BANDAS QUE COMERCIALIZARON SU SONIDO (Parte I)
Esta es otra Editorial que tenía mucho tiempo pensando. Bandas y solistas que de alguna manera cambiaron su sonido para llegar a más gente y vender más. No creo que haya problema en ello, el problema es cuando descaradamente sacrificas calidad musical por rascar dólares (cof cof, que se venden, cof cof).
Pero vamos por partes. Todas las bandas pasan por alguna evolución, es casi imposible que hagas una carrera larga con el mismo sonido de principio a fin. A menos que seas AC/DC o Creedence. Los Beatles cambiaban su sonido disco a disco, al inicio más sutilmente, después a pasos agigantados, y no se puede decir que se estuvieran vendiendo, sino experimentando y expandiéndose.
Entonces cuándo se puede decir que una banda se vendió, es decir, traicionó su sonido y sus fans por buscar llegar a más gente y vender más?
Genesis
Este caso es especialmente interesante porque el cambio fue enorme. Y paulatino.
El grupo pasó de ser un referente del Progresivo más puro, con largas composiciones, estructuras complejas, letras fantásticas y presentaciones teatrales y llenas de dramatismo, a canciones mucho más cortas, sintetizadores y estructuras pop.
El cambio se debió, evidentemente, tras la salida de Peter Gabriel y posteriormente con la de Steve Hackett. Después de hacer una búsqueda de montones de vocalistas que cubrieran el hueco de Gabriel, se dieron cuenta de que lo tenían frente a sus narices, con Phil Collins, que podía cantar más Gabriel que el mismo Gabriel. Sin embargo, con Peter también se fueron las letras complejas y arriesgadas, y larguísimas, que daban pie a estructuras musicales más complejas. Aún así, el cambio no fue de golpe, aún sacaron algunos buenos discos con Phil Collins al frente, pero tras la salida de Hackett, el cambio a un sonido más comercial se fue haciendo más evidente. Para los 80’s, Genesis distaba mucho de ser Progresivo, con sonidos más cercanos al Synth pop y letras simplonas. Sí llegaron a más gente, llegaron por fin a los charts y a MTV. Aunque no fue simplemente una decisión comercial, sino una transformación propia de la alineación, la etapa de los ochenta representa una pérdida considerable de su identidad progresiva. Y una señal de que estaban más cómodos recibiendo más libras por canciones más simples.
A pesar de las circunstancias, Genesis sigue siendo una de las muestras más claras de bandas que se vendieron.
Genesis progresivo: Foxtrot (1972), Selling England by the Pound (1973) y The Lamb Lies Down on Broadway (1974).
Transición: A Trick of the Tail (1976) y Wind & Wuthering (1976).
Genesis comercial: Duke (1980), Genesis (1983) e Invisible Touch (1986).
Peter Gabriel, por su parte, inauguraría un género que no es Progresivo, no es Pop, no es Rock, sino una mezcla de todos ellos, extremadamente innovadora, experimental y arriesgada. Y creo que en ese género sólo estuvieron él y Kate Bush.
Fleetwood Mac
Fleetwood Mac comenzó como una banda de blues británico, herederos directos de la tradición de John Mayall y los Bluesbreakers. Peter Green era el principal líder creativo, y el sonido estaba dominado por guitarras, improvisación y una interpretación cruda poderosa. Esta primer formación tenía bases en el blues tradicional y poco a poco se expandieron hacia el rock psicodélico. En esta etapa tienen canciones como “Black Magic Woman”, “Albatross” y “Oh Well”, que muestran que la banda ya podía ir más allá del blues convencional. A pesar de no ser un suceso comercial, eran alabados por la crítica y por otros músicos.
La salida de Green en 1970 fue un punto de inflexión enorme. La banda perdió a su principal figura creativa. Pero se negó a morir y comenzaron una etapa de búsqueda de identidad. Fleetwood Mac fue incorporando nuevas voces y compositores. Christine McVie, que había entrado en la banda como tecladista, comenzó a tener un papel cada vez más importante. El grupo pasó gradualmente del blues hacia un rock más melódico, con elementos de folk, pop, funk y música californiana.
En esta etapa lanzaron Future Games (1971), con un sonido más atmosférico y melódico. Bare Trees (1972), una de las mejores obras de transición, con composiciones más accesibles, y Mystery to Me (1973), donde se alejaron totalmente del blues original.
La llegada de Lindsey Buckingham y Stevie Nicks cambió completamente a la banda. Buckingham aportó una guitarra mucho más sofisticada, una producción meticulosa y una sensibilidad pop-rock estadounidense. Nicks incorporó una personalidad vocal y compositiva completamente diferente. Christine McVie, por su parte, se convirtió en una de las principales autoras de canciones del grupo.
El disco epónimo de 1975 ya no tenía nada que ver con el Fleetwood Mac de Peter Green. El álbum alcanzó el número uno en Estados Unidos. Vendría luego el Rumours, Tusk, Mirage, y un largo etcétera, que convertiría al grupo en uno de los mayores vendedores de discos del planeta.
Fleetwood Mac se vendió? No. Para 1975, el único miembro de la alineación original era John McVie. En 1975, con la llegada de Buckingham y Nicks, se debe reconocer que ya era una banda totalmente distinta, pero aferrada al nombre. No se puede decir que se hayan vendido porque literalmente, era otro grupo con un bajista que mantenía los derechos del nombre. Ahora, considero preciosa la voz de Stevie, pero no soy fan de esa alineación de la época del superestrellato. Me parece una banda pop, más que de rock, extremadamente sobrevalorada. Y aunque me echen a la hoguera, prefiero por mucho sus primeros 3 discos.
Metallica
Metallica es otro caso muy raro. Y sigo molesto con ellos por sus payasadas con Napster, por tumbarme mi primer blog y más recientemente, por su falta de compromiso político. Muchos podrían alegar que el cambio de su sonido se debió a la muerte de Cliff Burton, pero el …And Justice For All aún mantiene el espíritu Trash original de la banda, aunque Burton era básicamente irremplazable.
El primer cambio vino con el disco epónimo, más conocido como el Black Album de 1991. La banda mostró un gran cambio respecto a su sonido durante los 80’s, con canciones más cortas, lentas y simples. Ciertamente llegó a mucha más gente y sería de los discos que catapultarían al Metal al Mainstream. Pero a pesar de ser un sonido más accesible, por decirlo de alguna forma, las canciones conservaban una enorme calidad, una a una, convirtiéndolo en un disco clave de los 90’s, y para el Metal en general. Su base original se sintió traicionada, pero en lo personal creo que fue un cambio para bien.
El problema sería lo que vino después. El Load y Reload, que son una especie de discos gemelos, llevaría a la banda a alejarse del Metal y a sonar más, herrrr… Alternativos? Era como si quisieran montarse a fuerzas en la oleada Grunge, con canciones hechas para el radio y MTV. No era eso contra lo que cantaban en los 80’s? Con el St. Anger, creo que hasta sus más grandes defensores se rindieron. Posteriormente, con Robert Trujillo al bajo, retomarían algo del poder y complejidad del sonido original Trash. Sin embargo, la imagen de la banda quedaría marcada como una que inició de lleno luchando contra en Mainstream para convertirse en parte de, renunciando incluso a comprometerse con comentarios políticos.
Etapa original: Kill 'Em All (1983), Ride the Lightning (1984) y Master of Puppets (1986). Thrash metal agresivo, velocidad, riffs complejos y una actitud claramente underground.
El primer cambio: The Black Album (1991). Producción más limpia, canciones más cortas, riffs menos complejos y estructuras más accesibles.
La ruptura definitiva para muchos: Load (1996) y Reload (1997). Influencias de blues, rock sureño, hard rock alternativo y una imagen completamente diferente.
U2
U2 es uno de los ejemplos más claros de una banda que pasó de una identidad alternativa y post-punk a convertirse en una de las agrupaciones más comerciales y masivas del rock. Es eso malo? No. Si consideramos una banda que nació casi al mismo tiempo y que siguió una línea de ascenso comercial similar, tenemos a Depeche Mode. Pero Depeche nunca cambió su sonido para vender más, sino que se fue adaptando y modernizando con la tecnología. U2 inició como una banda Post Punk, encabronada con el sistema, y se terminaría sumando a ese Establishment que tanto criticaban, siendo quizá el punto culminante cuando su disco Songs Of Innocence venía incluido en el iPhone 6 en 2014
Su transformación fue gradual, y durante buena parte de ella la banda consiguió ampliar su público sin abandonar completamente su identidad. Podrá o no gustarte la banda, pero es innegable que el U2 de los 80’s se sentía fresco, con buenos Riffs y efectos de pedales, letras poderosas y sinceras, y un enojo contra el sistema como el de la portada de War. Los mismos 80’s los vieron evolucionar, con un disco más espiritual, mientras la banda continuaba su ascenso.
The Joshua Tree sería donde la banda consiguió combinar sus raíces post-punk con una producción monumental, influencias estadounidenses y canciones de enorme impacto emocional. Sí fue un cambio en su sonido, y para muchos es el mejor disco de los 80’s (no para mí), pero siendo honestos, representó una evolución artística genuina. U2 no abandonó su identidad, más bien consiguió que su identidad original funcionara en una escala mucho mayor.
Con Achtung Baby, la banda incorporó influencias de música industrial, electrónica, dance y rock alternativo. Las guitarras de The Edge adquirieron un sonido mucho más distorsionado y experimental. Creo que, como Metallica, quisieron subirse a la ola de los 90’s siendo una banda con profundas raíces en el sonido ochentero. Y a diferencia de muchas bandas que murieron en el intento, les funcionó. Achtung Baby es probablemente el ejemplo más contundente de una banda que cambió radicalmente su sonido sin perder su identidad, y al que darían continuidad con el Zooropa. Hasta aquí todo bien, llevando por buen camino ese paralelismo que mencionaba con Depeche.
El problema viene con el Pop. Desde el nombre… Y debo aclarar que al disco le tengo cierta consideración emocional porque era el favorito de U2 de mi esposa. Pero sospecho que es porque era el único que tenía. El caso es que, con el Pop, la banda se echó de cabeza en la electrónica, el dance y las influencias de la música alternativa de los noventa, siendo “Discotheque” el ejemplo más claro de una banda queriendo a toda costa sonar en los clubs de baile. No se sintió como un cambio natural, sino forzado con calzador, aunque hay buenas rolas como “Staring At The Sun” y “The Playboy Mansion”.
En el nuevo siglo, la situación empeoró. Con All That You Can’t Leave Behind y How To Dismantle An Atomic Bomb, U2 empezó a sonar como las bandas de los 60’s y 70’s tratando de encajar en los 80’s: Anquilosada, incómoda, con sonidos prefabricados y fuera de lugar. Dejaron la experimentación electrónica, y de algún modo, tratan de regresar a sus bases, con canciones más sencillas, melódicas y pegadizas con algún tinte más reaccionario que político. Pero a estas alturas, U2 estaba a un millón de años luz de los jóvenes irlandeses de raíces Punk. Los discos destilaban ya no coraje auténtico, sino el sermón enfadoso de un tío fuera de época. La transformación ya no era una evolución natural, parecía una búsqueda de relevancia y necesidad de estar.
Con No Line on the Horizon (2009), U2 volvió a explorar influencias electrónicas y atmosféricas, pero creo que mejor logradas y con un aire más sincero. Luego, Songs of Innocence (2014) y Songs Of Experience (2017) muestran un sonido que intenta ser más moderno, con producción pop y electrónica. Pero honestamente, a estas alturas, pocos van a sus giras buscando escuchar canciones de ésta última etapa.
Etapa Original: Boy (1980) October (1981) y War (1983) Post-punk y rock alternativo, la identidad original de la banda.
Rock atmosférico y épico: The Unforgettable Fire (1984), The Joshua Tree (1987) y Rattle and Hum(1988), mostrando una gran evolución artística.
Rock alternativo, electrónica e industrial: Achtung Baby (1991) y Zooropa (1993), donde muestran una reinventación genuina.
El punto de quiebre: Pop (1997) Dance, electrónica y pop experimental. Donde se fue todo al carajo.
2000 hasta la fecha: todos los discos desde entonces. Donde la banda se vuelve Rock de estadio y pop-rock, dándole una patada a los jóvenes dublineses de su primer etapa y volviéndose parte del Mainstream contra el que peleaban.
U2 se vendió? En mi humilde opinión, sí. Desde el Pop, los irlandeses buscaron abiertamente llegar a un público más amplio, pero de una forma no orgánica, sino forzada. Y en este caso, no hay excusas de cambios de integrantes o nada por el estilo. Les funcionó? Sí. Ahí no hay reproche. U2 se convirtió en una máquina de generar dinero en cuanto a ventas de discos y giras, pero aunque ciertamente han llegado a un público con mayor tendencia al pop, la escena rockera lo sigue sintiendo como una de las traiciones más imperdonables del Rock.
Muse
Muse es probablemente el caso más complejo, porque su evolución no consistió necesariamente en abandonar su sonido original, sino en exagerarlo, transformarlo y finalmente convertirlo en una propuesta de rock de estadio con hartas dosis electrónicas y de pop.
En mi cabeza, intentaron seguir los pasos de Queen… pero no les salió. O al menos no como esperaban, ya que perdieron por completo el respeto de los fans de sus primeros 4 discos.
Muse nunca perdió completamente su identidad, pero sí cambió radicalmente la proporción entre sus elementos musicales. Su debut, Showbiz, es un disco bastante más cercano al rock alternativo de finales de los noventa. Aún un tanto básico para lo que lograrían, pero ya con personalidad. Con Origin of Symmetry, la banda alcanza su nivel de madurez y clímax, con un sonido más pesado, más dramático y más experimental. Matthew Bellamy comenzó a utilizar el piano, los sintetizadores y la guitarra como elementos de una misma estructura musical, y sonaba fuera de éste mundo. Las composiciones se hicieron más complejas, con cambios de ritmo, riffs agresivos y una interpretación vocal mucho más teatral.
Con Absolution llega un cambio apenas perceptible. El disco conserva la intensidad de Origin of Symmetry, pero las canciones se vuelven más estructuradas y accesibles. Aquí Muse empieza a equilibrar dos facetas, por un lado el rock alternativo oscuro y experimental de los anteriores trabajos, y por otro el rock épico, melódico y orientado a grandes audiencias.
Con el Black Holes & Revelations es donde la transformación se vuelve mucho más evidente. Sin dejar de ser un gran disco de la etapa inicial de Muse, se notan de forma más obvia el uso de electrónica y sintetizadores, Influencias de música disco y glam rock, canciones con estructuras pop más convencionales y una producción más limpia. “Supermassive Black Hole” es el ejemplo más claro. Y es una rolota, pegajosa y potente, pero imposible de imaginar en el Origin of Simmetry. El problema son canciones como “Starlight”, que por más que sea muy mona, no deja de ser una balada pop-rock de estadio, y que les traería lo que yo llamo las “Starlight Army”. Por otro lado, el álbum también tiene “Knights of Cydonia”, que es un temazo con la ambición progresiva y teatral de Muse rozando la perfección. El disco sigue siendo bueno, pero ya mostraba al grupo con dos caminos a seguir, y desgraciadamente tomaron el más pop y comercial.
The Resistance y The 2nd Law fueron una cachetada para los que pensábamos que Muse podría ser el siguiente Radiohead. Tienen mucha mayor carga de electrónica y pop, que parecen destinados a las “Starlight Army”. Se tomaron acaso demasiado a pecho so rol como banda de estadio, y las canciones parecen hechas ex professo para ello, forzadas, artificiales, simples en algunos casos, o innecesariamente complejas en otros.
Con Drones, intentan recuperar parte de su identidad rockera, con las guitarras recuperando el protagonismo y una estructura conceptual. Sin embargo, la producción sigue siendo mucho más grandilocuente que la de Showbiz, y se siente un disco forzado, sin la espontaneidad de los primeros discos.
Con Simulation Theory, la banda se mete de lleno en la estética de los ochenta, los sintetizadores y el pop electrónico. Es como si hubieran dicho: “No les gustó el Drones? pues volvemos a lo de antes”. Y del Will of the People, mejor ni hablamos, es más en el mismo tenor, aunque en toda esta etapa no dejan de haber canciones rescatables, pero nada al nivel de “Hysteria”, ni de lejos.
¿Se vendió Muse? Mi respuesta es: Sí. Muse se comercializó progresivamente. Quizá nunca abandonó completamente su identidad musical. Siempre tuvieron una tendencia hacia la teatralidad, la grandilocuencia y la experimentación. La cuestión es que esos elementos se hicieron cada vez más accesibles y dirigidos a grandes audiencias.
El problema de generar una Starlight Army es que resulta muy tentador quedar bien con ellas. Pero dejas con una sensación de traición a tu base original.
Coldplay
Coldplay es uno de los casos más raros, porque aplicó un U2 y un Muse casi de la noche a la mañana. Sí, su sonido era más básico y melosón desde un inicio, pero los que empezamos escuchándolos como un placer culpable con “Yellow”, pronto nos entusiasmamos pensando que podrían evolucionar de manera similar a Muse o incluso Radiohead.
Y es que el Parachutes, con el que inauguraban el milenio, tenía ciertamente un montón de influencias de Radiohead, Travis, Train, y otros grupos de la escena británica, con guitarras acústicas y eléctricas relativamente discretas, su ciertas dosis de melancolía y sensibilidad emocional y canciones de estructuras sencillas, pero con atmósferas envolventes y que te atrapaban.
A Rush of Blood To The Head del 2002 amplía su sonido sin abandonar sus raíces, con guitarras más protagónicas, temas más elaborados y una producción mucho más poderosa. Rolas como “Clocks” y “Politik” mostraban a la banda evolucionando en el buen sentido, y a la vez, mandando un mensaje con el que todo mundo se podía identificar. Y sin dejar de lado las baladas sencillas y emocionales que funcionaban bien. Para mí es su mejor álbum. A estas alturas, Coldplay ya era comercialmente exitoso, pero todavía mantenía una identidad vinculada al rock alternativo.
Con X&Y todo eso se va al traste. El sonido se vuelve más expansivo, atmosférico y orientado a grandes audiencias. No hubo transición, simplemente se volcaron por completo a complacer a sus propias “Starlight Army”. Su producción se alejó diametralmente de la sencillez y espontaneidad de los primeros 2 discos y sonaba hecho a la medida para abrirse paso en las estaciones de Pop.
Con Viva la Vida or Death and All His Friends, Coldplay presenta una combinación de rock, pop, electrónica y elementos orquestales. Dejan de ser principalmente una banda de rock-pop y comienzan a convertirse en una banda de pop-rock experimental y épico. No sé si me doy a entender. Es el disco donde Coldplay deja de ser una banda de rock que incorpora electrónica y comienza a ser una banda de pop que incorpora elementos de rock.
Con Mylo Xyloto, Coldplay abandona por completo cualquier vestigio de rock alternativo que aún pudiera tener para convertirse en pop electrónico. Melodías pop inmediatas, sintetizadores y una producción monumental. Y el resto de los discos a partir de entonces, básicamente en el mismo tenor. Para resumir, Coldplay, que teníamos esperanza que se convirtiera en competencia de Radiohead, terminó siendo competencia de Ariana Grande.
¿Coldplay se vendió? Mi respuesta es: Sí. Total y absolutamente, con toda alevosía y ventaja. Coldplay comenzó como una banda de rock alternativo que prometía mucho, y terminó convirtiéndose en otro de los actos pop del montón. Llenan estadios? Sí. Su música es buena? Ehhhhhr… No, la neta no. Hay actos de pop que uno puede reconocer que son buenos, sinceros y auténticos, como Robbie Williams, pero Coldplay no es uno de ellos.
Otros Casos:
The Clash: Del punk brutal de su debut a la politización del mítico London Calling a una mezcla de Reggae, Funk, Pop y producción comercial en Combat Rock (1982). Para muchos, The Clash se vendió, pero yo creo que fue una evolución natural del Punk mezclando otros géneros que usaban desde su origen. La cuestión es que el Punk era un género incendiario que se consumió demasiado rápido y no podía mantenerse en estado puro por mucho tiempo.
Def Leppard: Sus inicios con On Through The Night (1980) y High 'n' Dry (1981), tienen un sonido más cercano al NWOBHM. Para el Pyromania (1983), el sonido se vuelve mucho más pulido y dirigido a los grandes estadios. Su máxima comercialización llegaría con el Hysteria (1987), un álbum prácticamente diseñado y grabado para crear éxitos en la radio. Se vendieron? No soy experto ni en NWOBHM y ni en Hair Metal, y Def Leppard es de las bandas que me causan enorme desidia, pero considerando sus orígenes y los comentarios de los primeros fans, sí, Def Leppard cambió su sonido drásticamente con el fin de generar más plata.
The Rolling Stones: El sonido más enfocado al disco, funk y pop de Undercover (1983), Dirty Work (1986) y Steel Wheels (1989), frente al rock más crudo de los setenta. Nop. No se vendieron, simplemente cayeron en un bache horroroso. La prueba es que son de los discos de Sus Satánicas Majestades que menos ventas reportan, por lo que no fue un giro con interés comercial, sino la absoluta falta de creatividad con el que la década tomó a muchas vacas sagradas.
Bon Jovi pasó de ser una banda de Hard Rock con estética glam a convertirse en un grupo de rock de estadios, con canciones diseñadas para grandes audiencias, con el New Jersey (1988), todavía dentro del Hard Rock, aunque cada vez con más maquillaje y spray (aunque qué pedazo de rola es Livin’ On A Prayer). Los fans los acusan de volverse mucho más comerciales en Keep the Faith (1992), y sobre todo These Days (1995) y Crush (2000). Veredicto? Ni idea, me gustan un puñado de canciones de los 80’s, nunca me ha gustado el Glam Metal. Pero a mi gusto, siempre han sonado comerciales, así que no, no se vendieron.
Aerosmith: El giro hacia el pop-rock y las colaboraciones de finales de los ochenta, especialmente Permanent Vacation (1987). Aunque la colaboración con Run-DMC pudiera ser cuestionada, hoy en día hasta Silvio Rodríguez hace colaboraciones con Calle 13. No fue del gusto de todos, pero bien visto, fueron pioneros. Y sobre el Pump y Permanent Vacation, yo creo que hicieron ajustes a su sonido, adaptándose a la época, pero sin dejar sus orígenes en el Hard Rock. Sí, hay melodías más pegadizas y vendrían baladas, pero creo que si llegó un punto en que se vendieron, fue por aceptar grabar “I Don’t Want To Miss A Thing”, que no es composición suya y tenía toda la intención de volverse el hit de verano, que lo hizo.
Green Day: El salto del Happy Punk del Dookie (1994) a la producción más pulida y teatral de American Idiot (2004). Se vendieron? No, insisto en que el Punk por sí mismo no tiene mucho margen de maniobra, por lo que era natural expandir sonidos. A esas alturas, una Ópera Punk era mucho más riesgo que una apuesta segura para sacar dólares.
The Offspring: De punk melódico y agresivo a un sonido más accesible en Americana (1998) y Conspiracy of One (2000). Ídem. The Offspring supieron adaptar su sonido, conservando identidad, aunque ciertamente volviéndose más accesibles. Mi único reproche en ésta época es el plagio descarado pero divertidísimo a “Obladi-Oblada” para hacer “Why Don’y You Get A Job”.
Iba a seguirme con las bandas en español, pero ya se alargó la entrada demasiado, por lo que lo dejaremos para una segunda parte.
Qué opinan? Faltan bandas en inglés que agregarían?
Por Corvan
30/Oct/26
