SELLING ENGLAND BY THE POUND (Genesis, 1973)

Artista: Genesis (C+)

Fecha de Grabación: Ago de 1973

Fecha de Lanzamiento: 13 de Octubre de 1973, UK

Discográfica: Charisma / Atlantic

Productor: John Burns and Genesis

Calificación: 10 (MUST HAVE, DISCO ICÓNICO)

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Era: Progresivo (1968-???)

Subgénero: Progresivo

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Mejor Canción: Dancing With The Moonlit Knight, seguida por Firth Of Fifth

Canciones: 1) Dancing With The Moonlit Knight; 2) I Know What I Like (In Your Wardrobe); 3) Firth Of Fifth; 4) More Fool Me; 5) The Battle Of Epping Forest; 6) After The Ordeal; 7) The Cinema Show; 8) Aisle Of Plenty.

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Can you tell me where my country lies? – Inicia cantando Peter Gabriel casi a capella…

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Este debe ser uno de esos momentos climáticos de La Caverna. Una de las reseñas más esperadas, no sólo por ustedes, sino por mí. Es ahora cuando me pregunto: realmente todos los álbums a los que he dado un 10 lo merecen? Trato de dar las calificaciones de la manera más objetiva posible, pero es sabido que mi sistema es “más laxo” que el de otros reseñistas, pero podría ponerme más exigente que ellos. Casi todos los discos tienen pequeños pecados, o más bien, detalles que les impiden llegar al a perfección: un “Bitter Happier”, un “On The Run” o un “Revolution #9” por mencionar algunos ejemplos. La cuestión es que, si tuviera que comparar todos los álbumes con el Selling England By the Pound, no tendría más de 10 con calificación perfecta. Pero también es cierto que es una vara demasiado alta con la cual medir. Con éste álbum Genesis alcanza una perfección y equilibrio nunca antes vistos, no sólo en el ámbito del Progresivo, sino en el Rock en general. Es una combinación sublime de atmósferas, temas complejos en cuanto a su estructura, letras increíblemente ingeniosas y divertidas, melodías espectaculares, y arreglos que hacen que cada tema y subsección sean interesantes y entretenidos de principio a fin, con un despliegue instrumental que raya el virtuosismo, pero sin que la banda suene pretenciosa. Son simplemente 53 de los más exquisitos minutos en la historia del Rock.

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Era 1973 y el mundo estaba en pleno estallido del Progresivo, que había desbancado definitivamente al Hard Rock. Led Zeppelin aún se erguía como una gran fuerza, pero Pink Floyd le había robado el cetro con su Dark Side of the Moon en marzo, al que el Houses of the Holy, lanzado una semana después, ya no le pudo competir. Sería pues un año crucial, con obras como el Tyranny And Mutation de Blue Oyster Cult, el debut epónimo de Camel, el Future Days de Can, Brain Salad Surgery de ELP, el Larks' Tongues In Aspic con la nueva formación de King Crimson, A Passion Play de Jethro Tull, que intentaba dar seguimiento al Thick as a Brick, el debut de Queen que tendía más al Prog, y el Yessongs. Un año glorioso para el género.

Genesis, había lanzado el año anterior su Foxtrot, que había tenido relativamente buenas ventas y definitivamente mejores críticas, un disco muy teatral, con guitarras poderosas, una gran lírica con humor, cinismo, muchos personajes, una mezcla de fantasía y realidad, y una joyísima como “Supper’s Ready” pero el grupo aún estaba lejos de la fama y el status de Floyd, Crimson, Yes y ELP. Para finales de 1972 aún estaban metidos en la gira del Foxtrot, que se les extendió en USA por la buena respuesta del público. La banda había ampliado su base de fans, y la respuesta de los críticos al álbum había sido buena, pero había medios que los seguían comparando negativamente con otras bandas progresivas. Para el verano del ’73, prácticamente sin receso tras la gira, se metieron al estudio, ya que Charisma Records los presionaba con una nueva entrega, y les dio un plazo de 3 meses, por lo que de inmediato se pusieron a trabajar en material nuevo. Por esas fechas, Collins se unió con Peter Bank, exYes, para dar algunos conciertos, y el resto de sus compañeros se temían que dejara Genesis, lo cual, como ya sabemos, no ocurrió (cof-cof desgraciadamente) sino hasta 1996. La banda rentó una casa cerca del Zoológico de  Chessington para ensayar y preparar las nuevas canciones, pero por los vecinos, que se quejaban del ruido, había que sumarle el inconveniente de que no podían trabajar hasta muy tarde. Con la presión del tiempo, el Selling England By The Pound es un álbum mucho más democrático, con Tony Banks contribuyendo con “Firth of Fifth”, “More Fool Me” escrita y cantada enteramente por Phil, “The Cinema Show” escrita por Banks y Rutherford, y “I Know What I Like (In Your Wardrobe)” siendo un esfuerzo conjunto que nació con la banda palomeando sobre un riff de Hackett. Gabriel escribió todas sus letras en apenas 2 días, lo cual es de resaltar siendo que son de una calidad increíble.

El grupo entró a los estudios Island en Agosto, nuevamente con John Burns como productor, ya que habían trabajado muy bien con él en el Foxtrot y sabía de antemano qué es lo que buscaban, además de que había aprendido trucos para desarrollar los complicados arreglos que la banda quería. Burns sería fundamental en el resultado final del disco, que se terminó en apenas 4 semanas.

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El resultado sigue dejando sin aliento a pesar de los años transcurridos. El Selling England by the Pound es un disco perfecto. Combina una colección de historias cortas, fábulas y cuentos de hadas, con una ambientación medieval de la antigua Inglaterra. Las historias se entrelazan para hacer un disco que, si bien no es propiamente conceptual, gira sobre una idea bastante sólida. Gabriel no quería que la prensa británica tomara a Genesis como una banda que se había americanizado tras la extensa gira. Lo curioso es que, a pesar de que la temática es anglocentrista, sería un trancazo en USA, a diferencia de discos como el Green Preservation Society y Arthur de los Kinks, de los que definitivamente toma mucha influencia.

Los arreglos y detalles son los que hacen de este disco superior al Foxtrot y al The Lamb. Tony Banks se quita el freno de mano que parecía tener en obras previas, y muestra por fin su pleno potencial y virtuosismo. Generalmente se le ubica muy por debajo de genios como Keith Emerson o Rick Wakeman, pero lo que hace aquí es simplemente descomunal. Es el primer disco en el que usa sintetizador, y a pesar de que en los siguientes discos irá abusando cada vez más de ellos, aquí lo usa de forma mesurada para crear atmósferas hermosas, atinadas y de buen gusto. Lo increíble es que, aunque hace un gran despliegue de sintetizadores, el piano sigue siendo la figura principal, teniendo más relevancia que en ningún otro disco de Genesis. 

Steve Hackett también juega un rol preponderante, siendo el disco con más presencia de guitarras en todo el catálogo de Genesis. Es Hackett quien da el sonido distintivo al disco, siempre dinámico, ya sea con adornos, arpegios o riffs que le dan personalidad propia (no sólo a las canciones, sino a cada subsección), o ya sea con solos de primer nivel, tanto en el aspecto melódico como en el técnico. 

Phil Collins suena descomunal. En secciones de “The Battle of Epping Forest” parece ir cambiando de tiempos con una facilidad inusitada. Aunque me parece que su cúspide como baterista es en el Foxtrot, se las ingenia para llevar los intrincados ritmos sin sonar forzado, y reventando los temas cuando lo requiere. Por otro lado, es la primera (y no sé si única) vez en que hay consenso universal en que sale con una canción de  su autoría, no sólo decente, sino hermosa. Mike Rutherford, hace gran mancuerna en la sección rítmica, aunque a mi gusto, también suena más discreto que en el Foxtrot, y con mucho menos volumen, dando más protagonismo a los teclados y guitarra. Sin embargo, tiene momentos brillantes como el bajeo de “I Know What I Like (In Your Wardrobe)” donde imita el efecto de una podadora. Rutherford además aportaría con guitarras rítmicas y el sitar eléctrico.

Bien, tenemos teclados y guitarra a nivel virtuoso y una gran sección rítmica… qué nos falta? Bueno, Peter Gabriel. Y ojo que no digo un gran vocalista, un gran letrista o un gran melodista. Digo simplemente Peter Gabriel porque aquí excede cualquier expectativa que pudiéramos habernos hecho en el de por sí ya espectacular Foxtrot. Gabriel es quien da unidad y forma a esta obra de sátira británica medieval.  Aunque sólo escribió letras de 3 canciones (4 si consideramos el reprise “Aisle of Plenty”), es más agudo, cínico, teatral, emotivo y efectivo que nunca. Esos 3 temas son sin duda la columna vertebral del disco, los temas épicos que serían infaltables en conciertos de Genesis incluso tras su salida, y en buena medida, los responsables que de la banda haya conseguido ponerse al fin a un nivel similar al de Floyd, Yes, King Crimson y ELP. Lo que hace Peter Gabriel es simplemente una cátedra de lo que un frontman debe hacer: Desde el despliegue vocal, que tiene pasajes conmovedores y emotivos como esa apertura a capella, hasta momentos de lo más bobos en los que representa no sé cuántos personajes haciendo diferentes entonaciones. Melódicamente es impecable, llenando de ganchos cada momento (esos “picnic” de The Battle of Epping Forest” son imposibles de olvidar por semanas). Y las letras, bueno, se podría hacer una maestría dedicada a analizar no sólo los dobles sentidos que aún sigo descifrando, sino la jerga británica que en muchas ocasiones despista hasta a los estadounidenses. Esto ocasionaría que la prensa le diera mucha más atención a él que a la banda en sí, y crearía la fractura que llevaría a su salida.

Finalmente, el armado del disco es también perfecto. Muchas veces me quejo del orden de las canciones incluso en discos de 10. Aquí hasta eso está perfectamente calculado, logrando que el disco no sea cansado en absoluto: Un Prog épico, un temita pop corto, Prog épico, balada, Prog épico, instrumental corto, Prog épico, reprise corto. La banda pues, aprendió en el proceso y logró hacer un disco intachablemente balanceado.

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El disco arranca con “Dancing with the Moonlit Knight”, un precioso y complejísimo tema que debe estar entre los 3 mejores de Genesis, si no es que es el mejor. La canción surgió como una combinación de piezas pequeñas de piano escritas por Peter, que lograron unir con las figuras de guitarra de Hackett que usa como puentes. El resultado es simplemente maravilloso. Siendo un álbum que habla sobre la decadencia de Inglaterra, y su nostalgia por lo antiguo, aunque no desde una perspectiva moderna, sino una que da una sensación medieval. Es el tema que sienta las bases y el mood del disco entero, desde el inicio mismo con Peter cantando a capella “Can you tell me where my country lies? said the unifaun to his true love's eyes”. La voz es descomunal, tremendamente emotiva, sonando como si estuviera a punto de llorar. Unifauno es un juego de palabras que representa a la antigua Inglaterra. Hace una referencia a unicornio y fauno (quizá un fauno de un solo cuerno?). Gabriel no usa la palabra Unifauno como algo particular, sino para referirse a la nostalgia que se representa en la canción por la antigua Inglaterra, y la pregunta en sí, es la base para el resto del tema y el álbum entero: Dónde está mi país? Evidentemente no es una interrogante geográfica, sino de identidad. Este inicio no es solo espectacular por su poder aún sin instrumentos, sino porque da muestra de que la enorme carga de simbolismos del tema. Inmediatamente entran unos acordes monísimos y medievalescos de Steve para comenzar esa cátedra de guitarra, apenas sutilmente, mientras Gabriel prosigue: “It lies with me! - cried the Queen of Maybe, - for her merchandise, he traded in his prize”. Noten cómo canta en falsetto la parte de la reina. El país reside en la reina. Ahora, aunque se puede tomar como referencia a la figura medieval de “Queen of May” que trae lluvias, abundancia y cosechas, es mas bien una figura usada en el País de la Rosa para referirse a la Antigua Inglaterra, mientras que la “Queen Bee” representa la Inglaterra moderna e industrial. Notan la genialidad del juego de palabras? No? May-Bee!! El premio es la misma Inglaterra, y “her merchandise”, podemos intuirlo por el tremendo cinismo con que entona. El trono está prostituído. Banks empieza aquí su espectáculo de sintetizadores con ese efecto aflautado, mientras los lentos arpegios de la guitarra de 12 cuerdas de Hackett crean una sensación de laúd. Viene una línea en la que Peter hace una transición teatral: “Paper late!, cried a voice in the crowd”, un chico haciendo un juego de palabras entre noticia vieja y el frito que anunciaba el periódico vespertino. “Old man dies, the note he left was signed old Father Thames...” y noten el fraseo, en el que tiene que esperar parte de un tiempo y empezar antes de que inicie el siguiente, haciendo una métrica muy complicada, para rematar de manera dramática y casi susurrada: “It seems he's drowned… selling England by the pound”. El viejo muere, se ahoga, y el viejo es otra figura simbólica de toda Inglaterra, el Padre Támesis, que hace su muerte por ahogo más irónico. La manera en que canta el título del álbum, dejando un espacio preciso entre cada sílaba, es exquisita, y me eriza la piel cada que la escucho.

Al :50 viene un hermoso riff de Steve que da pie a segunda parte de la intro,  que sigue la misma estructura y melodía, pero un poco más rápida y con mayor instrumentación. Tony entra con piano, que le da una belleza barroca y con arreglos bellísimos. “Citizens of Hope and Glory, time goes by, it's the time of your life... Easy now, sit you down”, en la que hace referencia a la canción popular “Land of Hope and Glory” de contenido patriótico, hecha para la coronación de Eduardo VII y usada en eventos oficiales con presencia de los monarcas británicos. “Chewing through your Wimpey dreams, they eat without a sound, DIGESTING England by the pound...” Wimpey es una constructora británica que hace casas económicas. La clase media británica no tiene empacho en destruir el panorama con las viejas mansiones Tudor de la campiña, con sus conglomerados habitacionales baratos. O puede referirse a una cadena de comida rápida tipo McDonalds, por lo que, literalmente, se comen la vieja Inglaterra por unas libras (y lo genial es que la referencia puede variar a la moneda inglesa o a la medida de peso, en ese espectacular juego de palabras gabrieliano). Noten además cómo cambia la entonación en la segunda línea, casi gritando casi con desesperación el “Digesting”. La canción baja de intensidad y queda prácticamente Steve repitiendo una y otra vez el agridulce riff del :50 con guitarra eléctrica. Es el 1:20 y apenas aquí termina la Intro, solemne, majestuosa, y hecha prácticamente con la pura voz de Peter Gabriel. Si alguien tiene dudas sobre su capacidad, estos 80 segundos deberían ser suficientes. 

La primera parte comienza al 1:20. “Young man says "you are what you eat, eat well', old man says 'you are what you wear, wear well'”. Las nuevas generaciones se preocupan por la comida, que es otra forma de consumismo… se fijan cómo en estos días hasta a sus hamburguesas artesanales de pan orgánico y carne de vaca sagrada les toman fotos? Esto contrasta con el tradicionalismo de las generaciones anteriores, que se preocupan más por la imagen, e incluso el apellido es algo que va con el verbo en inglés. Además el “Wear Well” en Inglaterra se usa como sinónimo de “envejecer bien”, sin verse decrépito. Noten cómo Gabriel cambia de nuevo la personificación, haciendo unos agudos gruñones en la parte del anciano. “You know what you are, you don't give a damn; bursting your belt that is your homemade sham” sigue regañando el anciano, mientras Banks estrena su nuevo Melotrón, con efecto de coro. A las nuevas generaciones les importa un bledo las Viejas tradiciones si les resultan incómodas, y la segunda línea es algo así como “azotas tu cinturón, que es una imitación casera”. Al 2:00 entra Phil Collins con un rapidísimo redoble marcial, el melotrón explota como un coro de ángeles, luego se vuelve una trompeta triunfal  y la tensión revienta en el primer estribillo:

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“The Captain leads his dAAAAAAAnce right on through the night

- join the dance...

Follow on! Till the Grail sun sets in the mould.

Follow on! Till the gold is cold.

Dancing out with the moonlit knight,

Knights of the Green Shield stamp and shout”

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Y aquí hace tantas referencias que es imposible seguirlo. Además del capitán, que es una figura de suma importancia para un país insular que creó un Imperio gracias a su flota, es claro que habla de muchos simbolismos medievales. El grial (“grial sun” es la imagen del sol a punto de ocultarse sobre el océano), la alquimia, una figura militar que guía, caballeros de escudo verde alrededor de un caballero iluminado por la luna, las danzas, que son arraigadas en las tradiciones británicas… Está hablando de una Inglaterra MUY  antigua, mucho más que el ideal Victoriano de Davies. Moonlit Night es una noche con luz suficiente para iluminar el camino, mientras que el Green Knight, se refiere a Gawain, uno de los caballeros de Arturo que consigue el Santo Grial según las leyendas. Notan la cantidad de juegos de palabras? Por otro lado, Green Shield Stamps eran unas estampitas que te daban en Inglaterra en ciertas tiendas, y quellenando planillas, podías canjear por algún producto barato, por lo que aquí aprovecha para otro juego de palabras. El fraseo es nuevamente desfasado de los tiempos de los instrumentos, pero suena fantástico, y a partir de aquí (2:25), Hackett tiene un gran lapso de lucimiento. Primero con ese riff mastodóntico que se bambolea en 4 tonos, luego con un solo rapidísimo en el que hace tapping. Después le cambia al efecto, y da la impresión de ser el teclado de Banks, hasta que hace rugir la guitarra, para luego hacer sweep-picking creando efectos más etéreos y usando pedales para crear la ilusión, hasta que acelera de nuevo al 3:10 para reventar en un power chord. Pero en lugar de parar, vuelve a tomar vuelo y a extender el solo, hasta regresar al tapping y a ese riff mastodóntico, dando un efecto circular a toda la sección de su solo. Por cierto, sigan a Phil, que hace aquí un ritmo desquiciado, con cambios de tiempo fuera de este mundo.

La sección del solo de guitarra termina al 3:50, cuando Tony regresa con su arsenal de ángeles y Peter regresa a escena:

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“There's a fat old lady outside the saloon;

laying out the credit cards she plays Fortune.

The deck is uneven right from the start;

and all of their hands are playing apart”

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Fat Old Lady es una referencia Victoriana? No estoy seguro. “Saloon” definitivamente tiene otro sentido que el estadounidense, que significa cantina; para los británicos es como un pasillo de entrada a las viejas casas o el espacio para socializar en los barcos. En la segunda línea hace otro juego de palabras, sustituyendo las cartas del Tarot con tarjetas de crédito. Todo está viciado, corrompido, el bizarro juego, que en sí es una farsa, ni siquiera intenta jugarse limpiamente haciendo referencia  la fortuna y el juego, pero “Deck” también es palabra para cubierta, por lo que es a la vez otra analogía náutica. Esta es la “Nueva” Inglaterra, donde el honor vale un comino, donde incluso los barcos que formaron el imperio, ya no se hacen como antes.

Luego viene el segundo estribillo, repitiendo la melodía del primero pero con algunas variaciones líricas:

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"The Captain leads his dance right on through the night

- join the dance...

Follow on! A Round Table-talking down we go.

You're the show!

Off we go with - You play the hobbyhorse,

I'll play the fool.

We'll tease the bull

ringing round & loud, loud & round."

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Peter canta incluso con más teatralidad e intensidad. De nuevo las referencias medievales hacia esa cultura de casi culto que es Arturo y su mesa redonda, que se compara con estos tiempos en que se juega al tonto, la doble alegoría al caballo de batalla-caballito de madera, y se “engaña o burla” al toro o a la figura de autoridad que éste representa, o se toma como “bull ringing” que es un antiguo juego que se jugaba en las tabernas, ya en desuso. Todo esto raya en la genialidad si tomamos en cuenta que el “Down We Go” de la tercer línea era un juego (en mesa redonda) en la que cada quien escribe una palabra sin ver las de los demás, y después se forman oraciones sin demasiado sentido, como en casi todo este estribillo. No es increíble lo que hace Gabriel?

 Al 4:55 viene la segunda ronda de solos, que inicia con ese riff brutal en que Rutherford espejea a Hackett. Luego entra Banks a jugar con sus sintetizadores con ese efecto de liga, en lo que será su sección más progresiva hasta entonces (a la Yes o a la ELP), para luego irse intercalando con Steve o combinándose. Al 5:35 cambia al órgano para acelerar y crear más tensión que revientan con una calma arpegiada y el juego de platillos de Phil, que va difuminando el tema lentamente. El Outro va a partir del 6:20, con Rutherford haciendo un arreglo de 4 tonos circulares con la guitarra de 12 cuerdas, mientras los demás crean sonidos atmosféricos al fondo, y con Peter tocando la flauta, creando un efecto hipnótico y onírico, que se extiende hasta el minuto 8, cuando todo se difumina.

El tema es superlativo porque, a pesar de que Gabriel se lleva los laureles con quizá su mejor interpretación vocal ever y una de sus letras más complejas, es un esfuerzo conjunto en el que la música se combina a la perfección con la letra para crear exactamente las atmósferas que buscan. Steve y Tony tienen un rol preponderante, alternándose para crear las vestiduras. Phil está tremendo, sin sonar bombástico, pero llevando los espectaculares cambios de tiempo con precisión milimétrica. Rutherford suena más discreto, sobre todo porque el bajo tiene muy poco volumen para dejar lucir teclados y guitarra, pero también hace grandes figuras y tiene una gran labor con la guitarra rítmica. Otro punto a destacar es la estructura de la canción. El tema va progresando en distintos pasajes en un lento crescendo, hasta llegar al clímax y a la sección de solos de Steve. Posteriormente, la banda parece repetir el proceso, pero a la inversa. El tema en la segunda mitad, pareciera un reflejo de la primera, con otro verso, coro, solo de Banks, terminando en un outro que replica la épica Intro. Sería uno de lso temas más distintivos de la banda, infaltable en las giras del ’73, ’74 y ’75, con Gabriel vestido de Centurión (o Britannia), y una de las que tocaron en el concierto de reunión con Peter en 1982. No sé si sea la mejor de Génesis, pero al menos está a la par de “Musical Box” y “Supper’s Ready”, aunque aquí parecen abarcar más cosas en menos tiempo, y de forma más espectacular. Para cerrar, el mismo título es una joya. Jugando con la manera en que suena, “Dancing with the Moonlit Night” no les parece otra referencia a una antigua religión británica, llamada Wicca? Insisto, Gabriel aquí se muestra como un ser fuera de este mundo.

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Sigue “I Know What I Like (In Your Wardrobe)”, que sería el éxito comercial más grande de Genesis en la era Gabriel. Surgió como un jam a partir de un riff de Steve, al que se fueron sumando los demás, y terminaron redondeando un tema bastante simpático. La canción habla sobre un trasvesti que poda jardines para ganarse la vida. Arranca con unos extraños sonidos de sintetizadores de Banks, emulando el ruido de una podadora, hasta que al :20 se difumina y Phil comienza a marcar el tiempo. Peter recita la primer estrofa con marcado acento inglés: “It's one o'clock and time for lunch”, para luego arrancar con el tema en forma al :35, con un riff combinado de sintetizador y guitarra con efecto de sitar, creando un cálido vaivén, que a decir de la misma banda, les sonaba muy beatlesco. Rutherford suena más claro aquí, luciendo con las escalas de bajo y teniendo un peso mucho mayor. La melodía es pegajosa, pero a la vez, compleja. Peter tiene que hacer fraseos que juegan con los compases, pero cada línea suena precisa. Además lo ganchos que agrega son una delicia, como ese “prrrrt, cuckoo to you!”. Al minuto estalla el estribillo, con una melodía más pausada y el sintetizador brillando al fondo, mientras Gabriel canta con cadencia:

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“I know what I like, and I like what I know;

getting better in your wardrobe, stepping one beyond your show”

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La segunda estrofa es una joya, con un granjero hablando con Jacob sobre sus “preferencias”, diciéndole que pierde su tiempo. Nuevamente el tema central es la modernidad (Jacob poniéndose vestidos para podar jardines) contra las viejas costumbres. Phil tiene un gran performance con un beat mucho más complejo de lo que aparenta, usando más los tums que los platillos. Al final tenemos un puente instrumental o coda con flauta incluída mientras se difumina el tema con el sonido de la “podadora”. La canción dura poco más de 4 minutos y sería lanzada como single, logrando relativo éxito en la radio.

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Continuamos con “Firth Of Fifth”, compuesta mayormente por Tony Banks, con algo de ayuda de Hackett. Tony la present como propuesta desde el Foxtrot, pero fue desechada, y fue hasta en las sesiones del Selling England donde alcanzó su verdadero ppotencial. La virtuosa intro de piano que se lanza durante 1:10 es preciosa, con tintes clásicos, que recuerda un poco a Emerson, pero sin tanto exceso. Tras esto, cambian el tiempo y entra con un órgano majestuoso y la batería llevando el ritmo semilento. Mike va al fondo dejando caer las notas, mientras Peter canta:

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“The path is clear

Though no eyes can see

The course laid down long before”

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Es cierto, no es de las mejores letras de Peter Gabriel, y es que él no las escribió, sino Tony y Steve. Aún así, Peter se las apropia y hace una interpretación maravillosa y cargada de emotividad, usando su voz, como ya es costumbre, como el instrumento principal de la banda, y manejando la intensidad del tema. Al 2:05, ésta baja y Peter casi susurra: “The mountain cuts off the town from view, Like a cancer growth is removed by skill”, mientras los demás van agregando sutiles adornos al fondo. Al 2:55 vuelven a subir la intensidad por un instante para un nuevo arreglo a piano limpio, que sigue siendo el punto fuerte de Tony. Tras esto, tenemos un bello solo de flauta, en el que Gabriel se adapta al mood de la canción y no forza la flauta simplemente por tener algo qué hacer. Luego regresa Tony haciendo tintinear su piano, mientras Phil va creando más tensión que revienta finalmente con el efecto de trompetas del sintetizador, en el increíble clímax del tema. Hackett hace vibrar su guitarra en sintonía con Tony, mientras Collins se va desquiciando de manera brillante, hasta otro cambio de ritmo al 5:45 en el que toca el turno a Hackett de lucirse con un solo de tonos alargados y letárgicos, de gran manufactura. El requinto es excepcional, tomándose su tiempo para construir un mood nostálgico e igual de emotivo que la misma voz de Gabriel. Toma matices gilmourianos en cuanto a efectos, pero los sonidos son mucho más emocionales. Mi momento favorito es al 6:15 cuando alarga eternidades una nota y se carga de más eco, haciendo una estructura celestial. Técnicamente no es lo más rápido de Steve, pero me parece que es el mejor solo de su vida. Posteriormente Mike se incorpora con arpegios de 12 cuerdas, el sintetizador sigue haciendo texturas de terciopelo al fondo, y la guitarra continúa lagrimeando hasta el clímax al 7:40. Luego viene una Outro donde cambian a tonos mayores y regresan para una última estrofa. Tony Banks habló sobre la letra en una entrevista: "Mike (Rutherford) y yo comenzamos a escribir una letra muy simple acerca de un río, luego el río se convirtió en algo más que eso, un río de vida. Es un poco alegórico, y no creo que sea nuestra letra más exitosa. Siempre he estado un poco decepcionado con la letra por eso". La letra quizá no sea lo mejor, pero tampoco desentona demasiado con el contenido simbólico del disco. Lo espectacular del tema, insisto, es la instrumentación, y en particular, la sección del solo donde Steve Hackett levanta la mano para entrar al club de virtuosos.

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Tras este tema colosal, viene “More Fool Me”, que es una gran sorpresa. La canción es de Phil Collins, tanto en composición como en lead vocal, siendo la segunda desde su entrada a al grupo. Lo curioso no es solo que no sea mala, sino que de hecho es una bella balada acústica con tintes folk. La melodía es distinta a lo que hace usualmente Gabriel, pero es memorable y conmovedora, y hay que insistir en que Phil canta MUY parecido a Peter, quizá no en cuanto a intensidad, pero sí con un color de voz endiabladamente parecido, al grado que después dirían que cantaba más gabrieliano que el mismo Gabriel. El tema es romántico, sin ser demasiado sacarinoso, contando la historia de un hombre cuya amante se aleja, pero el está seguro que al final todo se arreglará. Es una balada simple, con puras guitarras y coros que armonizan de linda manera en los estribillos. La canción en vivo le daba un tiempo a Peter para descansar mientras Phil se paraba del banquillo y comenzaba sus primeros contactos directos con el público, aunque sólo duró una gira y el tema se descartó incluso tras la salida de Peter. Muchos lo consideran un mero relleno, pero el temita es realmente lindo, y es un necesario respiro siendo un sándwich entre dos temas monumentales.

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Llega ahora “The Battle of Epping Forest”, el tema más largo del disco, con casi 12 minutos. La canción es de Peter, por lo que tenemos de nuevo varios personajes en los que cambia de voz para impersonarlos. Está inspirada en una noticia que leyó en el periódico años atrás sobre peleas territoriales de dos pandillas, con personajes como Mick the Prick y Bob The Nob, que formaban parte de ambos bandos. Pondría un anuncio en el periódico para obtener más información, sin muchos resultados, por lo que mayormente la historia es inventada. En una entrevista, diría: “Suelo guardar recortes de periódicos que me interesan. La historia de "The Battle of Epping Forest" fue tomada de una noticia genuina del Times. Luego la dejé y cuando volví a buscarla la había perdido, por lo que fabriqué la historia completa acerca de dos pandillas luchando en Londres.” El tema arranca un ritmo marcial y machacón de batería de Phil, junto con una flauta militar, sentando un aire bélico. La intro dura poco más del minuto, y sin transición, Collins entra con una beat impresionante y Gabriel nos atropella con un fraseo rabioso para iniciar su versión de los hechos:

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“Along the Forest Road, there's hundreds of cars - luxury cars.

Each has got its load of convertible bars, cutlery cars - superscars!

For today is the day when they sort it out, sort it out,

'cos they disagree on a gangland boundary”

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Depués de Gabriel, claro, creo que Collins es la estrella en esta canción. En verdad hay que seguir cada baquetazo que da, ya que es formidable. Banks va creando arreglos con el órgano Hammond y raudas escalas con el piano, tratando de mantener la intensidad, pero en general, son Peter y Phil los que guían. Hay que mencionarlo, la melodía no es tan memorable. Aunque tiene esos peculiares cambios de voz, el tema se siente demasiado vertiginoso, aunque se da tiempo de agregar ganchos como esos “picnic’s” al 3:50, que son mi momento favorito de la canción. Luego rompen la tensión con un puente de guitarra cargada de eco y el sintetizador creando veloces arreglos. Gabriel inicia con un fraseo aún más ininteligible, en el que además vuelve a meter un montón de juegos de palabras. Al 5:30 tenemos otra sección, acústica y más pastoril, a la que lentamente se le van cargando más instrumentos, con un rápido arpegio de Hackett. Lo que sigue es una parte que líricamente podríamos quizá exprimir tanto como al tema inicial del disco, pero las melodías son algo más débiles y Peter exagera un poco en teatralidad. Al 7:45, Banks rescata el tema con el piano y viene luego el colosal estribillo:

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“The Battle of Epping Forest,

yes it's the Battle of Epping Forest,

right outside your door.

We guard your souls for peanuts,

and we guard your shops and houses

for just a little more”

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Con una espectacular escala descendente de piano incluida. Peter sigue con su historia de manera más histriónica que nunca. No se entiende qué rayos dice, pero la simple entonación te atrapa. Luego viene la parte de “Up, up above the crowd” que termina nuevamente con los exquisitos “picnic’s”. Traten de sacárselos de la mente. Los reto a intentarlo!!!! Tony viene luego con un solo de teclado que sienta el majestuoso outro, con Gabriel cantando: “Along the Forest Road, it's the end of the day, and the Clouds roll away” y el tema termina con Steve brillando finalmente con un pirotécnico solo.

No es el mejor tema del disco y dividiría muchas opiniones, pero es básicamente Peter Gabriel contando una intensa historia llena de personajes y juegos de palabras. La instrumentación no se sincroniza tan bien como en “Moonlit Knight”, pero está en función de la voz, y la batería de Phil es quizá lo más complejo que hizo en su vida entera.

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“After The Ordeal” nos da una pausa tras el show mágico-cómico-musical que acabamos de oír. El tema instrumental está escrito por Hackett, que hace una gran labor de guitarra, pero Tony Banks no se queda atrás haciendo preciosos y complejos arpegios de piano. La batería entra hasta el 2:10, cuando arranca un solo en forma de guitarra, lento y cadencioso. Tiene algunos lejanos vestigios de “Can-Utility and the Coastliners”, pero en general es un tema bello, en el que lucen las 2 figuras instrumentales preponderantes. Gabriel no la quería incluir en el disco, pero Steve se mantuvo firme y al final la agregaron tras una negociación sobre la duración de “The Cinema Show”, que originalmente estaba pensada para unos 25 minutos. La resistencia de la banda a incluir temas de Steve comenzarían a hacer merma en la relación y finalmente serían lo que propiciaría su salida 4 años más tarde.

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Continuamos con otro épico, “The Cinema Show”, con más d 11 minutos, que pudieron ser 25. Aunque está acreditado a toda la banda, sabemos que la composición radicó de nuevo en la dupla Banks y Rutherford. De hecho, la canción se divide en dos partes. La primera es dominada por la guitarra de 12 cuerdas de Mike, y la segunda a los teclados de Tony, donde tocó un ARP pro para dar ese peculiar sonido. Inicia de hecho a pura guitarra, con unas escalas descendentes brillantes, para luego entrar en el raudo arpegio que dará carácter a toda la primera mitad. Peter canta las letras basadas en Romeo y Julieta. Qué puede ser más británico que la obra de Shakespeare? Aquí juegan con la idea de que no hubieran muerto y vivieran en tiempos modernos, con problemas de pareja cotidianos. Julieta lidia con un trabajo, hace de ama de casa, y se queda de ver en el cine con Romeo, mientras ambos llevan vidas un tanto frustradas. En los pasajes instrumentales, tenemos arreglos de teclados, pero Peter también aprovecha para agregar flautas que aportan a esa atmósfera agridulce. Noten como Mike prácticamente hace los mismos arreglos, pero toca con más fuerza para crear más tensión. En fragmentos, Peter deja de cantar para tararear “naranás”, creando nuevos recursos que mantienen el tema siempre interesante. Al minuto 5, comienzan a transicionar el liderazgo instrumental, Hackett empieza a agregar más arreglos eléctricos, mientras la temática cambia de R&J a Tiresias, quien según la mitología rompió el tabú de géneros al vivir como hombre y como mujer:

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“I have crossed between the poles, for me there's no mystery.

Once a man, like the sea I raged,

Once a woman, like the earth I gave.

But there is in fact more earth than sea”

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 Al 5:50 se completa la transición a Banks como figura líder, con un espectacular cambio de ritmo, en el que el solo es con el Arp Pro, pero también toca el Hammond para crear esa cortina de fondo, para posteriormente reemplazarlo por el melotrón con su efecto angelical. Collins cambia el beat en esta parte a un complicado 7/8. La mejor parte de Tony viene al 8:15, con una increíble escala descendente que luego matiza con arreglos para luego regresar a ella de forma más extendida. Tony aquí se gradúa con laureles como tecladista progresivo, recordando a Keith en Tarkus, pero sin sonar tan pretencioso. No queda sino cerrar los ojos y dejarse llevar por esa marea de texturas por la que Banks nos hace navegar: “Take a little trip back with father Tiresias,

Listen to the old one speak of all he has lived through” y el tema vuelve a ligar lo antiguo con lo moderno. En 1973 la noción del transgénero era aún tabú (en cierta forma aún lo es), pero logran adecuar el tema para que encaje con lo mitológico y con el resto del concepto del disco. La canción se difumina después del clímax, regresando a 4/4 para dar pauta al último tema.

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El disco cierra con “Aisle of a Plenty”, que no es más que un reprise de “Moonlit Knight”, iniciando con la parte acústica y transicionando a la parte en que Banks agrega el melotrón de tintes etéreos.

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"I don't belong here", said old Tessa out loud.

"Easy, love, there's the Safe Way Home."

- thankful for her Fine Fair discount, Tess Co-operates”

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Peter de nuevo hace juegos de palabras en la breve sección cantada, aprovechando para conectar la canción previa con la que inicia el álbum. Safeway, Fine Fair, TessCo, son todas tiendas de Inglaterra. Tesco fue llamada así por Tess, el nombre de la esposa del fundador de la tienda. Noten el juego de palabras con la anciana Tessa de el track inicial. El reprise dura apenas minuto y medio, siendo la más corta del álbum, pero aprovecha para cerrar con ese aire majestuoso de “Dancing” y creando una idea circular del álbum. Simplemente genial!

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En fin, un disco redondo, perfecto, sin un solo momento de desperdicio.La mayor diferencia entre Genesis y otras bandas Prog como Yes, ELP y King Crimson, es que mientras éstas suenan pretenciosas y rimbombantes, Genesis no. Sus sonidos, sin dejar de ser extremadamente complejos, son ambiciosas, pero siempre la instrumentación (y el performance de Gabriel) van en función al tema, lo cual no siempre está claro en el resto de grupos del género. De hecho, quizá este sea el disco más Progresivo del grupo, por su complejidad lírica e instrumental. Resalta también el hecho de que sea el más democrático, con una formidable participación de todos. Las críticas en su momento serían divididas, pero tuvo excelentes ventas gracias a las críticas (y a que “Wardrobe”) funcionó bien como single), lo cual al fin impulsó a Genesis a las grandes ligas, a la par de otros gigantes del Prog. Hackett diría que es su disco favorito de Genesis, y Peter también dio indicios. Steve diría en una entrevista: “Nunca olvidaré la de gira en Norteamérica en 1973 cuando intentábamos conseguir repercusión allí y oímos a John Lennon decir en la estación de radio WNEW de Nueva York que amaba el álbum Selling England By The Pound. Incluso si yo ya no vendía un álbum más en mi vida, ya no importaba, siempre recordaré eso. No hay nada mejor que eso: un tributo de Lennon, que él mismo oía nuestros discos. Nos dio un estímulo tremendo.”

Con el tiempo, el Selling England By The Pound ha ido recibiendo el reconocimiento que se merece. Sus letras se han ido descifrando con las ventajas de la era digital, es casi universalmente reconocido como el mejor disco de Genesis, y la mayoría de las listas lo colocan entre los mejores 10 discos de la historia, muchas de ellas poniéndolo a la cabeza. Genesis quizá fue menospreciado en su momento, pero a la larga, el tiempo los reconocería como LA banda progresiva que creó el mejor disco del género y que sobrepasó las barreras, con un álbum que no envejece musicalmente, y cuyo mensaje, aunque es anglocéntrico, sigue siendo vigente: YA NADA SERÁ COMO ANTES. Y hay que aceptarlo. Un Must Have y un disco que con el tiempo, sería icónico, para la banda, para el género y para el Rock en general.

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Por Corvan

1-sep-17

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