegio de piano con que termina una y empieza otra. Es una balada hermosa, delicada, inofensiva, de apenas 1:25 en la que Mercury nuevamente nos apachurra el corazón y nos conmueve con su calidad vocal. Muy cute, pero tampoco se puede considerar una gran rola. El noveno track es “The March of the Black Queen” que es una suite multiparte, casi de tintes progresivos. Sin embargo aún suena un tanto desorganizada, como demasiadas piezas sueltas pegadas al azar, y demasiado pomposa a mi gusto. La canción la escribió Freddie a piano y el resto de los integrantes lo van siguiendo. Lo curioso de la rola es que algunos fragmentos tienen polirritmo, ya que la voz principal va a 8/8 mientras coros y otros arreglos van a 12/8, lo que es rarísimo en el rock y hace que suene más extravagante. Está por demás decir que era imposible interpretarla en vivo. Tampoc me voy a meter en detalles explicando cada uno de los fragmentos, ya que en esta sola canción muchas bandas medianas pudieron haber sacado suficientes ideas para una discografía entera, así que vamos a la siguiente. “Funny How Love Is” es una balada acústica que surgió improvisando en el estudio. Con base acústica y tratando de imitar la “Barrera de Sonido” (Wall of Sound) de Phil Spector, la verdad es que es muy pegajosa, pero muy cursi. Y es de esas que está con toda la intención marcada de ser un éxito en los conciertos, con la gente contestándole a Freddie. A la larga nunca la llegaron a tocar en vivo porque Freddie se esforzaba demasiado en llegar a los tonos altos. Esta cute, pero mientras algunos ven el parecido a lo que después haría ABBA (con lo que coincido) como una virtud, yo lo veo como un defecto. Queen pseudometal lo puedo aguantar. Queen pseudoprogresivo también. Pero Queen pseudo ABBA??? El álbum termina con “Seven Seas of Rhye” que había quedado a medio terminar en el disco anterior y del cual solo habían incluido un fragmento del vertiginoso arpegio para cerrar. Originalmente me parece que lo iban a agregar como primer tema de este disco para dar cierta ilusión de continuidad, pero ignoro porqué al final no fue así. La canción es una aproximación al pop, y fue el single que catapultó al disco. Claro, sin duda es una canción más comercial y radiable, pero a mi gusto está muy bien hecha. La melodía funciona muy bien, la voz de Freddie suena potente y ese arpegio velocísimo de piano a la vez que resulta ser un gancho encantador, no es nada sencillo en ejecución. No es algo innovador, a fin de cuentas es una canción pop muy bien maquillada, pero para mi funciona. OK. Es un buen disco a secas. Ya se perdió el factor sorpresa del debut, con el cual realmente revolucionaron a posteriori muchos aspectos de la música. Aquí se notan pocos avances al respecto, se nota una banda ligeramente más pretenciosa, comienza esa lenta transición al sonido operístico, pero sin desarrollarlo completamente. Ah, y la portada! Casi me olvido. Esta es otra de las portadas históricas, que casi todo mundo confunde con la de A Night At The Opera por el simple hecho de que en ese disco viene “Bohemian Rhapsody” y la banda utilizó el mismo concepto de esta portada para la elaboración del video de ese rolonononóoon. Esta es otra de las señales de que todo mundo se cree conocedor de Queen y admirador furibundo sin haber escuchado siquiera los discos. Después se volvería un cliché de bandas setenteras, pero a mi me encanta la portada con los rostros difuminados en las sombras, en una especie de evolucioón del With The Beatles. Por Corvan 28/Oct/2009